Sieben Fragen an Daniel Sterlin-Altman

Doreen Kaltenecker
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Interview: Im Gespräch mit dem Regisseur Daniel Sterlin-Altman konnten wir mehr über seinen Kurzfilm „Carrotica“ erfahren, der auf dem 36. Filmfest Dresden 2024 den Goldenen Reiter für den ‚Besten Animationsfilm‘ gewann. Wie seine Geschichte sich formte, warum er immer Stop-Motion-Filme machen wollte und warum sie für dieses Projekt einen eigenen Song komponiert und geschrieben haben.

Wie ist die Idee zu „Carrotica“ entstanden?

Der Film begann als zwei separate Ideen, die während einer Künstlerresidenz in einem kleinen Dorf in Baden-Württemberg im September 2018 zu einem Drehbuch verschmolzen. Ich hatte diese Idee von Karotten mit Gesichtern und Armen, die an einem sinnlichen und mörderischen Paarungsritual teilnehmen, während ein Mensch zusieht. Die zweite Idee war die eines Teenagers, der in seinem Schlafzimmer im Verborgenen explizite schwule Erotik schreibt und schließlich berühmt wird, im Verborgenen. Diese beiden Ideen schienen während meines Brainstormings im Jahr 2018 nahtlos zu einer sich überschneidenden dreifachen Erzählung zu verschmelzen. Mein Ziel war es, eine verwirrende, aber zusammenhängende Geschichte zu schaffen, die die Erfahrungen eines Teenagers in der Pubertät, einer alleinerziehenden Mutter und einer vom Sohn geschriebenen erotischen Fiktion miteinander verwebt.

Warum hast Du Dich für das Medium Stop-Motion entschieden und welche Materialien hast Du verwendet?

Stop-Motion ist das, was mich ursprünglich zum Filmemachen gebracht hat. Ich erinnere mich, dass ich mir vorstellte, wie ich in einem dunklen Raum mit einem fokussierten Licht arbeite und sorgfältig etwas Winziges unter einem Vergrößerungsglas modelliere. Dieses Bild war es, das mich in meinen frühen Teenagerjahren aus irgendeinem Grund begeisterte.

Aus diesem Grund habe ich seit meinen Teenagerjahren bei der Konzeption von Projekten immer eine Stop-Motion-Ästhetik im Hinterkopf gehabt. Das hat zweifellos die Art und Weise beeinflusst, wie ich die Geschichten gestaltet habe. Aufgrund der Cartoon-Aspekte des Charakterdesigns kann die Geschichte expliziter und manchmal auch vulgärer sein, als man es im Realfilm tun könnte. Gleichzeitig kann die Expressionen der Figuren recht zurückhaltend sein, während sie durch einfache Augen- und Mundformen immer noch eine ganze Menge aussagen. Ich habe das Gefühl, dass dieses Medium es mir ermöglicht, mich mit sehr intimen Themen zu beschäftigen und gleichzeitig die volle Kontrolle über die Ästhetik zu haben.

Der Film besteht aus zahllosen Materialien – das Drehteam war äußerst einfallsreich bei der Wiederverwendung von Gegenständen und Materialien in menschlichem Maßstab für andere Zwecke. Holz, Acetat, Netzmaterial, natürliche Materialien, Glitzer, wirklich alles wurde verwendet, um eine möglichst realistische Miniaturkulisse zu schaffen.

Die Puppen sind aus Schaumlatex gefertigt, das früher ein beliebtes VFX-Prothesenmaterial war. Es ist schwammig und leicht wie Schaumstoff, aber zäh und formbeständig wie Latex. Es enthält die handgeformte Textur, die aus der ursprünglichen Form stammt, und sorgt so für eine großartige Hauttextur.

Ist der Film im Rahmen des Studiums entstanden und wie lange hast Du dafür gebraucht?

Der Film war mein Abschlussprojekt im Rahmen meines MFA Animationsregie an der Filmuniversität Babelsberg KONRAD WOLF. Das Drehbuchschreiben begann 2018, die Produktion begann mit meinem Studium im Oktober 2022. Die Produktion des Films dauerte dreieinhalb Jahre (für 13 Minuten Film).

Was war Dir visuell wichtig?

Für mich war es wichtig, das Gleichgewicht zwischen cartoonhaften Puppen und hyperrealistischen Sets zu perfektionieren. Ich wollte, dass diese nicht-menschlichen Menschen in einer eindeutig menschlichen Welt existieren, um eine Ebene der intimen menschlichen Erzählung zu erreichen und gleichzeitig die Glaubwürdigkeit der Aspekte von Fantasie und Magie zu erreichen. Die Sets und alle Requisiten wurden maßstabsgetreu und sorgfältig von Hand gebaut, wobei die Materialien und Texturen besonders realistisch sind. Generell ist der Film in einer Art Teenager-TV-Melodram der 90er/00er Jahre angesiedelt, sowohl als ästhetische als auch als emotionale Referenz. Das bedeutete, dass die Innenräume stimmungsvoll, aber etwas theatralisch beleuchtet wurden. Sie sind nach dem Vorbild nordamerikanischer Fernsehsets gestaltet, mit größeren nordamerikanischen Innenräumen. Magische Szenen, wie die mit den Karotten, wurden besonders theatralisch gestaltet und verweisen auf die praktische Magie von Hollywood-Sets und TV-Specials aus den 60er Jahren, wie z. B. der Cher Show, mit großen, glitzernden Kulissen.

Es war eine große Herausforderung, die Handfertigkeit der endgültigen Ästhetik auszugleichen. Ich wollte, dass die organischen Formen offensichtlich sind und nicht am Computer generiert wurden. Die Objekte und Oberflächen sowie die VFX-Animationen (z. B. für Wasser und Rauch) sollten jedoch so realistisch und unauffällig wie möglich sein. Ziel war es, die „Regeln“ der Welt beizubehalten, damit sich der Zuschauer auf die Geschichte konzentrieren und sich von den visuellen Elementen leiten lassen kann.

Ich liebe den Song am Ende. Kannst Du mir noch etwas mehr davon erzählen?

Vielen Dank, ich bin sehr stolz darauf. Es gibt eine Szene im Film, in der der Protagonist unter der Dusche mit voller Inbrunst eine Ballade singt. Ursprünglich wollte ich die Rechte an Edith Piafs „La Vie En Rose“ erwerben, damit die Figur ein paar Takte davon singen kann, aber das erwies sich schnell als viel teurer, als es wert war. Daraufhin beschloss ich, ein allgemeines Liebeslied zu schreiben, inspiriert von misogynen Big-Band-Liebesliedern aus der Mitte der 50er Jahre, mit einem Text über die Liebe, die auf der Kontrolle durch einen Mann beruht. Mir gefiel die Vorstellung, dass ein queerer männlicher Teenager so über seinen Ehemann singt, und so entstand der Song „I Love My Husband“, der als einfaches Bekenntnis zur Hingabe an den Ehemann beginnt (bereit, wenn er nach Hause kommt, ihm Tee zu kochen), aber schnell schlüpfrig wird.

Nachdem dieses Lied geschrieben und gesungen war, kam die Fantasie auf, dieses Lied in einen echten produzierten Musiktitel zu verwandeln. Meine Hauptkomponistin Lena Radivoj brachte mich mit ihrem Kollegen Felix Gayed zusammen, der bereit war, den von mir geschriebenen Song richtig zu vertonen und ein musikalisches Arrangement mit dem FIlmorchester Babelsberg zu machen, sowie eine talentierte Sängerin, Adrienne Lewenhaupt, zu dirigieren. Das Ergebnis ist dieser perfekte nostalgische Big-Band-Song über eine Frau, die ihren geliebten Mann betrügt.

Kannst Du mir noch ein bisschen von Dir erzählen und wie Du zum Film gekommen bist?

Daniel Sterlin-Altman („Carrotica“) in Nationaler Wettbewerb 1 (Schauburg)

Bereits in der Highschool habe ich mit meinem ersten Stop-Motion-Projekt begonnen, mich mit dem Filmemachen zu beschäftigen. Die Teile fügten sich zusammen, als ich direkt nach der Highschool an der Concordia University in Montréal, Kanada, meinen BFA in Filmanimation begann. Als ich jünger war, hatte ich mich zunächst für Performance interessiert, aber vielleicht aufgrund verinnerlichter Homophobie hatte ich Angst, mich so auffällig zu präsentieren, und fühlte mich beim Geschichtenerzählen hinter der Bühne und später beim Regieführen wohler.

Mit etwas Abstand betrachtet, habe ich festgestellt, dass meine Familie damit gesegnet und verflucht ist, übermäßig sensibel für andere zu sein, und dass wir alle sehr analytisch sind, was die menschliche Verfassung angeht. Ich glaube, das hat die sensible und verletzliche Art des Geschichtenerzählens, die mich anzieht und die ich gerne erzähle, begünstigt. Und da ich selbst eine queere Person bin, ist es natürlich, dass meine Projekte von Natur aus queer sind. Das hat auch meine Liebe zum Camp und zur musikalischen Fantasie im Film gefördert.

Sind bereits neue Projekte geplant?

Ja, ich arbeite an einem Animationsprojekt mit dem Titel „Love in a Dangerous Time“, ein Liebesgedicht in einer sich auflösenden Welt. Das Projekt ist ein Experiment, bei dem ich versuche, Geschichten mit einer weniger arbeitsintensiven Technik und in einer kürzeren Produktionszeit zu erzählen. Da „Carrotica“ zu einer intensiven und überwältigenden 5-Jahres-Produktion wurde, fühle ich mich inspiriert, in kürzeren Abständen zu arbeiten, um auf die zeitgenössische Welt zu reagieren, während sie sich entfaltet. Ich spüre die Dringlichkeit der Klimakrise, ich spüre, wie wichtig es ist, meine Stimme zu benutzen, insbesondere als in Deutschland lebende jüdischer Mensch selbst, um auf den grausamen Völkermord aufmerksam zu machen, der im Namen meines Volkes in Gaza geschieht. Ich hoffe, dass ich meine eher emotionalen Methoden des Geschichtenerzählens nutzen kann, um Probleme der realen Welt in einem realistischeren Zeitrahmen anzusprechen. Natürlich werde ich trotz des reiferen Tons meiner Erzählungen auf jeden Fall dazu neigen, etwas Humor, Absurdität und Magie einzubringen, wo immer ich kann.

Die Fragen stellte Doreen Kaltenecker

Lies auch die Rezension des Kurzfilms „Carrotica“

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