Sieben Fragen an Sebastian Johansson-Micci

Doreen Kaltenecker
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Interview: Im Gespräch mit dem schwedischen Filmemacher Sebastian Johansson-Micci konnten wir mehr über seinen Kurzfilm „The Film Might Be White“ (OT: „Filmen känns för vit“) erfahren, der auf dem 40. interfilm Festival Berlin 2024 lief, wie die Geschichte sich aus eigenen Erfahrungen speist, wie das visuelle Kamerakonzept sich in drei Phasen an der Geschichte orientiert und wie er auf die Kritik eines Kritikers zu Herzen nimmt. 

The original english language interview is also available.

Wie ist die Idee zu Deinem Kurzfilm entstanden? Warst Du selbst an solch einer Kunstschule?

Die Idee entstand aus den Erfahrungen, die mein Co-Autor Manne Indahl und ich bei der Arbeit mit Werbefilmen gemacht haben. Wir stellten fest, dass das Thema Repräsentation etwas war, über das niemand wirklich gerne sprach – und doch das Gefühl hatte, es tun zu müssen, um „gut dazustehen“. Es wurde fast immer am Ende der Sitzungen angesprochen, wenn die Energie und die Motivation zum Diskutieren am geringsten waren.

Anna Azcárate, Elle Kari Bergenrud, Mattias Silvell, Daniel Nyström, and Carita Ivanova

Wir begannen darüber zu sprechen, was dieses Verhalten motivierte, und kamen zu dem Satz: „Die Angst, etwas Falsches zu tun, und nicht der Wille, das Richtige zu tun“. Das wurde zu einem Leitsatz während unseres Prozesses.

Ich habe verschiedene Kunstschulen besucht, und wir waren der Meinung, dass eine Kunstschule oder eine Schule im Allgemeinen ein perfekter Kontext für diese Situation wäre. Schulen sind Orte, die für gute Ideale stehen und danach streben, sich zu verbessern, aber sie sind auch faszinierend, weil Hierarchien unklar sein können. Zum Beispiel kann die Stimme eines:r Schüler:in manchmal mehr Gewicht haben als die einer:s Schulleiter:in.

Über die spezielle Situation hinaus, finde ich, fängst Du wunderbar, das Hin und Her mancher Arbeitssituationen ein, die sich nicht gegenseitig befruchten, sondern sich im Weg stehen. Hattest Du dies auch mit Deiner Erzählung im Sinn?

Ich danke dir vielmals! Ich bin froh, dass Sie das aufgeschnappt haben! Ja, wir haben während der Entwicklung viel über die Rollen der Figuren und ihre offenen und versteckten Absichten gesprochen. Nehmen wir zum Beispiel den Kommunikationsverantwortlichen. Er bringt das Thema Repräsentation zur Sprache, um „woke“ zu erscheinen und sich vor zukünftiger Kritik zu schützen – damit er sagen kann: „Ich war derjenige, der es zur Sprache gebracht hat!“ Aber gleichzeitig hofft er, dass es keine wirkliche Diskussion gibt, denn wenn doch, ist er dafür verantwortlich, dass alle in einer Sitzung bleiben, in der niemand sein will.

Elle Kari Bergenrud

Diese Art von Dualität fasziniert mich – wenn persönliche Absichten, Politik und Arbeitsethik aufeinanderprallen. Man ist in einer professionellen Rolle, aber plötzlich muss man auf heikle Fragen antworten, eine Entscheidung treffen und etwas Persönliches riskieren. Sie fragen sich selbst: Soll ich mich für das entscheiden, was beruflich oder moralisch richtig ist, oder nur für das, was mir nützt? Und selbst dann, was ist richtig? Ist es das, was alle anderen in diesem Raum denken? Dann wird die Entscheidung noch existenzieller: Wage ich es, mich gegen die Gruppe zu stellen? Riskiere ich es, aufzufallen und mich selbst aufs Spiel zu setzen?

Warum habt ihr euch für eine stark bewegte Kamera entschieden, statt klassisch mehr Schuss-Gegenschuss zu verwenden? 

Bei nur fünf Personen, die um einen Tisch sitzen und sich unterhalten, wussten wir, dass die Kamera und der Schnitt einen Großteil der Bewegung und der Energie übernehmen mussten. Ich persönlich mag dokumentarische Aufnahmen aus der Hand, weil sie realistisch und spannend sind. Aber da die Kamera schwer und die Takes lang waren, entschieden wir uns für einen Dolly mit einem beweglichen Kopf, damit wir bei Bedarf schnell schwenken oder neigen konnten.

Mattias Silvell

Wir haben den Film in drei Akte gegliedert, jeder mit seinem eigenen visuellen Stil. Der erste Akt ist eher zurückhaltend, mit langsameren, traditionellen Aufnahmen. In der Mitte, wenn die Figuren zunehmend gestresst und verstrickt sind, bewegt sich die Kamera schnell um den Tisch. Im dritten Akt wechseln wir zu statischen, unbeweglichen Aufnahmen, in denen jede Figur allein im Bild ist – isoliert, als wären sie auf ihren eigenen kleinen Inseln und würden sich selbst verteidigen. Ein großes Lob geht an unsere brillante Kamerafrau Maja Dennhag, die sich diese visuellen Konzepte ausgedacht und sie noch besser umgesetzt hat, als wir gehofft hatten. Und an unsere Bühnenbildnerin Vivien Reis, die eine unglaubliche Kunstschulumgebung voller kreativer Materialien geschaffen hat. Wir wollten diesen scheinbar freien, offenen, inspirierenden Raum mit seinem Mangel an Repräsentation kontrastieren.

Der Cast sehr stark – wie hast Du Deine Darsteller:innen gefunden und ausgewählt?

Das sehe ich genauso! Wir hätten uns keine bessere Besetzung wünschen können. Einige von ihnen kannte ich bereits oder habe sie in Theaterproduktionen oder Fernsehserien gesehen. Sie haben alle einen Theaterhintergrund, was sehr hilfreich war, denn wir haben ausgiebig geprobt und am Set verschiedene emotionale Richtungen ausprobiert.

Daniel Nyström

Wie Du in der zweiten Frage erwähnt hast, müssen an fast jedem Arbeitsplatz Menschen mit unterschiedlichen Meinungen und Weltanschauungen zusammenarbeiten, und das führt oft zu Spannungen. Diese Spannungen können so weit eskalieren, dass die Mitarbeiter sich gegenseitig sabotieren – oder sogar sich selbst.

Deshalb haben wir beim Casting nach Schauspielern gesucht, deren Energien und Persönlichkeiten sich gegenseitig kontrastieren würden. Wir haben zum Beispiel eine Hintergrundgeschichte für den Kommunikationsbeauftragten und die stellvertretende Schulleiterin entwickelt, in der sie sich absolut hassen und ständig um die Aufmerksamkeit der Schulleiterin kämpfen. Ich denke, die Schauspieler haben diese Dynamik wirklich auf die Leinwand gebracht.

Könntest Du Dir vorstellen, in diesem Umfeld oder in dieser Thematik einen längeren Film zu realisieren?

Mattias Silvell und Jessica Liedberg

Auf jeden Fall! Schulen sind ein so reichhaltiges Umfeld – es gibt unzählige Möglichkeiten für großartige Filmaufnahmen. Bei diesem speziellen Thema bräuchte ich allerdings eine neue Sichtweise oder einen anderen Blickwinkel. Als der Kurzfilm in Schweden veröffentlicht wurde, bezeichnete ein Journalist das Thema als veraltet und sagte, wir seien zehn Jahre zu spät dran. Er schlug sogar vor, dass wir eine Satire über uns selbst hätten machen sollen, und nannte ihn, ich zitiere: „Ein Film über einen Film über einen Film, der sich zu weiß anfühlt, wäre eine treffendere Satire gewesen.“

Normalerweise mag ich keine Meta-Narrative um ihrer selbst willen, aber diese Idee hat etwas Faszinierendes. 

Kannst Du mir noch ein bisschen mehr von Dir erzählen und wie Du zum Film gekommen bist?

Ich habe als Bühnen- und Tontechniker in einem Stockholmer Theater angefangen. Dort entwickelte ich mein Interesse an der Inszenierung von Situationen und an der Zusammenarbeit mit anderen. Schließlich hatte ich das Gefühl, dass der Film näher an dem ist, was ich machen wollte, und bewarb mich an der HDK Valand Film School in Göteborg, wo ich 2020 meinen Bachelor machte.

Anna Azcárate

Meine Filme sind in der Regel situations- und gruppenbezogen – fast wie beim Theater -, weil ich denke, dass dies der beste Weg ist, um menschliches Verhalten und unser oft tragikomisches Ringen mit schwierigen Situationen und Beziehungen zu erkunden. Am liebsten bin ich am Set und arbeite eng mit den Schauspielern zusammen. Ich mag es, den Realismus aus der Küche mit leicht erhöhter, subtiler Theatralik zu mischen.

Meine größten Einflüsse sind Lars von Trier, Hasse & Tage (das schwedische Duo), David O. Russell und die Coen-Brüder. 

Sind bereits neue Projekte geplant?

Ja! Ich entwickle gerade meinen ersten Spielfilm, „The Earwig“. Er spielt in einem Sommer auf Gotland und dreht sich um Timbo, einen berühmten Künstler und abwesenden Vater, und seine kleine Tochter Shanna. Ihre bereits angespannte Beziehung erreicht einen Bruchpunkt, als Timbo öffentlich des Diebstahls und des Plagiats beschuldigt wird.

Die Fragen stellte Doreen Kaltenecker
Übersetzung von Michael Kaltenecker 

Lies auch die Rezension des Kurzfilms „The Film Might Be White“

Interview: In our conversation with Swedish filmmaker Sebastian Johansson-Micci, we found out more about his short film „The Film Might Be White“ (OT: „Filmen känns för vit“), which screened at the 40th interfilm Festival Berlin 2024, how the story draws on his own experiences, how the visual camera concept is based on the story in three phases and how he takes the criticism of one critic to heart. 

How did the idea for your short film come about? Did you go to such an art school yourself?

The idea came from my and co-writer Manne Indahl’s experiences working with film commercials. We noticed how the topic of representation was something that no-one felt really comfortable to talk about—yet felt that they had to in order to ”appear good”. It was almost always brought up at the end of meetings, when the energy and motivation to discuss was at their lowest. Needless to say, the people in the meetings were all white people.

We started to talk about what motivated this behavior and landed on the phrase: ”The fear of doing wrong, rather than the will do to right”. That became like a guiding principle during our process. I have attended different art schools, and we felt that an art school, or a school in general, would be a perfect context for this situation. Schools are places that stand for good ideals and strive to improve, but they’re also fascinating because hierarchies can be unclear. For example, sometimes a student’s voice can carry more weight than a principal’s.

Beyond the specific situation, I think you capture wonderfully the back and forth of some work situations that don’t benefit each other, but stand in each other’s way. Is that what you had in mind with your story?

Thank you so much! I’m glad you picked up on that! Yes, we talked a lot about the characters’ roles and their open and hidden agendas during development. Take the Communication Officer, for instance. He brings up the topic of representation to appear “woke” and to shield himself from future criticism — so he can say, “I was the one who brought it up!” But at the same time, he hopes there’s no real discussion, because if there is, he’s responsible for keeping everyone in a meeting that no one wants to be in.

That kind of duality fascinates me—when personal agendas, politics, and work ethics collide. You’re in a professional role, but suddenly you have to respond to tricky questions, make a choice, and risk something personal. You ask yourself: Should I choose what’s professionally correct, morally correct, or just what benefits me? And even then, what is correct? Is it what everyone else in the room thinks? Then the decision becomes even more existentially fundamental—Do I dare go against the group? Do I risk standing out and putting myself on the line? 

Why did you decide to use a strong moving camera instead of the classic shot-counter-shot? 

With only five people sitting around a table talking, we knew the camera and editing had to carry much of the movement and energy. I personally like handheld, documentary-style shooting for its realism and tension. But since the camera was heavy and the takes were long, we opted for a dolly with a fluid head so we could still pan or tilt quickly when needed. We structured the film into three acts, each with its own visual style. The first act is more cautious, with slower, traditional shots. In the middle, as the characters become increasingly stressed and entangled, the camera moves quickly around the table. By the third act, we switch to static, fixed shots of each character alone in the frame—isolated, as if they’re on their own little islands, each defending themselves. Huge credit goes to our brilliant DOP, Maja Dennhag, who came up with these visual concepts and executed them even better than we hoped. And to our scenographer, Vivien Reis, who created an incredible art-school environment filled with creative materials. We wanted to contrast this seemingly free, open, inspirational space with its lack of representation.

The cast is very strong – how did you find and choose your actors?

I agree! We couldn’t have asked for a better cast. Some of them I already knew or had seen in theater productions or TV series. They all have a theater background, which helped a lot because we rehearsed extensively and tried different emotional directions on set.

As you mentioned in question 2, almost every workplace requires people with different opinions and worldviews to work together, and that often creates tension. This tension can escalate to the point where coworkers end up sabotaging each other—or even themselves. So when casting, we looked for actors whose energies and personalities would contrast each other. For example, we built a backstory for the Communication Officer and the Vice-Principal where they absolutely hate each other and constantly fight for the Principal’s attention. I think the actors really brought that dynamic to the screen.

Could you imagine making a longer film in this environment or with this subject matter?

Absolutely! Schools are such rich environments—endless opportunities for great film premises.

With this specific subject, though, I’d need a fresh take or a different angle. When the short film was released in Sweden, a journalist reviewed it and called the topic outdated—saying we were 10 years too late. He even suggested we should’ve made a satire about ourselves, calling it, and i quote: “A film about a film about a film that feels too white would have been more spot-on satire.” I don’t usually like meta-narratives just for the sake of it, but there’s something intriguing about that idea.

Can you tell me a bit more about yourself and how you came to make the movie?

I started as a stage and sound technician in a Stockholm theater. That’s where I developed my interest in staging situations and working collaboratively. Eventually, I felt film was closer to what I wanted to do, so I applied to HDK Valand Film School in Gothenburg, where I completed my bachelor’s in 2020. My films tend to be situational and group-focused—almost like theater—because I think it’s the best way to explore human behavior and our often tragicomic struggles with difficult situations and relationships. My favorite part is being on set, collaborating closely with the actors. I like blending kitchen-sink realism with slightly heightened, subtle theatrical acting. My biggest influences are Lars von Trier, Hasse & Tage (the Swedish duo), David Russell, and the Coen Brothers. 

Are there already new projects planned?

Yes! I’m currently developing my first feature film, The Earwig. It’s set during a summer on southern Gotland and centers on Timbo, a famous artist and absentee father, and his nepo-baby daughter, Shanna. Their already strained relationship reaches a breaking point when Timbo faces public accusations of theft and plagiarism.

Questions asked by Doreen Kaltenecker

Read on the german review of the short film „The Film Might Be White„

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