Zehn Fragen an Matt Huntley

Interview: Im Gespräch mit dem britischen Filmemacher Matt Huntley erzählt er uns mehr über seinen Kurzfilm „Lobsters“, gesehen in der Comedy Night des 20. Landshuter Kurzfilmfestival, die Idee dahinter, den visuellen Stil und wie er seinen großartigen Hauptdarsteller Steve Oram fand. Auch zu seinem Nachfolgerfilm „Bump“ steht uns Matt Rede und Antwort. 

The original english language interview is also available.

Wie kam es zu der Geschichte von deinem Kurzfilm „Lobsters“? 

Ich hatte in der Vergangenheit Kurzfilme gemacht, die sich im Nachhinein eher wie Spec-TV-Pilotfolgen anfühlten. Sie waren länger und konzentrierten sich mehr auf Handlung und Dialog, also wollte ich etwas viel Kürzeres schaffen, das auf einer wirklich guten originellen Idee basiert; eine Komödie, die sich dafür eignet, in einem sehr kommerziellen Stil gedreht zu werden. Die Entstehung der Idee kam aus der Erinnerung an verschiedene Male als Teenager, der im Urlaub an Mädchen verknallt war, und dem inneren Monolog, der sich vorstellt, wie das gemeinsame Leben aussehen würde. Das entwickelte sich zu einer Liebesgeschichte im mittleren Alter, es schien eine schöne Idee zu sein, einen sehr gewöhnlichen Mann zu haben, der die übertriebenen Leidenschaften eines von Liebe getroffenen Teenagers verinnerlicht.

Wieso hast Du Dich für dieses Setting entschieden? Und wo genau habt ihr gedreht?

Ich lebe in Großbritannien und hatte immer Mühe, etwas wirklich Filmisches an meiner Umgebung zu finden. Es liegt wahrscheinlich an der Vertrautheit, aber für mich hat es einfach nicht den visuellen Reiz von Ländern wie Amerika, Italien oder Japan. Der einzige Ort, den ich jemals wirklich geliebt habe, ist das Meer. Als Kind in London aufgewachsen, verbrachte ich viel Zeit an der Südküste. Tagesausflüge nach Brighton, Besuche bei Verwandtschaft in Kent und Essex, oft auf Wohnwagenparkplatz. Es gibt etwas Faszinierendes an diesen Gebieten, die Tatsache, dass sie ziemlich heruntergekommen sind, aber ein Gefühl von Nostalgie und Romantik für eine vergangene Zeit bewahren. Hauptsächlich sehen sie einfach fantastisch aus, mit einer ausgeprägten, ganz eigenen Farbpalette mit verwaschenem unmodischen Pink, Gelb und Blau. Ich wollte dort schon immer filmen, aber als diese Idee kam, schien sie perfekt zu passen. Wir drehten auf einem kleinen Wohnwagenparkplatz in der Nähe von Margate in Kent. Es war wunderbar, mitten im Nirgendwo mit wirklich hilfsbereiten Einheimischen zu sein, die uns für ein Wochenende ihr Zuhause übernehmen ließen.

Welche visuellen Merkmale lagen Dir am Herzen – man meint eine gewisse Werbungsästhetik mit starken Farben und schönen Bildern daraus erkennen zu können. 

Steve Oram

Ich arbeite hauptsächlich als Regisseur für Werbung mit den Schwerpunkten Comedy und Performance. Ich hatte noch nie ein wirkliches Interesse daran, Autos oder Mode zu machen, es geht mir mehr darum das Alltägliche ansprechender zu machen. Ich habe Erfahrung mit Fotografie und Grafikdesign, also kümmere ich mich bei allem, was ich tue, wirklich um die Komposition und Beleuchtung. Die Freude an diesem Film war der Versuch, sehr romantische Bilder in einer im Wesentlichen langweiligen und alltäglichen Umgebung zu schaffen, so dass sie die Idee darin widerspiegelten, dass ein gewöhnlicher Typ seine Gefühle ausdrückte. Von Anfang an wusste ich, dass ich eine übertriebene Kamerabewegung wollte, also gibt es viele lange Tracking-Aufnahmen [Anm. d. Red. die Kamera folgt einer Person im Vordergrund], um dem Publikum den Sinn für Fantasie zu vermitteln. Der Aufnahmestil entwickelt sich dann zur Steady-Cam für die Balzszenen, um diese Vorstellung von Schweben und Schwerelosigkeit zu vermitteln und schließlich zur Handkamera, wenn die Fantasie am Ende eine negative wird. Mit dem Kameramann Matt Fox haben wir uns Einflüsse wie Martin Parr für die Außenbereiche und Gregory Crewdson für die Innenräume angesehen. Die Eröffnungsszene und die Innenräume der Kneipen erforderten tatsächlich viel Kunstlicht; außen, um ihr das flache, fast ringförmige Parr-ähnliche Gefühl zu verleihen, und innen, um einen hintergrundbeleuchteten Dunst (mit etwas Rauch darin) zu erzeugen.

Kannst Du mir noch mehr zum Musikeinsatz erzählen?

Ursprünglich hatte ich mir etwas viel Bombastischeres und Übertriebenes vorgestellt, John Barry ist ein Orchesterstreicher aus der Bond-Ära, aber es war schnell klar, dass das zu weit ging. Der Film funktioniert, weil unser Held so authentisch und so aufrichtig ist, also haben wir uns Gedanken gemacht, wie wir die Musik abschwächen und etwas viel Einfacheres und Emotionaleres finden können. Ich schickte dem Komponisten (Simon Frost) einige Referenzen von Klavierstücken, von denen ich dachte, dass sie funktioniert hätten, ich dachte an Neil Young und Arcade Fire. Und ich denke er hat es beim zweiten Versuch ganz ausgezeichnet geschafft das umzusetzen. Wir sprachen viel darüber, wie es anschwillt und anschwillt, um Marks wachsende Frustration und Wut widerzuspiegeln, es werden selbst kaputte Noten gespielt und die Lautstärke steigt auf Fieberhöhe an und bricht dann ab, um uns wieder in die Realität zurückzubringen. Ich denke, wir haben „A Day in the Life“ der Beatles als gutes Beispiel genommen.

Ich finde Die Besetzung großartig vor allem Steve Oram als Mark. Wie hast Du Deine Darsteller gefunden?

Steve Oram, Terry Mynott und Juliet Cowan

Ich war ein großer Fan von Steve für eine lange Zeit, die bereits 10 oder 15 Jahre zurückreicht, als ich ihn in Comedy-Sketches gesehen hatte. Er ist so vielseitig, er kann im Handumdrehen furchteinflößend und herzzerreißend sein, und körperlich war er die perfekte Ergänzung für den unterdrückten, kahlen Helden mittleren Alters. Ich wollte auch wirklich einen regionalen Akzent und mir half sein Midlands-Dialekt wirklich, den Dialog lustig und leidenschaftlich zu gestalten, ohne dabei scherzhaft und übertrieben zu wirken. Ursprünglich wurde ein anderer Schauspieler, Tom Meeten, besetzt, um Dave zu spielen. Er und Steve sind seit Jahren beste Freunde, also gab er freundlicherweise das Drehbuch weiter und Steve stimmte zu, es zu machen. Kurz vor dem Dreh musste Tom aussteigen und er schlug Terry Mynott als Ersatz vor – ein weiterer guter Freund von Steve. Wieder war ich ein wirklich großer Bewunderer von Terrys Arbeit und war begeistert, ihn an Bord zu haben. Ich wollte schon lange mit Juliet Cowan zusammenarbeiten und schickte ihr einfach das Drehbuch, wieder dachte ich, sie sei perfekt geeignet, eine Frau mittleren Alters zu spielen, die eine Aura des sexuellen Selbstbewusstseins ausstrahlt, ohne Dialog zu haben.

Du hast vor kurzem Deinen neuen Kurzfilm namens „Bump“ beendet, der später im Jahr auf Festivals laufen wird. Wie kamst Du auf die Idee zu Deinem sehr kurzen Kurzfilm „Bump“? Hattest Du selbst als Kind solche Überlegungen angestellt?

Maya Kelly

Ursprünglich hatte ich die Idee, ein Drehbuch über ein kleines Kind zu schreiben, das versucht, etwas über Sex herauszufinden; es besucht verschiedene Freunde und Verwandte und bekommt mehrdeutige und metaphorische Antworten – „die Vögel und die Bienen“ usw. Das schien wirklich süß zu sein, aber letztendlich ein wenig langweilig, da alle die ganze Zeit nur sprechen würden, aber ich liebte die Idee, dass ein Kind versucht, eine Vorstellung von der Wahrheit mit seinem begrenzten Wissen über die Welt zu finden. Es brachte mich dazu, über meine Kindheit nachzudenken und darüber, wie mein Bruder und ich davon besessen waren, herauszufinden, was meine Eltern und ihre Freunde vorhatten – ihre Gespräche zu hören, ihre Kleiderschränke zu durchsuchen, sie schienen eine geheime, erwachsene Welt zu haben, die wir nicht durchdringen konnten. Das schien also eine schöne Dynamik zu sein, wenn ein Kind versuchte herauszufinden, was hinter verschlossenen Türen vor sich ging, und es würde optisch gut funktionieren, weil man nur das darstellt, was es sich vorstellt. Dann machte es Spaß, imaginäre Aktivitäten zu entwickeln, die zu den vielen sexuellen Geräuschen passen.

Was war Dir bei der visuelle Ausgestaltung am wichtigsten?

Das Produktionsdesign war bei diesem Film von Anfang an unglaublich wichtig, was immer eine Herausforderung mit kleinen Budgets ist. Wir hatten darüber gesprochen, einen bestimmten Look zu haben, eine dunklere Tabakpalette, so viel Grün, Gelb, Braun. Ich bin ein großer Jeunet-Fan [Anm. d. Red.: Regisseur von „Delicatessen“ (1991) und „Die fabelhafte Welt der Amelie“ (2001), „Micmacs – Uns gehört Paris! “ (2009)] und dieses Drehbuch hatte eine deutliche Tendenz zu diesem Stil, was Farbe und Kamerabewegung betrifft. Ich dachte, wir würden uns bemühen, einen Ort zu finden, der uns alle erforderlichen Räume bietet und nicht ein riesiges Budget für das Produktionsdesign benötigt, um das Problem zu lösen. Erstaunlicherweise lebt mein Tonmann gleich um die Ecke von mir in Südlondon und hat dieses große, weitläufige Stadthaus mit der sehr eklektischen Inneneinrichtungen – alle Räume sind unterschiedlich farbig, es gibt tonnenweise Kunst und Möbel überall, sehr bohemian – und er war froh, dass wir dort gedreht haben. In Bezug auf das Produktionsdesign war es also meist schon vor Ort, ich habe nur ein paar Tage damit verbracht, kleine Requisiten wie Kerzen, farbige Cerealien, Stoffe, etc. zu beschaffen.

Wie lange habt ihr für die Umsetzung des Films benötigt?

Wir haben den Film an zwei Tagen über ein Wochenende Ende 2018 gedreht. Es war eine ziemlich kompakte Crew, aber wir hatten am Ende eine Menge Ausrüstung, wenn man das kleine Budget bedenkt – Kran, Tracks und Dolly, etc.

War es schwer den richtigen Kinderdarsteller zu finden?  

Maya Kelly

Kinder zu casten ist immer eine schwierige Erfahrung. Ich habe es viel für Werbespots getan und du neigst dazu, entweder sehr professionelle Kinder zu finden, die zu schauspielerisch und übertrieben sind, oder du bekommst erstaunliche, natürlich begabte Kinder, von denen du fürchtest, dass sie einfach das Interesse verlieren. Mein Casting-Direktor schickte einige wirklich gute Optionen zu mir und ich sprach am Ende mit drei Mädchen, die alle großartig, aber sehr unterschiedlich waren. Am Ende wählten wir Maya Kelly, die nicht viel Erfahrung hatte (sie hatte eine kleine Rolle in Ridley Scotts „Alles Geld der Welt“ (2017)), aber wir unterhielten uns zwanzig Minuten lang, sprachen über das Drehbuch, spielten mit einigen Szenen und sie war einfach mühelos charmant und lustig. Als wir zum Drehen kamen, nahm sie das alles sehr ernst, stellte Fragen und kam super mit der Crew klar, es war eine wahre Freude bei der Arbeit. Sie scheint jetzt einige großartige Rollen zu bekommen, was mich glücklich macht.

Kannst Du mir zum Ende mehr zu Deiner restlichen Arbeit erzählen? Und welche neue Kurzfilm-Projekte stehen an?

Wie gesagt, ich arbeite hauptsächlich als Regisseur in der Werbung – was im Moment ein schwieriger Job ist! Die meisten der Drehbücher, die mir geschickt werden, sind für Komödien oder Dokumentationen, ich liebe die Herausforderung, eine Geschichte in so kurzer Zeit zu erzählen und zu versuchen, sie visuell ansprechend und angenehm zu gestalten. Diese Disziplin zu lernen, war bei meiner narrativen Arbeit wirklich nützlich; sie lehrt dich, wirtschaftlich und rücksichtslos zu sein, selbst wenn es darum geht, Drehbücher und Filmmaterial so zu bearbeiten, dass man das Beste aus allen Elementen herausholt – Besetzung, Kamerabewegung/Objektiv, Kunstabteilung – es ist wie eine endlose Filmschule, um ehrlich zu sein.

Die Fragen stellte Doreen Matthei
Übersetzung Michael Kaltenecker

Lies auch die Rezensionen der Kurzfilms „Lobsters“ und „Bump


Interview: In our conversation with British filmmaker Matt Huntley, he tells us more about his short film „Lobsters„, seen at the Comedy Night of the 20th Landshut Short Film Festival, the idea behind it, the visual style and how he found his great leading actor Steve Oram. Matt also answers our questions about his follow-up film „Bump„. 

How did the story of your short film „Lobsters“ come about? 

I’d made shorts in the past which in hindsight felt more like spec TV pilots. They were longer and focused more on plot and dialogue so I wanted to create something much shorter that was based on a really good original idea; a comedy that would lend itself to being shot in a very commercial style. The genesis of the idea came from remembering various times as a teenager getting crushes on girls on holiday, having that internal monologue imagining what our lives together would be like. That evolved into a middle-aged love story, it seemed a nice idea to have a very ordinary man internalising the overblown passions of a love struck teenage boy.

Why did you choose this setting? And where exactly did you shoot it?

Living in the UK, I ‘ve always struggled to find anything really cinematic about my surroundings. It’s probably down to familiarity but for me it just doesn’t have the visual allure of countries like America, Italy, Japan. The only place I’ve ever really loved is the seaside, growing up in London I spent a lot of time on the south coast as kid- day trips to Brighton, visiting family in Kent and Essex, often at caravan parks. There is something fascinating about these areas, the fact that they are quite rundown but retain a sense of nostalgia and romanticism for a bygone age. Mainly they just look fantastic having a distinct colour palette all of their own- washed out, unfashionable pinks, yellows and blues. I’ve always wanted to shoot their so when this idea came it seemed like the perfect fit. We shot at a little residential caravan park near Margate in Kent. It was wonderful being out in the middle of nowhere with really helpful locals that let us take over their home for a weekend.

What visual characteristics were close to your heart? I think I can recognise a certain advertising aesthetic with strong colors and beautiful pictures. 

I work predominantly as a commercials director focusing on comedy/performance. I’ve never had any real interest in doing cars or fashion, it’s more making the everyday appealing. I have a background in photography and graphic design so I really care about the composition and lighting in everything I do. The joy of this film was in trying to create very romantic visuals in an essentially dull and pedestrian location so they mirrored the idea of the ordinary guy expressing his feelings. From the start I knew I wanted exaggerated camera movement, so there’s a lot of long tracking shots in establishing to tip the audience to the sense of fantasy. The shooting style then evolves to steadicam for the courtship scenes to give this idea of floating along, a weightlessness and finally to hand held as the fantasy turns sour at the end. With the DP Matt Fox we looked at influences like Martin Parr for the exteriors and Gregory Crewdson for the interiors. The opening scene and the pub interiors actually required a lot of artificial light; in the exterior to give it that flat, almost ring flash Parr-esque feel and inside to create a backlit haze (with some smoke in there).

Can you tell me more about the use of music?

Originally I envisioned something much more bombastic and over the top, Bond-era John Barry orchestral strings, but it was soon apparent that was going too far. The film works because our hero is so genuine and heartfelt so we looked at toning the music down, finding something much simpler and emotive. I sent the composer (Simon Frost) some references of piano pieces I thought worked, I think Neil Young and Arcade Fire and he pretty much nailed it on the second attempt. We talked a lot about how it would build and build to reflect Mark’s growing frustration and anger, even having duff notes played, the volume increasing to fever pitch then cutting out to bring us back to reality. I think we used The Beatles’ ‘A Day in the Life’ as a good example.

I think the cast is great, especially Steve Oram as Mark. How did you find your actors?

I’d been a huge fan of Steve for a long time going back 10 or 15 years when I’d seen him in comedy sketches. He’s so versatile, he can be terrifying and heartbreaking in the blink of an eye and physically he was a perfect fit for the downtrodden, balding middle-aged hero. I also really wanted a regional accent and for me his Midlands dialect really helped the dialogue be funny and passionate without seeming to jokey/over the top. Originally another actor, Tom Meeten was cast to play Dave and him and Steve have been best friends for years so he kindly passed the script on and Steve agreed to do it. Just before filming Tom had to drop out and he suggested Terry Mynott as a replacement- another good friend of Steve’s. Again, I was a really great admirer of Terry’s work so was thrilled to have him onboard. I’d wanted to work with Juliet Cowan for a long time and just sent her the script, again I thought she was perfectly suited to playing a middle-aged woman that gives off an aura of sexual confidence without having any dialogue.

You recently finished your new short film called „Bump„, which will be shown at festivals later this year. How did you come up with the idea for your very short short film „Bump„? Did you have such thoughts when you were a child?

Originally I had the idea to write a script about a young kid trying to find out about sex; he visits various friends and family and all give him ambiguous metaphorical answers- ’the birds and the bees’ etc. That seemed really sweet but ultimately a little boring as it would just be talking heads but I loved the idea of a child trying to find some idea of truth with a limited knowledge of the world. It made me think about my childhood and how my brother and I were obsessed with finding out what my parents and their friends were up to- listening to their conversations, going through their wardrobes, they seemed to have a secret, adult world that we couldn’t penetrate. So that seemed like a nice dynamic to have a child trying to figure out what was going on behind closed doors and would work well visually because you just represent what she imagines. It then became quite fun coming up with imaginary activities that match the array of sexual noises.

What was most important to you when it came to production design?

Production design was incredibly important from the start with this film, which is always a challenge with small budgets. We had discussed having a definite look, a darker tobacco palette so lots of greens, yellows, browns. I’m a big Jeunet fan and this script had definite leanings towards that style, in terms of colour and camera movement. I thought we’d struggle to find a location that would give us all of the required rooms and not need a huge art department budget to redress. Amazingly my sound man lives just around the corner from me in south London and has this big sprawling town house with very eclectic interiors- all of the rooms are different colours, there’s tonnes of art and furniture everywhere, very bohemian- and he was happy for us to shoot there. So in terms of production design it was mostly already in situ, I just spent a couple of days sourcing small props like candles, coloured cereal, fabrics, etc.

How long did it take you to make the film?

We shot the film over two days/one weekend at the end of 2018. It was a fairly compact crew but we ended up with a lot of kit considering the budget- crane, track and dolly, etc.

Was it hard to find the right child actor?  

Casting children is always a trying experience. I’ve done it a lot for commercials and you tend to find either very professional kids who are too stagey and overact or you get amazing, naturally gifted kids that you worry will just lose interest. My casting director sent some really good options through and I ended up talking to three girls who were all great but very different. In the end we went with Maya Kelly, who didn’t have much experience (she had a small part in Ridley Scott’s  ‘All The Money In The World’) but we chatted for twenty minutes, talked about the script, played with some scenes and she was just effortlessly charming and fun. When we came to shoot she took it all very seriously, asking questions and getting on with the crew, a real joy to work with. She seems to be landing some great roles now which makes me happy.

Can you tell me more about the rest of your work? And what new short film projects are on the agenda?

As I mentioned, I work mostly as a director in advertising- which is a tough gig at the moment! Most of the scripts I get sent are for comedy or documentary, I love the challenge of telling a story in such a short period of time and attempting to make the visuals engaging and pleasing. Learning that discipline has actually been really useful with my narrative work; it teaches you to be economical, ruthless even when it comes to editing scripts and footage, how to get the quickest read from all the elements- cast, camera movement/lens, art department- it’s a never-ending film school to be honest. 

Questions asked by Doreen Matthei

Read on the german review of the shortfilm „Lobsters“ and „Bump

3 Gedanken zu “Zehn Fragen an Matt Huntley

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