Acht Fragen an Matthias Couquet

Doreen Kaltenecker
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Interview: Im Gespräch mit dem französischen Regisseur Matthias Couquet konnten wir mehr über seinen Kurzfilm „Him“ (OT: „Lui“) erfahren, der im ‚Shock Block‘-Programm des 25. Landshuter Kurzfilmfestival 2025 zu sehen war, wie er die Geschichte aus welchen Impulsen heraus entwickelte und wie er das kurze Horror-Kammerspiel visuell und inszenatorisch realisiert hat.

The original english language interview is also available.

Wie ist die Idee zu Deinem Kurzfilm entstanden?

Für mich ist es immer eine Kombination aus verschiedenen Ideen oder Interessen, die ich irgendwie zu einem (hoffentlich) kohärenten Ganzen zusammenführe. In diesem Fall würde ich sagen, dass es mit meiner erneuten Lektüre von Maupassants makabren Erzählungen begann – genauer gesagt mit einer Erzählung namens „Lui?“, die einen beunruhigenden Fall von Depersonalisations-Derealisationsstörung darstellt, mit einer Art Riff auf das Thema des Doppelgängers. Gleichzeitig suchte ich – nach der prägenden Erfahrung meines vorherigen Kurzfilms „The Summoned“, den ich viel zu lang und bisweilen zu undurchsichtig fand – nach einer Möglichkeit, in einer viel kürzeren Form zu arbeiten. Etwas, das einer literarischen

Andranic Manet

Kurzgeschichte näher kommt: effektiv, dicht und auf den Punkt gebracht, aber immer noch mit dem „Unheimlichen“, oder was wir in Frankreich ‚Le Fantastique‘ nennen – ein Genre, das mir sehr am Herzen liegt.

 

Und dann waren da noch andere Elemente: der Schauplatz des Cafés, der mich in seinen Bann zog und an meine eigenen Erfahrungen anknüpfte. Und später erinnerte ich mich daran, dass mich eine Kurzgeschichte von Richard Matheson, „Disappearing Act“ (OT: „Escamotage“), sehr beeinflusst hatte. Aber dieser Einfluss kam erst im Nachhinein wieder zum Vorschein – während des Schreibens und der Dreharbeiten war er nicht vorhanden.

An wie vielen Drehtagen habt ihr den Film realisiert?

Es war ein sehr kurzer Dreh – nur drei Tage – aber obwohl er ziemlich intensiv war, war er dank des kurzen Drehbuchs und der engen Konzentration auf einen einzigen Schauplatz und eine einzige Handlung recht überschaubar. In gewisser Weise war der Film von Anfang an als Kurzfilm konzipiert: Er war sowohl von den Mitteln als auch von der Zeit her erschwinglich.

Was lag Dir visuell am Herzen?

Andranic Manet

Ich bin versucht, „alles“ zu sagen, aber ganz praktisch war der Schauplatz – das Café – natürlich wesentlich, ebenso wie die Besetzung (die „Gesichter“) und alles andere, was die Stimmung betraf: Es ging darum, die richtige Balance zwischen dem Stilisierten und dem Gewöhnlichen zu finden. Es ging darum, sich in einem sehr banalen, alltäglichen Raum zurechtzufinden und gleichzeitig zu versuchen, ein Gefühl des Unbehagens zu erzeugen – eine leicht ‚derealisierte‘ Realität. Die Arbeit in einem zeitgenössischen Umfeld war für mich eine echte Herausforderung. In meinem vorherigen Film bewegte ich mich im Bereich eines historischen Stücks, wo es einfacher ist, mit Mitteln wie Gaslicht, Kostümen und Dekoration eine Atmosphäre aufzubauen. Hier war alles in der Gegenwart angesiedelt, in einer ziemlich anonymen städtischen Umgebung – nicht besonders ‚Filmisches‘ an der Oberfläche. Und doch war es das Ziel, eine Stimmung, ein Gefühl und eine gewisse Eleganz des Unheimlichen zu erzeugen.

Dein Grusel ist äußerst minimal, aber effektiv – wie hast Du das geschafft?

Ich bin froh, dass du das so empfunden hast, und ich danke dir dafür! Für mich geht es darum, diese sehr schwierige Mischung aus Direktheit und Unverblümtheit (da ist er, auf der anderen Straßenseite! und jetzt ist er weg!) zu erreichen und gleichzeitig nüchtern und präzise zu bleiben. Es geht darum, die richtige Balance zwischen Minimalismus und Effektivität zu finden. Es geht auch darum, aus dem eigenen Gefühl für das Fremde zu schöpfen, das einem im Alltag, in vertrauten Räumen und Situationen begegnet. Man versucht, das anzuzapfen – etwas wahrhaftig Empfundenes -, anstatt einfach von außen ‚das Genre‘ zu übernehmen. Ich weiß nicht, ob das Sinn macht.

Hast Du narrative oder visuelle Vorbilder, auf die Du zurückgreifst?

Das tue ich sicherlich, aber es ist nie etwas, das offenkundig während des Schreib- oder Filmprozesses präsent ist – nicht in dem Sinne, dass ich bewusst versuche, es ‚wie‘ zu machen. Ich würde sagen, dass ich eher von einem allgemeinen Ansatz oder einer Haltung beeinflusst werde als von bestimmten Filmemachern oder Filmen. Ich fühle mich zum Beispiel zu einer gewissen Nüchternheit und Präzision hingezogen: Ich erzähle die Geschichte mit genau dem, was nötig ist, nicht mehr und nicht weniger. Es geht darum, in jedem Aspekt des Films das richtige Maß zu finden. Es geht also mehr um eine Art, Dinge zu tun, als um die Bezugnahme auf ein bestimmtes Werk. Aber wenn man zu den Wurzeln des Films zurückgeht, ist die literarische Schuld wichtig.

Was war Dir bei der Wahl der Schauspieler wichtig?

Anthony Martin

Ich würde sagen, dass neben all den üblichen Qualitäten, nach denen man sucht – Klang, Präsenz, emotionale Bandbreite -, noch etwas Spezifisches im Spiel ist, wenn es um ‚Le Fantastique‘ geht. Es erfordert eine besondere Fähigkeit, Emotionen in den Bereich des Unbekannten zu projizieren. Ich achte besonders darauf, wie die Schauspieler dieser Art von Material eine gewisse Ernsthaftigkeit verleihen und wie ernsthaft sie Dinge behandeln können, die sonst absurd oder albern erscheinen würden. Und dann geht es natürlich auch einfach um die menschliche Verbindung – um das Gefühl, dass der Film mit diesen Menschen instinktiv funktioniert.

 

Kannst Du mir noch kurz erzählen, wie Du selbst zum Film gekommen bist?

 

Ich weiß nicht, ob ich wirklich sagen kann, dass ich ‚dazu gekommen bin‘, in dem Sinne, dass es etwas ist, das mich schon sehr lange begleitet – eigentlich seit meiner Kindheit – und dass ich schon als Teenager beschlossen hatte, auf die Filmschule zu gehen und in Zukunft zu versuchen, bei Filmen Regie zu führen. In gewisser Weise ist es also eine sehr einfache Geschichte: Ich habe mich schon in jungen Jahren für Filme und das Filmemachen begeistert.

Sind bereits neue Projekte geplant?

Ich möchte an dieser Stelle nicht zu viel verraten oder den Dingen vorgreifen, aber ich kann sagen, dass ich zum Schreiben zurückgekehrt bin und mich darauf freue, zu sehen, wie neue Projekte Gestalt annehmen und zum Leben erwachen!

Die Fragen stellte Doreen Kaltenecker
Übersetzung von Michael Kaltenecker

Lies auch die Rezension des Kurzfilms „Him“

Interview: In our conversation with French director Matthias Couquet, we were able to learn more about his short film „Him“ (OT: „Lui“), which was shown in the ‚Shock Block‘ program of the 25th Landshut Short Film Festival 2025, how he developed the story from which impulses and how he realized the short horror chamber play visually and staged.

How did the idea for your short film come about?

For me, it’s always a combination of several different ideas or interests that I somehow manage to bring together into one (hopefully) cohesive ensemble. In this case, I’d say it started with my rereading of Maupassant’s macabre tales—more specifically, one called “Lui?” (“Him?”), which presents a disturbing case of depersonalization-derealization disorder, with a sort of riff on the theme of the double. At the same time, I was also searching—after the formative experience of my previous short film, The Summoned, which I found far too long and, at times, overly obscure—for a way of working within a much shorter form. Something closer to a literary short tale: effective, dense, and to the point, while still engaging with “the weird,” or what we in France call le Fantastique—a genre that I care very much for.

Then there were other elements: the café setting, which drew me in and tied to my own experiences. And later on, I remembered that I’d been quite influenced by a short story by Richard Matheson, Disappearing Act (Escamotage in French). But that influence only resurfaced after the fact—it wasn’t present during the writing or shooting of the film.

How many days did you spend shooting the film?

It was a very brief shoot—just three days—but even though it was fairly intense, the short script and its tight focus on a single setting and action made it quite manageable. In a way, it was designed from the beginning to be a short shoot: affordable in both means and time.

What was visually important to you?

I’d be tempted to say “everything,” but more practically, the setting—the café—was of course essential, as was the cast (the „faces“), and everything else regarding the mood: it was all about finding the right balance between the stylized and the ordinary. Navigating a very banal, everyday space while trying to instill a sense of unease—a slightly “derealized” reality. Working within a contemporary setting was a real challenge for me. In my previous film, I was operating in the realm of a period piece, where it’s easier to build atmosphere with tools like gaslight, costumes, and decor. Here, everything was rooted in the present day, in a fairly anonymous urban environment—nothing particularly “cinematic” on the surface. And yet, the goal was still to evoke a mood, a feeling, and a certain elegance of the weird.

Your horror is extremely minimal but effective – how did you manage that?

I’m glad you felt that way, and I thank you for it! For me, it’s all about trying to achieve that very difficult mix of being both very straightforward, „in-your-face“ (there he is, across the street! and now he’s gone!) while trying to stay sober and precise. It’s about finding the right balance between minimalism and effectiveness. It’s also about drawing from your own sense of the strangeness you encounter in everyday life, in familiar spaces and situations. You try to tap into that—something truly felt—rather than simply borrowing from “the genre” from the outside. I don’t know if that makes sense.

Do you have any narrative or visual role models that you draw on?

I certainly do, but it’s never something that is overtly present during the writing or filmmaking process—not in the sense of consciously trying to do it “like”. I’d say that, more broadly, I tend to be influenced by an overall approach or attitude rather than by specific filmmakers or films. For example, I’m drawn to a certain sobriety and precision: telling the story with exactly what’s needed, no more, no less. It’s about finding the right measure in every aspect of the film. So it’s more about a way of doing things than about referencing any particular work. But having said that, going back to the roots of the film, the literary debt is important.

What was important to you when choosing the actors?

I’d say that beyond all the usual qualities one looks for—tone, presence, emotional range—there’s something more specific at play when it comes to le fantastique. It requires a particular ability to project emotion into the realm of the unknown. I’m especially attuned to how actors bring a sense of gravitas to this kind of material, and how seriously they’re able to treat things that might otherwise seem absurd or foolish. And then, of course, it’s also simply about the human connection—about feeling that these are people with whom the film will work, instinctively.

Can you briefly tell me how you got into filmmaking yourself?

I don’t know if I could really say that I „got into it,“ in the sense that it’s something that’s been there for me for a very long time—since childhood, really—and already as a teenager I had decided I would go to film school and try to direct movies in the future. So it’s a very simple story, in a way: just being avidly passionate about movies and moviemaking from a very young age.

Are there already new projects planned?

I don’t want to say too much at this point or get ahead of things, but I can say that I’ve returned to writing and I’m looking forward to seeing new projects take shape and come to life!

Questions asked by Doreen Kaltenecker

Read on the german review of the short film „Him„

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