Fünfzehn Fragen an Kim Hopkins

Doreen Kaltenecker
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Kim Hopkins
Regisseurin von „A Bunch of Amateurs„“

Interview: Im Zoom-Gespräch mit der britischen Regisseurin Kim Hopkins konnten wir mehr über ihren großartigen Dokumentarfilm „A Bunch of Amateurs“, der auf dem 65. DOK Leipzig 2022 seine Europapremiere feierte, erfahren, wie der Facebook-Algorithmus sie zu den Movies Makers brachte, warum das Cinéma vérité schöne Bilder nicht ausschließt und warum das Publikum in Leipzig sie an die Kinogänger:innen in Sheffield erinnerte. 

The original english language interview is also available.

Wie bist du zum ersten Mal auf die Bradford Movie Makers aufmerksam geworden?

Es waren die Algorithmen von Facebook, die uns zusammengebracht haben. Ich sah einen Beitrag von Joe. Damals, vor etwa sechs Jahren, hatte er noch nicht seine jetzige Verlobte und war allein. In einem Beitrag schrieb er, wie einsam und traurig er war. Ich fand das sehr emotional und ehrlich von einem Mann aus dem Norden Englands. Normalerweise sind jene nicht so offen. Ich war also neugierig und folgte seinem Profil und sah ein Bild von Filmemachern aus Bradford: eine Gruppe von ihnen, die sich selbst eine große silberne Trophäe überreichen. Ich dachte mir, dass diese Leute auf dem Bild nicht wirklich oft zu sehen sind: meist weiße Männer aus der Arbeiterklasse des Nordens.

Also habe ich ein wenig recherchiert, Kontakt mit ihnen aufgenommen und bin zu ihrer Jahreshauptversammlung gegangen. Dort schlug ich vor, einen Dokumentarfilm über den Club zu drehen. Ich erklärte, dass dies sehr lange dauern würde. Sie stimmten ziemlich einstimmig dafür, mich filmen zu lassen. Phil war damals ihr Präsident, und er sagte, sie hätten keinen Ruf zu verlieren, warum also nicht?

Das Filmen im Club war einfach. Es hat länger gedauert, sie in ihrem Privatleben zu Hause zu filmen, was ich auch erwartet hatte. Ich komme aus Nordengland und kenne die gesellschaftlichen Gepflogenheiten und weiß, was man hier tun kann und was nicht. Außerdem habe ich einen Akzent, der aus Nordengland stammt, und ich fahre einen Kleinwagen, so dass ich nicht aussah, als wäre ich ein Medienmensch, der mit dem Fallschirm von London aus in Bradford abspringt. Das alles hat geholfen.

Vor diesem Film habe ich in Kuba einen Film über das Ende des Castro-Regimes gedreht, „Voices of the Sea”“. Ich kann ehrlich sagen, dass es schwieriger war, Zugang zu den Bradford Movie Makers zu bekommen als zum kommunistischen Kuba.

Wer war der erste, der dich privat hereingelassen hat?

Ich glaube, Joe war am offensten. Er hat mich recht früh reingelassen. Harry war etwas vorsichtiger. Er hatte seine Frau Mary zu Hause, die an vaskulärer Demenz erkrankt war, und sie lag in einem Krankenhausbett in seinem Wohnzimmer. Er wollte sie beschützen.

Er hatte diese Figur von Superman und Lois Lane in seinem Zimmer. Ich erzählte Harry, dass Superman in vielen Gestalten auftritt und dass Superman auch jemand ist, der sich um seine Frau kümmert. Als ich ihm das erklärte und ihm sagte, dass ich ihn am Ende des Films gerne als Superman sehen würde, erlaubte er mir zu filmen.

Auch bei Phil hat es eine Weile gedauert, ihn zu überzeugen, denn er hat einen behinderten Bruder namens Chris. Allein schon wegen seiner Menschenwürde war es schwierig, mit den beiden zu drehen. Es hat eine Weile gedauert.

Wie hast du dir ihr Vertrauen erarbeitet?

Nun, ich bin Absolvent der nationalen Filmhochschule und stamme aus einer Tradition des ‚Cinéma Vérité‘-Dokumentarfilms. Der Euphemismus dafür heißt ‚Herumlungern‘ beim Filmemachen. Man verbringt viel Zeit mit Menschen, und ich denke, der Prozess ist dem Aufbau von Freundschaften sehr ähnlich. Man verbringt Zeit mit Menschen und wird zu einem Freund, man gewinnt Vertrauen, und das kann man durch nichts ersetzen. Es dauert einfach eine lange Zeit. Sie sehen also Beständigkeit in dir. Sie beginnen, dir zu vertrauen und an dich zu glauben. Und das ist so ziemlich das, wie es funktioniert. Die Dreharbeiten begannen im März 2018 und der Hauptteil der Dreharbeiten endete im August 2020.

Warst du dabei allein oder wie groß war dein Team?

Manchmal war ich mit Margareta zusammen, welche die Tonaufnahmen gemacht hat, manchmal allein. Es kam einfach auf die Umstände an. Wenn nur einer von ihnen da war, war ich vielleicht auch alleine da, weil es sich einfach natürlicher anfühlte.

Wie haben die Clubmitglieder darauf reagiert, dass du mit einer Kamera angekommen bist und selbst gefilmt hast?

Ich dachte, es würde einfacher sein, da sie selbst Filmemacher sind. Ich dachte, sie würden den Prozess verstehen. In gewisser Weise verstehen sie den Prozess, weil sie ihr eigenes Material schneiden, sie wissen also, dass die Dinge geschnitten werden. Sie stehen auch vor der Kamera, also sind sie auch daran gewöhnt. Aber diese Art des Filmemachens waren sie nicht gewohnt. Sie haben nicht ganz verstanden, was ich gemacht habe.

Es gibt zum Beispiel eine so genannte ‚Wackelkamera‘, die sie nie benutzen würden, während wir fast den ganzen Film mit der Handkamera gedreht haben. Ich glaube, sie dachten, wir wären Amateure. Heute nehmen sie uns sicherlich ernst, aber damals glaube ich nicht, dass sie das taten. Sie sagten: „Ich glaube, du stehst mit der Kamera an der falschen Stelle, und ich glaube, du solltest dies und das tun.“’ Außerdem haben sie oft in die Kamera geschaut, was mich überrascht hat. Es hat lange gedauert, bis die Kamera für sie verschwunden ist.

Was war dir bei den Dreharbeiten und später beim Schnitt des Films visuell wichtig?

Dem Cinéma Vérité eilt der Ruf voraus, sich nicht so sehr um die Ästhetik zu kümmern, aber ich habe mich immer sehr um den Look des Films gekümmert. Es ist ein visuelles Medium. Der Look war für mich auch deshalb wichtig, weil es ein Film über Film ist.

Ich habe mit einer Kinokamera mit Wechselobjektiven gefilmt, damit ich die Tiefenschärfe und andere wichtige Aspekte des Looks kontrollieren konnte. Außerdem habe ich darauf geachtet, nicht zu viel künstliches Licht zu verwenden, weil es den Inhalt zu sehr stören würde. Also habe ich so viel natürliches Licht wie möglich verwendet. 

Ich wollte, dass die Stadt Bradford eine der Figuren im Film ist, ebenso wie das Clubhaus selbst, dieses ungewöhnliche Gebäude. Sie treffen sich jeden Montagabend für etwa drei Stunden. Ich musste nach einer Technik suchen, um diese Schleife zu zeigen. Die zerbrochene Wetterfahne an der Spitze des Gebäudes wurde zu einem der geografischen Symbole, die zeigen, wo wir uns befinden, und dass wir uns wieder im Clubhaus befinden.

Ein weiterer wichtiger Aspekt des Looks sind die Fenster der Häuser. Die Zwerge im Fenster, der Hund, der daran hochspringt, oder Harry mit diesem großen Fenster in seinem Haus. Ich fand, das war auch ein wirklich gutes Motiv, um die Rahmen in den Rahmen zu zeigen. Es war auch sehr nützlich, als COVID passierte, denn ich konnte dieses Thema weiterführen und sie in Sicherheit bringen, weil ich mir bewusst war, dass ich es mit den schwächsten Mitgliedern der Gesellschaft zu tun hatte. Ich konnte ein desinfiziertes Funkmikrofon durch ein Fenster werfen und sie dann auf der anderen Seite des Fensters filmen, sodass sie in Sicherheit waren. Da sie alle Amateurfilmer sind, haben sie auch ihre eigenen Kameras, so dass wir Videotagebücher machen konnten und sie auf Zoom bringen konnten, was aber eine ziemliche Herausforderung war.

Die Mischung aus Humor und Gefühl war großartig. War dieser tragisch-komische Aspekt von Anfang an vorhanden, oder hat sich das mit der Zeit entwickelt?

Da ich aus Nordengland stamme, habe ich von Anfang an verstanden, wie man dort mit Widrigkeiten umgeht – und das geschieht meist mit Galgenhumor. Mir war klar, dass ich nach dem kubanischen Film, in dem nicht viel Humor vorkommt, etwas machen wollte, das etwas über unsere Gesellschaft aussagt. Ich wollte auch, dass der Film sehr zugänglich ist und dass die Leute lachen können: mit ihnen lachen, so wie sie über sich selbst lachen.

Der Prozess des Filmemachens kann, wenn man ihn objektiv betrachtet, lächerlich sein. Also, ja, der Humor war definitiv von Anfang an im Film enthalten. Aber Pathos war für mich genauso wichtig.

Hast du jemals daran gedacht, die tragischen Szenen wegzulassen und mehr in Richtung Komödie zu gehen?

Ich wusste immer, dass es eine gute Balance zwischen Humor und Pathos sein würde. Es war ein schwieriger Schnitt, weil es ein Ensemble-Film mit vielen verschiedenen Charakteren ist.

Ich habe einige Dinge herausgenommen. Ich war zum Beispiel noch einmal in Colins Haus, nachdem seine Frau Shirley gestorben war, und Colin ist zusammengebrochen und hat geweint. Ich hielt das für unnötig, um es in den Film zu bringen. Ich dachte, wir wüssten genug darüber, wie er sich fühlte, als er in den Club ging und es den Mitgliedern erzählte. Es blieb tatsächlich eine Zeit lang im Film und dann haben wir beschlossen, es herauszunehmen. Der Cutter und ich fanden, dass es zu viel war.

Kannst du mir ein bisschen mehr über den Schnittprozess erzählen? Wie viel Material gab es und wie lange hat der Schnitt gedauert? Was waren die Herausforderungen dabei?

Ich glaube nicht, dass ich jemals wieder einen Ensemble-Film machen werde, sagen wir es mal so. Es ist sehr schwierig. Ich persönlich habe das Material während der Dreharbeiten zusammengeschnitten. Ich habe ungefähr 300 Stunden gedreht, und als ich mit den Dreharbeiten fast fertig war, habe ich aus etwa 60 Stunden einen chronologischen Strang gemacht. An diesem Punkt habe ich Leah Marino eingestellt. Sie ist eine wunderbare Cutterin. Ich habe schon früher mit ihr zusammengearbeitet und wusste, dass ich sie aus mehreren Gründen mit dem Schnitt beauftragen wollte. Zum einen wusste ich, dass es ein schwieriger Schnitt war, weil es ein Ensemble-Film ist. Es hat finanziell keinen Sinn gemacht. Wir hätten die Finanzierung wahrscheinlich anderswo auftreiben können, wenn wir einen anderen Cutter genommen hätten. Aber ich wusste, wie schwierig der Schnitt sein würde.

Außerdem lebt Leah in Austin, Texas, was auch etwas war, was ich wollte, damit der Film nicht zu britisch wird. Ich dachte, wenn ich eine amerikanische Perspektive einnehme, würde das den Film ein bisschen mehr auflockern. Sie würde lachen und einige Dinge lustig finden, die sich meiner Meinung nach besser übersetzen ließen.

Letztendlich stellten wir uns die Frage, warum wir uns für einen winzig kleinen Filmclub im Norden Englands interessieren sollten. Leah und mir wurde klar, dass, wenn wir es schaffen, dem Publikum zu zeigen, dass unsere Figuren sich so sehr engagieren, dann wird es auch unser Publikum interessieren. Wie Joe sagte: „Wenn ich nicht in diesen Club gehen und Filme machen würde, wäre ich einfach Joe. Aber jetzt bin ich Joe, der Filmemacher.“ Es ist wichtig für sie. Und wenn es ihnen wichtig ist, ist es auch für uns wichtig.

Der Film wurde auch von dieser großartigen Filmmusik begleitet. Was war dir bei der Vertonung des Films wichtig?

Ich hatte vor einigen Jahren einen Soundtrack zu einem Dokumentarfilm gehört und mir den Namen des Komponisten aufgeschrieben, weil ich die Soundtracks zu Dokumentarfilmen nur selten wirklich wahrnehme, aber bei diesem habe ich es getan. Als es um die Vertonung des Films ging, nahm ich Kontakt zu ihm auf, und zu meiner Überraschung kam er aus dem Norden von Yorkshire. Er kommt aus der gleichen Gegend. Im Norden Englands gibt es eine große Tradition von Blechblasinstrumenten wie Trompeten und Flügelhörnern. Und so schlug er diesen Soundtrack mit Blechblasinstrumenten vor, der dem Ganzen diesen gewissen Pathos verleihen und es auch im Norden Englands verorten würde. Ich war begeistert von dem, was Terence Dunn geschaffen hat. Ich fand, es war eine wunderbare Musik.

Was hielten die Clubmitglieder von dem fertigen Film? Wie haben sie darauf reagiert?

Sie waren so überrascht, sich selbst in einem Film auf einer Leinwand vor einem großen Publikum zu sehen. Sie haben ihn als ihren Film angenommen, was wunderbar ist, einfach fantastisch. Wenn man mit ihnen spricht, könnte man meinen, sie hätten ihn gemacht. Sie nennen ihn ihren Film. Sie lieben ihn.

Keiner von ihnen hat etwas daran auszusetzen. Es ist eine wahre Freude zu sehen, wie Menschen wie Harry, der 86 Jahre alt ist, und Colin, der jetzt in den Neunzigern ist, das Hobby ihres Lebens anerkannt und gerechtfertigt bekommen. Es ist wie ein Hollywood-Abschluss für sie. Sie laufen hier im Vereinigten Königreich über die roten Teppiche und machen all die Dinge, die wir am Ende eines Filmes machen.

Wie geht es dem Club jetzt?

Der Club ist wirklich gesund. Er wurde renoviert und hat einige neue Mitglieder. Sie haben eine viel größere Facebook-Fangemeinde als in der Vergangenheit. Sie haben eine neue Ausrüstung. Sie haben einen wunderbaren 4K-Projektor, was bedeutet, dass ihre Filme viel heller, größer und besser sind. Sie haben eine größere Leinwand eingebaut, was zu einigen Problemen führte, weil sie diese tiefer hängen mussten und damit die Köpfe im Weg waren. Außerdem haben sie ein großes Greenscreen-Studio im Keller eingerichtet.

Dem Club geht es also gut, aber ich habe das Gefühl, dass er auch eine sehr zarte Blume ist. Ich hoffe, dass das Interesse nicht zu groß wird, denn es gibt dort eine Art Ökosystem, das funktioniert. Und sie wollen nicht zu viel Geld. Es funktioniert einfach so, wie es ist. Ich will da nichts kaputt machen. Ich möchte, dass es noch 90 Jahre weiterläuft.

Weißt du schon, wo der Film in Zukunft zu sehen sein wird?

Der Film wird hier in Großbritannien ab dem 11. November 2022 in den Kinos zu sehen sein. Er wird in 100 Kinos im Vereinigten Königreich gezeigt, so dass das ganze Land ihn sehen kann, und danach wird er weiter ausgestrahlt. Nächstes Jahr führen wir eine so genannte Outreach-Kampagne durch, bei der wir den Film an winzige Orte wie den Club selbst bringen werden, wo Menschen, die normalerweise nicht ins Kino gehen würden oder aus irgendeinem Grund nicht in der Lage sind, ins Kino zu gehen, den Film sehen können.

Gibt es Pläne für einen internationalen Kinostart?

Der Film wurde auf drei Festivals in Kanada gezeigt und ist dort recht gut gelaufen. Ich denke, er wird dort einen Kinostart bekommen. Wir waren auf einigen internationalen Filmfestivals, in Australien und in den Niederlanden, in Belgien und Neuseeland und natürlich in Leipzig. Ich war überwältigt, wie das Leipziger Publikum auf den Film reagiert hat. Ich würde mich sehr über einen Kinostart in Deutschland freuen, denn es scheint, dass die Deutschen den Film verstehen. Sie haben den gleichen Sinn für Humor, was mich überrascht hat. Die Vorführung in Leipzig war fast so wie die in Sheffield im Norden Englands.

Hast du schon neue Projekte geplant?

Ja, habe ich. Ich fange im Dezember mit den Dreharbeiten an. In den achtziger Jahren gab es im Norden Englands eine Popgruppe namens Black Lace, die mit einem neuen Pop-Song namens Agadoo herauskam. Sie erreichten die Charts in Europa, aber sie sind immer noch unterwegs und reisen in die ärmsten Gegenden des Vereinigten Königreichs, in die Küstenstädte, die wirtschaftlich angeschlagen sind und in denen viele der Brexit-Wähler leben.

Es ist also ein Film über das Erbe des Brexit. Es ist ein Film über den Zustand des Vereinigten Königreichs und es ist ein Roadmovie. Aber auch hier, wie bei „A Bunch of Amateurss“, wird er durch ein zugängliches Medium wie leichte Unterhaltung erzählt. Ich möchte etwas über dieses Land sagen und darüber, was mit ihm geschieht, aber auch, dass wir unterhalten werden und dabei vielleicht auch lachen. Der Arbeitstitel lautet „Still Pushing Pineapples“, denn das ist eine Zeile aus Agadoo.

Die Fragen stellte Doreen Kaltenecker
Übersetzung von Michael Kaltenecker

Lies auch die Rezension des Films „A Bunch of Amateurs“

Interview: In our Zoom conversation with the British director Kim Hopkins, we were able to learn more about her great documentary “A Bunch of Amateurs“, which celebrated its European premiere at the 65th DOK Leipzig 2022, how the Facebook algorithm brought her to the Movies Makers, why cinéma vérité does not exclude beautiful images and why the audience in Leipzig reminded her of the cinema-goers:inside in Sheffield. 

How did you first come across the Bradford Movie Makers?

It was the algorithms of Facebook that brought us together. I saw a post from Joe. Back then, about six years ago, he didn’t have his current fiance yet and was alone. He made a post saying how lonely and sad he was. I thought that was very emotionally honest from a man from the north of England. They are not usually so open. So I was intrigued and I followed his profile and saw an image of Bradford moviemakers: a group of them awarding themselves a great big silver trophy. I thought that I don’t really see these people being represented very much on screen: mostly white working class northern men.

So I did a little bit of research and got in contact with them and went to their annual general meeting. There I proposed making a documentary film about the club. I explained that this would take a long time. They voted pretty much unanimously to allow me to film. Phil was their president at the time and he said they didn’t have a reputation to lose, so why not?

Filming in the club was easy. Getting access to filming them in their personal lives at home took longer, which I expected to be the case. I’m from the north of England and I understand the social mores and what you can and can’t do here. I also have an accent that’s from the north of England and I drive a small car, so I didn’t look like I was some media person parachuting in from London. That all helped.

Before this film I made a film in Cuba about the end of the Castro regime called Voices of the Sea. I can honestly say that getting access to Bradford Movie Makers was more difficult than communist Cuba.

Who was the first to let you in?

I think Joe was the most open. He let me in quite early. Harry was more cautious. He had his wife Mary at home with vascular dementia and she was lying in a hospital bed in his front room. He was protecting her.

He had this figurine of Superman and Lois Lane in his room. I told Harry that Superman comes in many guises and that Superman is also somebody who looks after their wife. Once I explained that to him and explained that I would like to see him as Superman at the end of the film he allowed me to film.

Also, Phil took a while to convince as well because he has a disabled brother called Chris. Just for his own dignity it was difficult to go to film with them. It took a while.

What approach did you use to earn their trust?

Well, I’m a national film school graduate, and I come from a tradition of cinéma vérité documentaries. The euphemism for it is called “hanging around” filmmaking. You spend a lot of time with people, and I think the process of it is very similar to forming friendships. You spend time with people and you become friends and you gain trust and there’s nothing at all that you can do to substitute that. It just takes a long time. So they see consistency in you. They begin to trust you and believe you. And that’s pretty much how it works. The filming started in March 2018 and the main part of the shoot finished in August 2020.

Were you alone in that or how big was your team?

Sometimes I was together with Margareta, who was doing the sound recording, sometimes alone. It would just depend on the circumstances. If there was just one of them, maybe I would just be alone there because it just felt more natural.

How did the club members react to you coming in with a camera and your doing your own filmmaking?

I thought it was going to be easier as they were filmmakers. I thought they would understand the process. They kind of do understand the process because they edit their own material, so they understand that things get edited. They also go in front of cameras, so they are used to that, too. However, they were not used to this type of filmmaking. They didn’t quite understand what I was doing.

For example, there’s a thing called a wobbly cam, which they would never use, whereas we handheld pretty much all of this film. I think they thought we were amateurs. They’re certainly taking us seriously now, but at the time I don’t think they did. And they would say, I think you’re standing in the wrong place with the camera and I think you should do this and I think you should do that. Also, they would look into the camera a lot, which surprised me. It took a long time for the camera to disappear for them.

What was important to you visually while filming and later also editing the film?

There’s this reputation of cinéma vérité of not really caring about aesthetics that much, but I always have really cared about the look of the film. It’s a visual medium. The look was also important to me because it’s a film about film.

I used a cinema camera with interchangeable lenses to film so I could control depth of field and other important aspects of the look. It was also a very careful balance of not using artificial lighting very much because it would just interfere with the content too much. So I tended to use natural lighting as much as I could. 

I wanted the city of Bradford to be one of the characters in the film, as well as the clubhouse itself, this unusual building. They meet every Monday night for about 3 hours. I had to look for a technique to show that loop. The broken weathervane at the top of the building became one of the geographical symbols where we are, showing that we are back at the clubhouse.

Another important aspect of the look are the windows of the homes. The gnomes in the window, the dog jumping up at it or Harry with this big window in his house. I thought that was also a really good motif to show the frames within frames. It was also very useful when COVID happened because I was able to carry on that theme and keep them safe, because I was aware that I was dealing with the most vulnerable members of society. I could drop a sanitized radio microphone through a window and then film them on the other side of the window, keeping them safe. With them being amateur filmmakers, they all also have their own cameras, so we were able to do video diaries, as well as getting them onto Zoom, which was actually quite a challenge.

The mixture of humor and emotion was great. Was that tragic comic angle there from the beginning, or did that develop with time?

Being from the north of England, I understood from the beginning how they cope with adversity – and that’s usually through gallows humor. It was clear to me that after the Cuban film, which does not have much humor in it, I wanted to do something that said something about our society. I also wanted it to be very accessible and I wanted people to be able to laugh: laugh with them the way they laugh about themselves.

The filmmaking process, if you look at it objectively, can be ridiculous. So, yes, the humor was definitely something that was in the film from the offset. Pathos, however, was just as important for me.

Did you ever think about keeping the more tragic scenes out and moving more in a comedy direction?

I always knew that it was going to be a fine balance between humor and pathos. It was a difficult edit because it’s an ensemble film with lots of different characters.

I did keep some things out. For example, I did go back to Colin’s home after his wife Shirley had died and Colin broke down and cried. I felt that was unnecessary to put into the film. I felt we knew enough about how he was feeling when he went to the club and told the members. It actually stayed in the film for a while and then we decided to take it out. The editor and I thought it was too much.

Can you tell me a bit more about the editing process? How much material was there and how long did the editing take on? What were the challenges there?

I don’t think I will ever make an ensemble film again, let’s put it that way. It’s very difficult. I personally was bringing the material down as I was shooting. I shot approximately 300 hours and then I made a chronological string out of about 60 hours by the time I’d pretty much finished filming. It was at that point that I employed Leah Marino. She’s a wonderful editor. I’ve worked with her before and I knew I wanted her to edit it for several reasons. One is because it being an ensemble film, I knew it was a difficult edit. It didn’t make financial sense. We could have probably raised funding elsewhere if we had used a different editor. But I knew how difficult the edit was going to be.

Also, Leah lives in Austin, Texas, which was also something I wanted, so the film didn’t get too British. I thought if I got an American perspective on it, it would open it up a little bit more. She would laugh and find some things funny that I think would translate better.

In the end the question we asked ourselves was why should we care about a tiny little film club in the north of England? Leah and myself realized that if we can get the audience to see that our characters care so much, then our audience will care. As Joe said: “If I wasn’t going to this club making films, I would just be Joe. But now I’m Joe, the filmmaker.” It is important to them. And if it’s important to them, it’s important to us.

The film was also accompanied by this great score. What was important to you in scoring the film?

I’d heard a soundtrack on a documentary film quite a few years ago, and I wrote the name of the composer down because I rarely really notice the soundtracks on documentaries, but this one I did. When it came to scoring the film, I contacted him, and to my surprise, he was from the north of Yorkshire. He’s from the same area. There’s a big tradition of brass instruments in this in the north of England, like trumpets and flugelhorns. And so he suggested this brass instrument soundtrack, which would give it this kind of pathos, and it would also locate it in the north of England. I just loved what Terence Dunn created. I thought it was a wonderful score.

What did the club members think of the final film? How did they react to it?

They were so surprised to see themselves on a film on a screen with a big audience. They have absolutely adopted it as their film, which is wonderful, just fantastic. If you talk to them, you would think that they made it. They call it their film. They love it.

Not one of them dislikes anything in it. It’s a real pleasure to see people like Harry, who’s 86, and Colin, who’s in his nineties now, having the hobby of their lives recognised and justified. It’s like a Hollywood ending for them. They are walking the red carpets here in the UK and doing all of that stuff that we do at the end of making films.

How’s the club doing now?

The club is really healthy. They’ve renovated and they have some new members. They have a much bigger Facebook following than they’ve had in the past. They have new equipment. They have a wonderful 4K projector, which means their films are a lot brighter and bigger and better. They put a bigger screen in there, which has caused some problems because they’ve had to lower it and they’re getting heads in the way. And they’ve a big green screen studio that they put in the basement.

So the club is in good health but I feel it’s also a very delicate flower. I hope it doesn’t get too much interest because there’s a kind of ecosystem there that kind of works. And they don’t want too much money. It just works as it is. I don’t want to break anything in there. I want it to go on for another 90 years.

Do you already know  where the film will be shown in the future?

It has a proper full theatrical distribution here in the UK from the 11th of November. It is going out to 100 cinemas in the UK, so the whole country is going to see it and then it is going to be broadcast after. Next year we are doing what’s called an outreach campaign where we are going to take it into tiny venues like the club itself, where some people who wouldn’t ordinarily go to the cinema or might not be able to go to the cinema for whatever reason will be able to see it.

Are there any plans for an international release?

The film was screened at three festivals in Canada and has done quite well there. I think it’s going to get a theatrical release there. We have gone to quite a few international film festivals, in Australia and in the Netherlands and in Belgium and New Zealand and in Leipzig, of course. I was blown away by how the Leipzig audience responded to the film. I really would love a theatrical distribution in Germany now because it seems that the Germans understand the film. They have the same sense of humor, which surprised me. The screening in Leipzig was almost like the one in Sheffield in the north of England.

Do you already have any new projects planned?

I do. I’m starting filming in December. Back in the eighties, there was a pop group in the north of England called Black Lace, and they came out with a novelty pop song called Agadoo. They hit the charts in Europe, but they are still on the road and they travel to all the poorest areas of the UK, the seaside towns that are economically depressed and where many of the Brexit voters live.

So it’s a film about the legacy of Brexit. It’s a film about the state of the UK and it’s a road movie. But again, like this “A Bunch of Amateurs” it’s told through an accessible medium like light entertainment. I want to say something about this country and what’s happening to it, but also for us to be entertained and maybe laugh along the way as well. The working title is Still Pushing Pineapples, because that’s a line in Agadoo.

Questions asked by Doreen Kaltenecker

Read on the german review of the movie “A Bunch of Amateurs“

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