Sieben Fragen an Luciana Merino und Pascal Viveros

Doreen Kaltenecker
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Interview: Im Gespräch mit den beiden chilenischen Filmemacher:innen Luciana Merino und Pascal Viveros konnten wir mehr über ihren Kurzfilm „Towards the Sun, Far from the center“ (OT: „Al sol, lejos del centro“) erfahren, der im ‚Berlinale Shorts‘-Programm der 74. Berlinale 2024 lief. Sie erzählen von der technischen und visuellen Umsetzung, welche Geschichte hinter den Bildern steckt und warum sie sich von Anfang dafür entschieden haben, keine Sprache zu verwenden.

The original english language interview is also available.

Wie entstand die Idee für euren Kurzfilm?

Die Idee zu „Towards the Sun, Far from the center“ entstand aus der Art und Weise, wie der Film gedreht wurde. Wir haben sie von einem anderen Kurzfilm namens „Japon“, an dem Luciana arbeitet, übernommen, in dem sie verschiedene Möglichkeiten erforscht, einen Ort zu filmen und zu dekonstruieren. Für uns ist es ganz natürlich, im Kino zu denken und dabei von der kinematografischen Form selbst auszugehen.

Dann kreuzte es sich mit einem sehr wichtigen Moment in Chile, dem sozialen Aufstand von 2019, als das ganze Land zum Stillstand kam und die Menschen sich zusammenschlossen, um strukturelle Veränderungen zu fordern, um eine bessere Lebensqualität zu haben, gegen den Neoliberalismus und die Privatisierung, die in Chile vorherrschen. In diesem Moment hatten wir das Gefühl, dass die Stadt endlich uns gehörte und wir begannen, über neue Lebensformen nachzudenken, so dass neue Landschaften in unseren Köpfen zu wachsen begannen.

Auch wenn dieser soziale Aufstand nicht wirklich in Erscheinung tritt, verkörpert der Film viel von diesem Geist, und um uns eine neue Stadt vorstellen zu können, brauchten wir eine neue Art, sie zu erfassen. Durch diese Technik haben wir festgestellt, dass sich die Stadt sehr verändert hat, was es uns ermöglicht hat, neue Bilder zu schaffen und einen Ort zu erschaffen, an dem unsere Sehnsüchte existieren können. Es ist sehr wichtig zu sagen, dass Santiago, die Stadt, in der der Film spielt, eine Stadt ist, die wir lieben, also ist dies auch eine Art Liebesbrief an sie. 

Wie sind die Aufnahmen entstanden und besitzt die Plansequenz unsichtbare Schnitte?

Wir haben lange Einstellungen in 4K aus großer Entfernung gedreht und dann in der Postproduktion einen digitalen Zoom eingesetzt, der es uns ermöglicht, durch die Bilder zu reisen, so wie wenn man ein großes Gemälde vor sich hat und mit den Augen durch das Bild navigieren muss. Und durch das Zoomen beginnt die hohe Auflösung des Bildes zu schwinden, was andere erzählerische und sensorische Möglichkeiten schafft, die in diesem Fall versuchen, sich von der hyperrealistischen 4k-Imagination zu entfernen, die im heutigen Kino vorherrscht.

Die Aufnahmen in dem Kurzfilm wurden nach der Logik von One-Take-Sequenzen konzipiert, aber diesmal aus der Unbeweglichkeit heraus, um Choreografien zu schaffen, die in einem Standbild festgehalten werden sollten. Wir dachten, dass diese One-Take-Sequenzen so funktionieren könnten, dass jede Sequenz eine Mikro-Stadt innerhalb der Stadt ist.

Von Anfang an wussten wir, dass der Schnitt wie ein weiterer Dreh sein würde, denn in diesem Moment würden wir genau wissen, was wir im Film sehen werden. Der Schnitt war ein langwieriger Prozess, denn wir mussten viel ausprobieren und einen Rhythmus finden, während wir nach dem suchten, was zwischen der Kulisse und der Zufälligkeit des täglichen Lebens „versteckt“ war. Es gibt ein oder zwei unsichtbare Schnitte in dem ganzen Kurzfilm.

Warum habt ihr Euch dafür entschieden, diese überhöhte Position nie zu verlassen?

Diese erhöhte Position stand von Anfang an am Anfang des Kurzfilms, sie war etwas, das die Technik selbst erforderte. Wir mussten von Orten aus filmen, die uns eine große Perspektive auf die Stadt ermöglichten. Wir brauchten diese Distanz, um näher heranzukommen und die Dinge auf eine Weise zu sehen, die wir in unserem täglichen Leben nicht sehen können.

Es begann als technische Anforderung, aber dann wurde es zu etwas anderem, etwas, das wir noch nicht so klar hatten, etwas Geheimnisvolles, wie ein allgegenwärtiger Blickwinkel, und im Schnitt nahm es langsam Gestalt an. Wir stellen uns das gerne so vor wie die Präsenz der Sommersonne, die immer da ist.

Es gibt einen Moment, in dem wir diese erhöhte Position tatsächlich durchbrechen, nämlich dann, wenn wir die Protagonisten näher an der Kamera sehen und dann die Wolken sehen können. Für uns war es sehr wichtig, dass sie in den Himmel schauen und mit uns teilen können, was sie sehen, wie eine Umkehrung dieses Blickwinkels, der total zu sein schien. 

Ihr lasst den Tönen der Stadt ihren Freiraum. Warum verzichtet ihr komplett auf Worte und Musik?

Wir haben immer über einen Kurzfilm ohne Dialoge oder gesprochene Worte nachgedacht. Es war uns sehr wichtig, dass der Film etwas ist, das den Zuschauern offen steht. Deshalb haben wir uns entschieden, diesen kleinen Text an den Anfang zu stellen, um einen Hinweis auf das zu geben, worüber wir sprechen, aber nicht zu viel zu sagen, damit die Leute sich auch in der Stadt verlieren können, so wie wir es getan haben, als wir den Film machten. Wir waren daran interessiert, wie das Bild und die Stadt selbst das, was wir sehen, leiten können. 

Ein wichtiger Moment im Film ist der bereits erwähnte Wechsel des Blickwinkels, wenn die Protagonisten zum ersten Mal den Himmel betrachten, die Kontrolle über den Blick übernehmen und ihren Weg bestimmen. In diesem Moment taucht auch die Musik auf, um den Rhythmus zu unterbrechen, der im Rest des Films sehr stark ist. Wir denken auch daran, dass sie die träumerische Stimmung heraufbeschwören soll, in der man sich befindet, wenn man sich verliebt. 

Wie verlief eure Zusammenarbeit – gab es eine Aufgabenteilung?

Filmteam auf der 74. Berlinale 2024

Während des gesamten Prozesses haben wir sehr eng zusammengearbeitet. „Towards the Sun, Far from the center“ ist ein Porträt von Santiago, der Stadt, in der wir Tag für Tag leben, die wir lieben und auch ein bisschen hassen. Es war uns sehr wichtig, immer wieder Ideen auszutauschen und uns darüber auszutauschen, was wir in diesen Tagen gelesen und gesehen haben. Wir haben uns viel unterhalten und die Orte gesucht, an denen wir drehen wollten, so dass wir die Stadt gemeinsam neu entdeckt haben. 

Abgesehen davon, dass wir alles zusammen gemacht haben, haben wir bei den Dreharbeiten verschiedene Rollen eingenommen: Pascal stand vor der Kamera und Luciana führte Regie bei den Schauspielern und Statisten, aber wir haben auch ein bisschen von allem gemacht. 

Könnt ihr mir ein bisschen von Euch erzählen und wie Ihr zum Film gekommen bist?

Wir haben an der gleichen Universität Film studiert und uns kennengelernt, weil wir einige gemeinsame Freunde hatten. Dann fingen wir an, bei „Japon“ zusammenzuarbeiten, dem Kurzfilm, den Luciana macht, bei dem Pascal als Regieassistent zu arbeiten begann, und wir entdeckten, dass wir beide sehr daran interessiert waren, über Städte und Orte zu arbeiten und die Möglichkeiten des digitalen Bildes zu erkunden. 

Dann lebten wir während des sozialen Aufstands im Jahr 2019 sehr nah beieinander und leisteten uns Gesellschaft in diesem sehr schönen und gleichzeitig schwierigen Moment zwischen der Vereinigung der Menschen und den systematischen Menschenrechtsverletzungen. 

Sind bereits neue (allein oder zusammen) Projekte geplant?

Im Moment arbeitet jeder von ihnen an einem anderen Projekt. Luciana Merino interessiert sich sehr für das Format des Kurzfilms und arbeitet weiter an der Idee, Choreografien zu schaffen, die die Inszenierung und Zufälligkeit des täglichen Lebens vermischen und mit der kinematographischen Sprache experimentieren. Auf diese Weise arbeitet sie zusammen mit Luciana Zurita an einem Kurzfilm mit dem Titel Volcan, in dem sie Geistern folgt, die ein Viertel in Santiago bewohnen, das sich in ein Labyrinth zu verwandeln beginnt.

Zurzeit arbeitet Pascal an einem Hybridfilm, der auf einigen chilenischen Romanen aus den 50er und 60er Jahren und der Beziehung zwischen der Cordillera de los Andes und der Stadt Santiago basiert. Außerdem arbeitet er an einem experimentellen Kurzfilm über Tischtennis. 

Die Fragen stellte Doreen Kaltenecker
Übersetzung von Michael Kaltenecker

Lies auch die Rezension des Kurzfilms „Towards the Sun, Far from the center“

Interview: In our conversation with the two Chilean filmmakers Luciana Merino and Pascal Viveros, we were able to find out more about their short film „Towards the Sun, Far from the center“ (OT: „Al sol, lejos del centro“), which screened in the ‚Berlinale Shorts‚ programme of the 74th Berlinale 2024. They talk about the technical and visual realization, the story behind the images and why they decided from the beginning not to use language.

How did the idea for your short film come about? 

The idea for „Towards the Sun, Far from the center“ came out starting from the way of filming it, which came to us from another short film called “Japon” Luciana is making, where she is exploring diverse possibilities for filming and deconstructing a place. For us, it’s very natural to think in cinema with a starting point from the cinematographic form itself.

Then, it crossed with a very important moment in Chile, which was the social uprising from 2019, when the whole country was stopped and people reunite to ask for structural changes to have a better quality of life, against the neoliberalism and privatization that dominates Chile. At that moment we felt like the city was finally ours, starting to think about new ways of living, so new landscapes started to grow in our minds.

Even if this social uprising doesn’t really appear, the film embodies much of that spirit, and in order to imagine a new city, we needed a new way of capturing it. Through this technique we realized that the city changed a lot, allowing us to create new images, to create a place where our desires could exist. Is very important to say that Santiago, the city in which the film happens, it’s a city we love, so this is also kind of a love letter to it. 

How were the shots made and does the one take sequence have invisible cuts?

What we did was to shoot long shots in 4k from very far away and then do a digital zoom in post production which allows us to travel through the images, just like when you have a big painting in front and you have to navigate across it with your eyes. And because of the zoom, the high resolution of the image starts to degrade, generating different narrative and sensorial possibilities, which in this case tries to move away from the hyper-realistic 4k imaginary prevailing in today’s cinema.

The shots in the short film were conceived from the logic of one-take sequences but this time from the immobility, creating choreographies thought to be recorded in a still shot. We thought of having those one-take sequences so they could work like every sequence is a “micro-city” inside the city.

From the beginning we knew that the editing would be like another shooting, because it was going to be at that moment when we would know exactly what we will see in the film. The editing was a long process because there was a lot of trial and error, of finding a rhythm while searching what was “hidden” between the mise-en-scène and the randomness of daily life. There’s one or two invisible cuts in the whole short film.

Why did you decide never to leave this elevated position?

This elevated position came from the beginning of making the short film, it was something that the technique itself required. We needed to film from places that allowed us to have a big perspective of the city, we needed that distance to get closer and see things in a way we can not see in our daily life.

It started as a technical requirement but then it began to be something else, something we didn’t have so clear yet, something secret, like an omnipresent point of view, and in the editing it started to take shape. We like to think about it like the presence of the summer sun that is always there.

There is a moment when we actually broke this elevated position, it’s when we see the protagonists closer to the camera and then we can see the clouds. For us it was very important to see them looking at the sky and that they could share with us what they are seeing, like an inversion in this point of view that seemed to be total. 

You give the sounds of the city their space. Why do you completely dispense with words and music?

We always thought about the short film without dialogues or spoken words. It was very important to us that the film could be something open to those who are watching it, so we decided to put this little text written in the beginning to give a hint about what we are talking, but not say too much, so people could also get lost in the city, as we did while we were making it. We were interested in how the image and the city itself could guide what we are watching. 

An important moment in the film is the change of the point of view we mentioned before, when for the first time the protagonists are the ones contemplating the sky, taking control of the gaze and deciding their path. This is when music appears too, as a breath to break the rhythm that is very strong in the rest of the film. We also think about it to evoke the dreamy mood you are when you are falling in love. 

How did your collaboration work – was there a division of tasks?

During the whole process we worked very closely together. „Towards the Sun, Far from the center“ is a portrait of Santiago, the city we inhabit day by day, the city we love and hate a little bit too. It was very important to us to keep changing ideas between each other, sharing what we were reading and watching those days. There was a lot of conversation and a lot of searching for the places we wanted to shoot, so we were rediscovering the city together. 

Besides the fact we did everything together, in the shooting we took different roles, Pascal was in the camera and Luciana directing the actors and extras, but we were also doing a little bit of everything. 

Can you tell me a bit about yourselves and how you came to make the film?

We studied filmmaking in the same university, so we met because we had some friends in common. Then, we started working together in „Japon“, the short film Luciana is making, in which Pascal started to work as an Assistant director and we discovered that both of us were very interested in working about the cities and places, exploring the possibilities of digital image. 

Then we lived very close to each other during the social uprising in 2019, keeping us company in this very beautiful and hard moment at the same time, between the union of the people and the systematic violations of human rights. 

Are there any new projects (alone or together) planned?

Right now each other is working on separate projects. Luciana Merino is very interested in the short film format, and to keep working on the idea of making choreographies that mix the mise-en-scène and the randomness of daily life, experimenting with cinematographic language. In this way, she is working co-directing with Luciana Zurita a short film called Volcan, in which follows ghosts that inhabit a neighborhood in Santiago that starts to transform in a labyrinth

Right now, Pascal is working on a hybrid film based on some chilean novels from the decades of the 50’s and 60’s and the relationship between the Cordillera de los Andes and the city of Santiago. He is also working on an experimental short film about table tennis. 

Questions asked by Doreen Kaltenecker

Read on the german review of the short film „Towards the Sun, Far from the center„

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