Sieben Fragen an Al Campbell

Doreen Kaltenecker
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Interview: Im Gespräch mit dem britischen Regisseur Al Campbell konnten wir mehr über seinen Kurzfilm „The Awakening“ erfahren, der im ‚Shock Block‘-Programm des 25. Landshuter Kurzfilmfestival 2025 lief, erfahren, wie die Idee bereits vor vielen Jahren entstand und jetzt umgesetzt wurde und wie und warum sie die Geschichte langsam von einer Komödie ins Horror-Genre übergehen lassen.

The original english language interview is also available.

Wie ist Die Idee zu dem Kurzfilm entstanden?

Die Grundidee für „The Awakening“, in der es um jemanden geht, der jeden Morgen mit Schlamm an den Füßen aufwacht und versucht herauszufinden, wohin er nachts geht, liegt schon seit mindestens 15 Jahren oder so in der Luft. Nat Saunders und Chris Hayward waren damals Partner beim Schreiben, und ich habe mit ihnen online Comedy-Sketche gemacht. Sie erzählten mir von der Idee für den Kurzfilm, und ich war sofort begeistert von dem Aufhänger. Die Details der Geschichte entwickelten sich im Laufe der Zeit, und wir waren 2016 kurz davor, den Film zu drehen, aber wir kannten nicht die richtigen Leute, die uns bei der Umsetzung helfen konnten. Wir waren außerdem knapp bei Kasse, also mussten wir Geld verdienen, und Kurzfilme zu drehen ist eine rein kreative Angelegenheit, die wir uns damals nicht leisten konnten. Wir hatten nicht nur Zeit, sondern auch Freunde, die wir kennengelernt hatten und die uns helfen konnten, das Projekt auf die Beine zu stellen. Außerdem konnten wir erfahrene und angesehene Mitarbeiter und Einrichtungen, mit denen wir über viele Jahre zusammengearbeitet hatten, für uns gewinnen, die sich alle in einer ähnlichen Situation befanden, weil es in der Branche so ruhig war. Ich finde es toll, dass alle so sehr darauf erpicht waren, trotz dieser Situation weiterzumachen, und dass wir alle zusammenkamen, um etwas zu schaffen, auf das wir stolz sein konnten.

Anfänglich ist der Film leichtfüßig wie eine Komödie und dann schleicht sich immer mehr der Horror ein. Kannst Du mir mehr zu dieser narrativen Herangehensweise erzählen?

Daniel Mays

Ich selbst, Nat Saunders und James Serafinowicz kommen alle aus dem Comedy-Bereich, der in Bezug auf Tempo, Timing und Pointen oder Grusel einige Ähnlichkeiten mit dem Horror aufweist. Wir sind alle mit der gleichen Art von Filmen aufgewachsen, und wir schätzen Horror besonders, wenn er sich selbst nicht zu ernst nimmt und einem erlaubt, selbst in seinen schwärzesten Momenten zu lachen. Unsere Hauptfigur Mike muss mit einigen ziemlich merkwürdigen Ereignissen fertig werden, und die Art und Weise, wie er darauf reagiert, gab uns Raum, ein wenig über seine Situation zu lachen. Wir haben es immer geliebt, bei verschiedenen Vorführungen des Films zu lachen, wenn Mike voll bekleidet ins Bett geht und sich den Go-Pro auf den Kopf schnallt – das ist doch lächerlich! Aber man kann auch verstehen, warum er es tut, es hat eine gewisse Logik. Als er sich auf den Weg macht, um herauszufinden, wo er jede Nacht hingeht, wird das Gefühl des Grauens immer stärker, und die Landschaft selbst wird immer bedrohlicher – wo ist dieser Ort und was lauert hier? Für mich ist der Moment, in dem er den Wald betritt und diese Grenze überquert, der Moment, in dem die Spannung wirklich ansteigt, und das Publikum beobachtet aus der Ferne, wie Mike sich über eine Art Schleier hinauswagt, und schreit ihn fast an, umzukehren. Die anfängliche Komödie wiegt das Publikum in falscher Sicherheit, bevor sie ihm den Boden unter den Füßen wegzieht.

Welche Einflüsse von verschiedenen Horror-Genre stecken in dem Film?

Daniel Mays

„The Awakening“ trägt seine Einflüsse nicht unbedingt auf der Zunge, aber wir haben während des Schreibens eine Menge Filme und Serien gesehen. Folk-Horror ist wahrscheinlich eine der offensichtlichsten Referenzen für uns – Filme wie „The Wicker Man“ und „Midsommar“ zum Beispiel, aber auch britische Science-Fiction-Klassiker aus der Feder von Nigel Kneale und John Wyndham, die oft so domestiziert wirken. Dazu kommt so ziemlich alles, was John Carpenter und Stephen King gemacht haben. „Annihilation“ war auch eine ziemlich starke Referenz, die ich sehr genossen habe, nachdem ich Jeff Vandermeers Southern Reach-Trilogie gelesen hatte.

Was lag Dir visuell am Herzen?

Daniel Mays

Ich wollte, dass sich der Kurzfilm so filmisch wie möglich anfühlt, und ein großer Teil davon ist für mich die Beleuchtung. Mein Kameramann Mattias Nyberg und ich haben in der Vergangenheit sehr gut zusammengearbeitet und sind der gleichen Meinung, was die Beleuchtung angeht, die oft besser aussieht, je einfacher sie ist. Auch Zeit und Budget hätten es uns nicht erlaubt, es mit der Beleuchtung zu übertreiben – es gab ein paar Szenen in der Hütte, in denen Mike nachts fernsieht und dabei ein Mikrowellengericht isst, das seine Einsamkeit und Isolation verstärkt, für die wir im Drehplan einfach keine Zeit hatten und die wir deshalb weglassen mussten. Ich wollte aber unbedingt das Licht und den Schatten in Mikes Haus beibehalten und auch die Kamerabewegung von der Absicht diktieren lassen. Statische Bilder können sich oft klaustrophobisch anfühlen, und vor allem bei Horrorfilmen ist das Publikum wegen der fehlenden Bewegung ängstlicher und auf die Stelle fixiert. Wenn sich die Kamera bewegt, spürt man das mehr und hoffentlich steckt auch mehr Absicht dahinter. Ich wollte auch, dass der Wald ein Gefühl der Beklemmung vermittelt und eine buchstäbliche Grenze darstellt, die Mike überschreiten muss. Auch der Sound spielt in diesem Moment eine große Rolle: Toydrums unglaubliche Filmmusik steigert sich zu einem gewaltigen Crescendo, bevor sie in Stille übergeht – als ob das, was sich in diesen Wäldern befindet, entweder alle wilden Tiere vertrieben hat. Oder es verschlungen hat.

Der Hauptdarsteller Daniel Mays ist perfekt besetzt: Wie habt ihr ihn gefunden?

Daniel Mays

Daniel Mays ist wirklich ein phänomenaler Darsteller. Ich hatte das Glück, mit ihm und Stephen Graham bei drei Staffeln der Sky-Action-Comedy „Code 404“ zusammenzuarbeiten, und ich war oft beeindruckt von Dannys Fähigkeit, innerhalb eines Herzschlags von der Komödie zum Drama zu wechseln. In einem Moment lacht man über seine Darbietung, und dann verändert sich sein Gesicht auf die subtilste Art und Weise, und man ist plötzlich zutiefst traurig und leidet mit ihm. Es ist unglaublich, ihm bei der Arbeit zuzusehen, und er steckt wirklich alles in jede Rolle, die er während des gesamten Prozesses übernimmt – er ist eine große Stütze. Nachdem wir nun schon seit einigen Jahren mit ihm zusammenarbeiten, haben wir ein tolles Vertrauensverhältnis am Set.

Kannst Du mir kurz noch etwas mehr von Dir erzählen und wie Du zum Film gekommen bist?

Daniel Mays

Ich habe ganz unten auf der TV-Leiter angefangen, als Praktikantin bei einer Comedy-Talkshow. Danach habe ich mich weiter mit Comedy beschäftigt, viele verschiedene Comedy-Darsteller beobachtet und etwas über Timing gelernt, bevor ich einen eher technischen Weg mit Kameras und Ausrüstung eingeschlagen habe. Das führte dazu, dass ich einige Comedy-Sendungen selbst drehte, bevor ich schließlich die Gelegenheit bekam, einen Pilotfilm für Charlie Brookers Guardian-Kolumne „Screenburn“ zu drehen, aus dem dann „Screenwipe“ auf BBC4 wurde, das einige Folgen lang lief. Das Budget für diese Sendung war winzig, aber wir hatten so viele Freiheiten, dass wir machen konnten, was wir wollten, und wenn man kein hohes Budget hat, wird man viel kreativer – eine Fähigkeit, die sich im Laufe der Jahre als sehr hilfreich erwiesen hat. Während meiner Zeit bei Screenwipe habe ich angefangen, Sketch-Shows zu machen, und schließlich erzählerische Comedy in Form von Sitcoms und Comedy-Dramen – was es einem erlaubt, mit viel dunklerem Material zu spielen, der Bereich, in dem ich immer arbeiten wollte.

Sind bereits neue Projekte geplant?

Daniel Mays

Leider kann ich nicht allzu viel darüber sagen, woran ich im Moment arbeite, außer dass es eine neue Serie für Netflix ist. Außerdem wollen wir „The Awakening“ weiter ausbauen und eine Reihe anderer Ideen und Projekte auf den Weg bringen. Ich habe das Gefühl, dass ich so viele Geschichten zu erzählen habe und nicht genug Zeit, um sie zu erzählen. Hoffentlich werden sie in nicht allzu ferner Zukunft auf irgendeiner Art von Leinwand zu sehen sein!

Die Fragen stellte Doreen Kaltenecker
Übersetzung von Michael Kaltenecker

Lies auch die Rezension des Kurzfilms „The Awakening“

Interview: In our conversation with British director Al Campbell, we were able to find out more about his short film „The Awakening„, which screened in the ‚Shock Block‘ program of the 25th Landshut Short Film Festival 2025, learn how the idea came about many years ago and has now been realized, and how and why they slowly transitioned the story from a comedy into the horror genre.

How did the idea for the short film come about?

The core idea for „The Awakening„, about someone who starts to wake up each morning with mud on their feet and trying to figure out where they are going at night, has been lurking for at least 15 years or so. Nat Saunders and Chris Hayward were writing partners at the time and I was making comedy sketches with them online. They told me the idea for the short and straight away I loved the hook. The details of the story evolved over time, and we came close to making it around 2016, but we didn’t really know the right people to help us get it made. We were also skint so we needed to be earning, and making short films is purely a creative pursuit which we couldn’t afford back then. Fast forward to 2023 when the industry was really slowing down and we had not only time on our hands, but also friends we had met who could help us get it off the ground, and favours to pull in with experienced, respected crew and facilities we had worked with over many years, who were all in a similar situation in terms of how quiet the industry was. I love that everyone was just so keen to keep creating despite what was going on and we all came together to make something we could be proud of.

In the beginning the movie is light-footed like a comedy and then the horror creeps in more and more. Can you tell me more about this narrative approach?

Myself, Nat Saunders and James Serafinowicz all come from a comedy background which certainly shares some similarities to horror in terms of pacing, timing and punchlines or scares. We’ve all grown up with the same kind of films and we particularly appreciate horror when it doesn’t take itself too seriously and gives you permission to laugh, even at its blackest moments. Our central character Mike has to deal with some pretty odd events and the way that he reacts to it gave us room to laugh at his situation a little. We always loved hearing a laugh at various screenings of the film when Mike goes to bed fully clothed with the go pro strapped to his head – it’s a ridiculous thing to do! But you can also understand why he’s doing it, there’s a logic to it. The sense of dread really starts to creep in as he sets out to discover where he’s going each night, and that’s when the landscape itself starts to become quite ominous – where is this place and what lurks here? For me the moment when he enters the woods and crosses that boundary is where the tension really ramps up and the audience watches from afar as they see Mike venture beyond a veil of some sort, almost screaming at him to turn back. The early comedy lulls the audience into a false sense of security before pulling the rug.

What influences from different horror genres are in the film?

„The Awakening“ doesn’t really wear its influences on its sleeve, but we watched a great deal of films and shows whilst writing. Folk Horror is probably one of the more obvious references for us – films like The Wicker Man and Midsommar for example, but also British sci fi classics from the mind of Nigel Kneale and John Wyndham which often feel so domesticated. Alongside that, pretty much anything John Carpenter and Stephen King have done. Annihilation was quite a strong reference too which I very much enjoyed after reading Jeff Vandermeer’s Southern Reach trilogy.

What was important to you visually?

I was keen for the short to feel as cinematic as possible and a big part of that for me is lighting. My DoP Mattias Nyberg and I have worked really well together in the past and share a similar view on not necessarily over complicating lighting which can often look better the more simple you keep it. Also time and budget would not have allowed us to get too carried away with lighting – there were a few scenes at night in the cottage where Mike is watching TV with a microwave meal for one that reinforces his loneliness and isolation that we simply didn’t have time to shoot in the schedule and had to be dropped. But I was keen to keep that light and shade in Mike’s cottage and also to keep the camera movement dictated by intent. Static frames can often feel claustrophobic and particularly with horror the audience are more anxious for the lack of movement, routed to the spot. When the camera does move you feel it more and hopefully more of an intent behind it. I was also keen for the forest to have a sense of imposing dread and a literal boundary for Mike to cross, so there is a rather defined treeline where the forest starts where the trees loom up over Mike in an almost church like fashion that I loved. Sound plays a big part of that moment too, with Toydrum’s incredible score building to a huge crescendo before dropping out to silence – as though whatever is in those woods has either driven any wildlife away. Or consumed it.

The lead actor Daniel Mays is perfectly cast: How did you find him?

Daniel Mays really is a phenomenal performer. I was lucky enough to work with him and Stephen Graham on 3 series of a Sky action comedy drama called Code 404, and I was often struck with Danny’s ability to switch from comedy to drama in a heartbeat. One moment you’re laughing at his performance and then his face changes in the most subtle way and you suddenly feel profoundly sad and hurt for him. It’s incredible to watch him work and he really does put everything into every role he takes throughout the whole process – he’s hugely supportive. After working with him for quite a few years now we have a great relationship of trust on set.

Can you tell me a bit more about yourself and how you came to filmmaking?

I started out right at the bottom of the TV ladder as work experience on a comedy chat show. After that I moved further into comedy, watching many different comedy performers and learning about timing before following a more technical path with cameras and kit. That led to quite a bit of self shooting comedy before eventually getting the opportunity to make a pilot for Charlie Brooker’s Guardian column ‚Screenburn‘ that became ‚Screenwipe‘ on BBC4 and ran for quite a few series. The budget was tiny on that show, but we had so much freedom to do what we wanted and when you don’t have a high budget you get way more creative, a skill that has helped enormously over the years. During Screenwipe I started making sketch shows and eventually narrative comedy in the form of sitcoms and comedy drama – which allows you to play with much darker material, the sweet spot I always really wanted to work in.

Are there any new projects planned?

Unfortunately I can’t say too much about what I’m working on at the moment other than it’s a new show for Netflix. Aside from that we’re looking to expand „The Awakening„ further and get a number of other ideas and projects off the ground. I feel like I’ve got so many stories to tell and not enough time to tell them. Hopefully you’ll be seeing them on some kind of screen in the not too distant future!

Questions asked by Doreen Kaltenecker

Read on the german review of the short film „The Awakening„

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