Sieben Fragen an Xu Yuan

Doreen Kaltenecker
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Interview: Im Gespräch mit der japanischen Regisseurin Xu Yuan konnten wir mehr über ihren Animationsfilm „Sewing Love“ (OT: „キョ ガン“) erfahren, der im ‚Internationaler Wettbewerb Animationsfilm‘ des 66. DOK Leipzig 2023 lief, wie die Geschichte nach und nach entstand, welchen Einfluss japanische Kunst auf ihre Arbeit hat und warum sie es für notwendig sieht, verschiedene Animationsarten zu kombinieren.

The original english language interview is also available.

Dein Film fängt wunderbar ein, wie Beziehungen sich entwickeln können – wie kamst Du auf die Idee zu Deinem Film und vor allem auf das Motiv, dass er ohne sie eine Leerstelle in seinem Körper hat?

Das ist eine gute Frage, denn in der allerersten Fassung dieses Werks gab es eigentlich keine weibliche Figur. Es geht nur um einen Mann mit einem leeren Körper, der auf der ganzen Welt nach Teilen sucht, die er zusammensetzen und zu einer Person nähen kann, die seine leere Stelle ausfüllen kann. 

Am Anfang gab es also keinen Wunsch, das Geschlecht auf männlich oder weiblich zu beschränken, was das Aussehen der Persona betrifft. Viele Menschen, egal welchen Geschlechts, verlassen sich auf andere, um ihr inneres Selbst zu füllen. Aber sich zu sehr auf andere zu verlassen, ist keine Option. Liebe dich selbst, bevor du andere liebst.

Im wirklichen Leben kann das, was die Lücke in Ihrem Leben füllt, eine Person, ein Haustier oder ein Hobby sein. Ich selbst sehnte mich nach jemandem, mit dem ich mich auf einer tiefen spirituellen Ebene verbinden konnte, und so entschied ich mich für zwei Menschen. Wenn aber das Geschlecht der Figuren unklar ist, wird das Thema der Intimität zwischen Menschen vielleicht nicht deutlich, und es könnte zu geschlechtsspezifischen Fragen tendieren. Ich wollte mich mehr auf das Erstere konzentrieren. Deshalb wird das Geschlecht der Figur in der Persona verstärkt.

Deine Animationen sind großartig und vielfältig – erzähl mir mehr zu dem verwendeten Stil. Würdest Du sagen, dass es Deine Art des Erzählens?

Zunächst einmal danke, dass es dir gefallen hat. Diese Arbeit wurde hauptsächlich mit der Procreate App auf dem iPad gemacht. Und ich habe Stop-Motion-Animation für den Titel und die abschließende Besetzungsliste verwendet. Ich habe zum Beispiel roten Faden verwendet, um zu nähen, sowie Nagellack, UV-Kleber und Lidschattenpuder, um einen halbdimensionalen Effekt zu erzeugen, um zu zeigen, dass der Schmetterling der Wiedergeburt aus dieser 2D-Animation entkommen ist und in die 2,5.-Dimension gereist ist.

Gleichzeitig gefällt mir das Gefühl der Kraft, das die verschiedenen Pinselstriche vermitteln. Wenn ich in einer intensiven Stimmung bin, wähle ich Ölpinsel, und wenn ich glücklich bin, verwende ich einen digitalen Stil, wie Airbrush, Rauschen usw.

Der Kern meiner bevorzugten Art des Geschichtenerzählens ist, dass der Kunststil mit der Stimmung und der Sache, die ausgedrückt werden soll, kompatibel ist. Deshalb lege ich mich nicht auf einen bestimmten Stil fest, sondern ändere ihn je nach dem Thema, das ich ausdrücken möchte.

Wer oder was inspiriert Dich?

Ich mag Masaaki Yuasa [Anm. d. Red.: japanischer Anime-Regisseur und Animator] sehr, seine Filme waren immer sehr vielseitig und interessant, und die Emotionen sind alle sehr stark. Gleichzeitig haben mich die Jahre, die ich in Japan studiert habe, wirklich sehr weitergebracht. Ich habe viele unabhängige Animationsfilmer aus der ganzen Welt beobachtet, die alle ihre Individualität bewahrt und hart gearbeitet haben. Und ich habe mir oft ihre Interviews angesehen und über ihre Denkweise nachgedacht. Außerdem bin ich besessen vom Genre der Surrealisten, die alltägliche Metaphern und Symbole mit viel Fantasie erschaffen. Das Letzte, was mich inspiriert, ist das Leben. Meine eigenen Gefühle und Gedanken sind die beste Grundlage für meine Kreativität.

Wie hast du mit der Umsetzung begonnen und wie lange hast Du für die Realisierung gebraucht?

Was den Kurzfilm angeht, fange ich mit einem kurzen Satz an, um das Thema des Stücks zu klären, und erweitere ihn dann, um zu überlegen, an welche Punkte mich das Thema erinnert. Dann schreibe ich ein Text-Storyboard, das auf diesen Punkten basiert. Schließlich suche ich nach visuellen Metaphern, die auf diesen Punkten basieren, und denke über ihre visuelle Darstellung nach.

Es dauerte etwa ein halbes Jahr, bis ich die Idee hatte, und dann etwa ein Jahr, um die Animation zu überarbeiten (z. B. die Kamerabewegung und das Schauspiel der Figuren), was in dieser Phase eigentlich recht spannend und unterhaltsam war. In der ursprünglichen Entwurfsfassung war der Film knapp über vier Minuten lang, aber im Laufe des Malprozesses hatte ich das Gefühl, dass viele der Bilder nicht ausdrucksstark genug waren. In ständiger Überarbeitung wurde die endgültige Länge also verdoppelt. Und mit dem Colorieren habe ich erst begonnen, als alle Animationen fertig waren, und die Farbgestaltung vieler Aufnahmen unterschied sich von dem, was ich zu Beginn entworfen hatte. Kurz gesagt, es ist ein Film, den ich während der Produktion kennengelernt habe.

Du hast auf Wörter verzichtet, dafür stark die Musik eingesetzt – kannst Du mir mehr dazu erzählen?

Ich mag eigentlich keine Animationen, die viele Wörter verwenden. Einerseits werden die Grafiken nachlässig, sobald es ein Wort gibt, das zur Veranschaulichung und zum Verständnis beiträgt. (Das hängt aber auch vom Thema der Arbeit ab.) Zum anderen kann ich mich nicht sehr gut verbal ausdrücken, und ich bin nicht immer in der Lage, meine Gefühle und Gedanken klar auszudrücken. Ich stütze mich eher auf Bilder, Lautmalerei und Körperbewegungen, um zu kommunizieren. Und viele Gefühle befinden sich in einem mehrdeutigen Zustand, der sich nur schwer in bildhaften Worten ausdrücken lässt. (Aber was die Macht der Metapher in Worten angeht, so ist das Buch „Metaphors We Live By“ [George Lakoff und Mark Johnson, 1980] gut geschrieben und ich liebe es.)

Um auf die Musik zurückzukommen. Musik hat die Fähigkeit, die Emotionen derjenigen, die ihr zuhören, direkt zu mobilisieren. Und sie inspiriert mich auch, also liebe ich sie. Während der Zusammenarbeit habe ich auch nach einer Menge Referenzmusik und Soundeffekten gesucht, einen Zeitpunkt in der Entwurfsfassung festgelegt und dann dem Komponisten gesagt, welche Art von emotionalen Höhen und Tiefen in den verschiedenen Phasen des Stücks vorkommen. Dann begann die Partitur.

Kannst Du mir noch ein bisschen von Dir erzählen und wie Du zum Animationsfilm gekommen bist?

Mein College-Dozent war ein zeitgenössischer Künstler, dessen Arbeit sich in Form von Videoinstallationen und Animationen ausdrückte. Er hat mich beeinflusst, und so begann ich, Animationen zu erstellen. Meine Abschlussarbeit war eine Installation und eine Gif-Animation. Nachdem ich ein Jahr lang gearbeitet hatte, ging ich nach Japan, um zu studieren. Zuerst wollte ich Illustration als Hauptfach studieren, aber als ich mein Illustrationsportfolio zeichnete, wurde mir klar, dass ich immer noch Dinge mochte, die sich bewegten, und so entschied ich mich schließlich für das Hauptfach Animation. Ich wäre fast durch die Prüfung gefallen, weil ich damals noch nicht viel über Animation wusste, aber der Lehrer fand meine Idee recht interessant, so dass ich für ein Jahr zum Unterricht zugelassen wurde und mich dann im nächsten Jahr offiziell qualifizierte. Es war ein wundervolles Gefühl, dank dieser beiden Lehrer Schritt für Schritt in die Entwicklung von Animationen eingeführt zu werden.

Sind bereits neue Projekte geplant?

Im Moment habe ich ein paar Themen, die ich gerne umsetzen würde. Aber mein Stil und mein Produktionsmodell sind sehr unkommerziell und das Publikum ist relativ klein, so dass ich im Moment keine Finanzierung finden kann. Dann habe ich angefangen, darüber nachzudenken, wie ich in Zukunft als unabhängiger Animationsfilmemacher überleben kann.

Also werde ich jetzt mit Bildern, Drehbüchern und Kunststilen experimentieren, um Produzenten zu finden, die an meiner Arbeit interessiert sind. Gleichzeitig arbeite ich in Teilzeit, um meinen Lebensunterhalt zu bestreiten, und ich mache nach und nach Filme.

Die Fragen stellte Doreen Kaltenecker
Übersetzung von Michael Kaltenecker

Lies auch die Rezension des Kurzfilms „Sewing Love“

Interview: In our conversation with Japanese director Xu Yuan, we learned more about her animated film “Sewing Love” (OT: “キョ ガン”), which was screened in the ‘International Competition Animated Film’ of the 66th DOK Leipzig 2023, how the story gradually developed, what influence Japanese art has on her work and why she considers it necessary to combine different types of animation.

Your film beautifully captures how relationships can develop – how did you come up with the idea for your film and especially the motif of him having a void in his body without her?

That’s a good question, because there are actually no female characters in the very first version of this work. It’s just a man with a hollow body looking for parts around the world to put together and sew into a person who can fill his irregular void. 

So in the beginning there was no desire to limit the gender to male and female from the appearance of the persona. Many people, regardless of gender, rely on others to fill their inner self. But over-reliance on others is not an option. Love yourself before you love others.

In real life, what fills the hole in your life can be a person, a pet or a hobby. For myself, I longed for someone I could connect with on a deep spiritual level, so I chose to use two people. At the same time, if the gender of the characters is vague, then the theme of intimacy between people may not be clear, and it may lean towards gender issues. I wanted to focus more on the former. So the gender of the character is reinforced in the persona.

Your animations are great and varied – tell me more about the style you used. Would you say it’s your way of storytelling?

First of all, thank you for liking it. This work was mainly done using the procreate on the iPad. And I used stop motion animation for the title and the final cast list. For example, I used red thread to stitch out the sewing love, as well as nail polish uv glue and eyeshadow powder to create a semi-dimensional effect, to show that the rebirth butterfly escaped from this 2D animation and traveled to the 2.5 dimension.

At the same time, I really like the sense of power shown by the different brush strokes. When I’m in an intense mood, I will choose oil brushes, and when I’m happy, I will use digital style, such as airbrush , noise, and so on.

In fact, the core of my favorite way of storytelling is that the art style is compatible with the mood and the thing to be expressed. That’s why I don’t fixate on a certain art style , but change it with the theme I want to express.

Who or what inspired you?

I really like Masaki Yuasa, his films have always been very flexible and interesting, and the emotions are all very strong. At the same time the years I spent studying in Japan really improved me a lot. I watched a lot of independent animators from all over the world, they all kept their individuality and worked hard. And I would often watch their interviews and think about their way of thinking. As well as that I’m obsessed with the surrealist genre, their mapping of everyday metaphors and creation of symbols is extremely imaginative. The last thing that inspires me is life. My own feelings and thoughts are the best basis for my creativity.

How did you start with the short film and how long did it take you to realize it?

Regarding the short film, I would start with a short sentence to clarify the theme of the piece, and then expand on it to think about what points the theme reminds me of. Then I would write a text storyboard based on those points. Finally, I would look for and create visual metaphors based on these points, and think about their visual representations.

It took about half a year to come up with the idea, and then about a year to revise the animation (For example, the movement of the camera and the acting of the characters), which was actually quite fun at that stage. In the original draft version it was actually just over four minutes long.But gradually in the process of painting, I felt that many of the images were not expressive enough. So in constant revision, the final length was doubled. And I only started coloring after all the animations were finished, and the color design of many shots was different from what I had designed at the beginning. In short, it’s a film that I learned while I was doing it.

You did without words, but used music – can you tell me more about that?

I actually don’t particularly like animations that use a lot of words. On the one hand, the graphics get lazy once there’s a word to help illustrate and understand. (But this still depends on the theme of the work). Another thing is that I’m not very good at expressing myself verbally, and I’m not always able to express my feelings and thoughts clearly. It relies more on images, verbal onomatopoeia, and body movements to communicate. And a lot of emotions are in an ambiguous state, which is hard to express in figurative words. (But as for the power of metaphor implicit in words, the book Metaphors We Live By is well written and I love it.)

Going back to music. Music has the ability to both directly mobilize the emotions of those who listen to it. And it also inspires me, so I love it. During the collaboration process, I also looked for a lot of reference music and sound effects, stuck a point in time in the draft version and then told the composer what kind of emotional ups and downs are going on at different stages of the piece. Then start the score.

Can you tell me a bit more about yourself and how you came to animation?

My college instructor was a contemporary artist whose work was expressed in the form of video installations and animation. I was influenced by him, so I started to create animation. My graduation work was an installation and gif animation. After working for a year, I went to Japan to study. At first, I wanted to major in illustration, but when I was drawing my illustration portfolio, I realized that I still liked things that moved, so I finally decided to major in animation. I almost failed the exam because I didn’t know much about animation at that time, but the teacher thought my idea was quite interesting, so I was admitted to the learn for one year, and then officially qualified the next year. It was a wonderful feeling to be pushed step by step into the creation of animation, thanks to these two teachers.

Are there any new projects planned?

At the moment I have a few themes that I would like to do. But my style and production model is very non-commercial and the audience is relatively small, so I can’t find funding at the moment. Then I started to think about what the future path of survival as an independent animation creator is going to be.

So now I’m going to do some experimentation with visuals, scripts and art styles to find some producers who are interested in my work. At the same time, I’m working part-time to earn some living expenses, and I’m slowly making films little by little.

Questions asked by Doreen Kaltenecker

Read on the german review of the short film “Sewing Love“

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