Zehn Fragen an Faustine Cros

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Ivo Neefjes

Interview: Im Gespräch mit der französischen Filmemacherin Faustine Cros konnten wir mehr über ihre Dokumentation „A Life Like Any Other“, der auf dem 65. DOK Leipzig 2022 gleich mit zwei Preisen (Silberne Taube für den besten langen Dokumentar- oder Animationsfilm einer Nachwuchsregie im Internationalen Wettbewerb und der Preis der Interreligiösen Jury) ausgezeichnet wurde, wie sie dazu kam ihre Familie im Speziellen ihre Mutter über einen langen Zeitraum zu portraitieren und wie es sich anfühlte selbst ein elementarer Bestandteil der Geschichte zu sein.

The original english language interview is also available.

Was war der Ausgangspunkt für Deinen sehr persönlichen Film? Welche Ereignisse waren ausschlaggebend dafür, dass Du die Erlebnisse Deiner Mutter erzählen wolltest?

Im Jahr 2016 erzählte mir meine Mutter von ihrem Selbstmordversuch. Ich habe es nicht kommen sehen. Wie war das möglich? Von da an wurde mir klar, dass zwischen uns eine Kluft entstanden war, die ich überbrücken wollte. Fünf Jahre lang habe ich ihr tägliches Leben mit meinem Vater gefilmt. Ich wollte Momente gemeinsamer Intimität einfangen, in der Frage der Weiblichkeit, in unserer Mutter-Tochter-Beziehung, um die aufrichtigsten Augenblicke zu filmen. Ihre Tage sind immer gleich: Sie sitzt gelangweilt auf dem Sofa, döst vor sich hin, trinkt Kaffee und raucht Gauloises-Zigaretten wie ein Schlot. Saison für Saison bin ich an ihrer Seite geblieben, auch wenn sie manchmal unfreundlich sein konnte und nicht immer gefilmt werden wollte. Die ganze Zeit über habe ich mich gefragt: Wie ist sie in dieses triste Leben hineingeraten, das sich vom Sofa bis zur Kaffeemaschine im Kreis dreht?

Mit Hilfe des Familienarchivs, das mir mein Vater zur Verfügung stellte, begann ich, die Vergangenheit meiner Familie zu erforschen, um weitere Antworten zu finden. Mein Vater war ein Filmemacher. Über zehn Jahre lang hat er Tag und Nacht gefilmt. Ich sah mir alle Bänder an, alle Details, auf der Suche nach einem Zeichen, einem Hinweis, der die bevorstehende Tragödie ankündigen könnte. Mehrere Jahre lang war ich wie besessen, war von den Bildern gefesselt und betrachtete alles ganz genau. Schließlich begannen die Antworten zu erscheinen. Mir wurde klar, dass die ersten Anzeichen für die Notlage meiner Mutter tatsächlich gefilmt worden waren, dass aber mein Vater anscheinend nicht viel gesehen hatte. Oder er wollte es nicht sehen. Oder er hat es gesehen, sich aber hinter seiner Kamera versteckt. Mit all diesen Bildern beschloss ich, einen Film über die Schwierigkeiten meiner Mutter mit dem Muttersein zu drehen. Der Schnitt, das Filmmaterial und meine Stimme fügen sich zusammen, um ihre Geschichte zu erzählen und ihre Depression im Lichte der sexistischen Haltung einer Ära zu hinterfragen; einer Ära, in der es noch als normal galt, dass Frauen alles für ihre Kinder aufgaben.

Während der Dreharbeiten zu diesem Film wurde mir klar, dass gesellschaftliche Probleme zwischen uns, in meiner Familie, standen. Daher löste sich der Film von einer individuellen Geschichte und wurde in einen größeren Zusammenhang gestellt: Familie, Weiblichkeit, Gesellschaft, und ich erkannte, dass es wichtig war, diese Geschichte zu erzählen. Ich bin überzeugt, dass die Geschichte meiner Mutter kein Einzelfall ist und auch heute noch nachwirkt. Es ist dringend notwendig, die Stellung der Frau in der Gesellschaft und in der Familie zu hinterfragen. Diese Themen, die in früheren Generationen so tabuisiert wurden, verändern jetzt ihren Status in der Gesellschaft. Wir fangen an, darüber zu sprechen, und wir müssen in den Filmen einen Raum dafür schaffen. Wir, vor allem junge Frauen, müssen in der Lage sein, diese Themen und die Kameras in die Hand zu nehmen und die Geschichten vieler verschiedener Frauen, die bisher allzu oft versteckt oder unsichtbar waren, auszudrücken, sichtbar zu machen und zu erzählen.

Als Du die Idee hattest, wie haben Deine Eltern darauf reagiert? Wie lange hast Du gefilmt?

Meine Eltern sind beide Künstler und haben eine sehr menschliche Einstellung zum Leben. Ich hatte manchmal das Gefühl, dass sie sich fragten, was ich so viele Jahre lang tat, warum der Film so lange dauerte, sie waren sogar besorgt, dass ich irgendwann nicht mehr fertig werden würde. Doch sie gaben mir den Raum und die Zeit, die ich brauchte. Sie haben mich immer unterstützt, ganz gleich, was es kostet (Zeit, Energie usw.). 

Ich war immer sehr transparent in meinem Prozess. Zum Beispiel wurden meine Fragen zu den Geschlechtern und Rollen in meiner Familie nie vor ihnen verborgen. Es war mir sehr wichtig, einen Dialog darüber zu eröffnen. Ich war davon überzeugt, dass uns das helfen würde, einander mit einem besseren Verständnis zu begegnen. Wir haben viele Gespräche über diese Themen geführt, vor und hinter der Kamera. Ich habe immer ein gegenseitiges Vertrauen gespürt. Auch wenn wir die Dinge aufgrund der Generationsunterschiede nicht auf die gleiche Weise sehen, waren wir uns alle einig, dass wir das Risiko eingehen mussten, unser wahres Ich zu zeigen. Denn wenn es dem Film gelingen würde, die Mutterschaft mit ihrer Komplexität, ihrer Liebe und den damit verbundenen Problemen darzustellen, wäre es das für uns alle wert. Ich habe das tägliche Leben meiner Eltern fünf Jahre lang gefilmt. Ich habe mich in ihren Alltag eingefügt, um die Realität zu zeigen, um so authentisch wie möglich zu sein. Manchmal stellte ich die Kamera auf und ließ sie eine halbe Stunde laufen, um zu sehen, ob sich Brücken zur Vergangenheit schlagen ließen, ob Spuren, fast Geister, auftauchten, die das Archiv ins rechte Licht rücken würden. Aber meine Kamera zeigte auch, dass sich ihr Leben nicht verändert hatte. Ich habe also nicht die Vergangenheit reaktiviert. Das Gegenteil war der Fall. Ich filmte die Verlängerung des Archivs, 20 Jahre danach.

Mein Vater fühlte sich geehrt, vor der Kamera zu stehen, es gefiel ihm. Obwohl es ihm nichts ausmachte, gefilmt zu werden, war er sehr vorsichtig mit seinen Worten, weil er weiß, welches Bild er von sich projiziert. Es war also schwierig, den Dingen auf den Grund zu gehen. Ich beschloss daher, ihn an Ort und Stelle zu filmen. Er ist immer damit beschäftigt, irgendetwas zu tun oder zu reparieren, und ich dachte, er würde sich vielleicht etwas zurückhalten. Ich wollte mit ihm seinen Lebensweg respektieren, die Tatsache, dass zu seiner Zeit Fragen der psychischen Gesundheit und des Patriarchats nicht in der gleichen Weise gestellt wurden wie heute. Ich wollte den berührenden Aspekt seiner Verweigerung mit Zärtlichkeit zum Ausdruck bringen.

Bei meiner Mutter musste ich zunächst die Beziehung zur Kamera dekonstruieren oder sie dazu bringen, sie zu verlernen, die noch aus der Zeit der Dreharbeiten meines Vaters stammte, als sie gut auftreten und proben musste. Ich habe also hart daran gearbeitet, sie dazu zu bringen, Dinge nicht für die Kamera, sondern für mich zu tun. Und allmählich akzeptierte sie die Kamera und meine Rolle, die interaktiver und engagierter war. Ich habe die Momente beibehalten, in denen sie sich gewehrt hat, z. B. wenn sie murrt, dass ich sie nur filme, wenn sie raucht. Es war sehr wichtig, die Tatsache zu akzeptieren, dass es etwas Unangenehmes hat, das Spiel spielen zu müssen, dass man nie weiß, wie meine Mutter darauf reagieren wird, wieder gefilmt zu werden. Das gehört zur “Versöhnung” mit der Kamera. Hier stand sie nicht im Dienst eines Films, der Film folgte ihr. Und die Tatsache, dass sie wusste, dass sie jederzeit ablehnen konnte, machte für sie und für mich den Unterschied aus. Für sie, weil sie sich nie gezwungen fühlte, vertraute sie mir. Für mich, weil es mir ermöglichte, meinen Platz, die richtige Distanz hinter der Kamera zu finden.

Du arbeitest ja mit eigenen Aufnahmen und Archivmaterial. Wie schwierig war es, die richtige Balance zu finden? Wie viel Zeit hast Du in den Schnitt investiert?

Ich begann mit der Sichtung des gesamten Archivmaterials und versuchte, es angesichts des Selbstmordversuchs meiner Mutter in einem neuen Licht zu sehen. Aber ich wollte die Bilder nicht “erzwingen”, ihnen eine andere Aussage geben, damit sie einer vorgefassten Meinung entsprechen, die ich bereits in meinem Kopf hatte. Deshalb habe ich mich dafür entschieden, sie in chronologischer Reihenfolge zu zeigen. Ich hatte eine sehr klare Vorstellung von den Etappen, die meine Mutter in ihrem Leben durchlaufen hatte, und diese Etappen dienen als Meilensteine im Film. Zwischen diesen Etappen bin ich mit der Gegenwart hin und her gewechselt.

Da ich selbst ein professioneller Cutter bin, habe ich den Film viele Jahre lang allein bearbeitet. Von Anfang an war der Schnitt ein fester Bestandteil des Prozesses, diesen Film zu machen, auch weil die Archive für mein Projekt bereits vorhanden waren. Ich habe viel hin und hergearbeitet zwischen den Filmen, Schneiden und Schreiben und das sieben Jahre lang. Das half mir, den Film Stück für Stück aufzubauen. Als der Film nach vielen “nicht so guten” Versionen zu entstehen begann, hatte ich Gelegenheit mit Cédric Zoenen, einem fantastischen belgischen Cutter, zusammenzuarbeiten, der von einer der letzten Versionen begeistert war und sich sofort in den Prozess stürzte. Gemeinsam arbeiteten wir mehr als zwei Monate lang ununterbrochen an der Endfassung des Films. Das war sehr intensiv.

Dieses Hin und Her zwischen Dreharbeiten und Schnitt ist keine übliche Methode, einen Film zu produzieren, weil es sehr langsam geht. Aber wenn es möglich ist, ist es unheimlich lohnend! Es ist wie bei einem Gemälde, manchmal muss man einen Schritt zurücktreten und die Leinwand ein wenig trocknen lassen. Das hilft, neue Dinge zu sehen, das Gesamtbild zu erkennen, neue Emotionen zu empfinden usw. Ich hatte großes Glück, meinen ersten Film in diesem Rahmen zu drehen. Das verdanke ich auch Julie Freres, der Produzentin des Films, die sich sehr um die Produktion des Films gekümmert hat. Sie hat sehr viel dazu beigetragen, den Film so gut wie möglich zu machen, und sie hat immer daran geglaubt, dass die Zeit in diesem Prozess von Vorteil ist. Sie war auch sieben Jahre lang an meiner Seite und ließ mir viel Freiheit, ohne Druck zu suchen und zu experimentieren. Ich liebe sie so sehr dafür, dass sie das getan hat.

Trotz der Melancholie Deiner Geschichte schaffst Du es immer wieder, diese mit leichtfüßigen Situationen aufzulockern. Wie wichtig war dir dieses Element?

Das war sehr wichtig! Das ist auch das, was ich bin. Ich liebe es zu lachen, und ich liebe Menschen, die mich zum Lachen bringen. Ich habe eine Menge Selbstironie. Ich denke, wir sollten über alles lachen können. Es hilft, den Dialog zu eröffnen, über die eigenen Schwächen nachzudenken, zumindest für mich, und auch für die Zuschauer, sich einbezogen zu fühlen.

Hattest Du visuelle Richtlinien, an denen Du dich orientiert hast?

Für das Archiv habe ich mich, wie oben beschrieben, an der Chronologie der Bänder orientiert und konzentrierte mich hauptsächlich auf Szenen mit meiner Mutter. Bei den Bildern, die ich selbst gefilmt habe, gefiel mir die Idee, Aufnahmen zu machen, die mich an ein alltägliches Theater erinnern. Ein bisschen wie in den Filmen von Jacques Tati, Bruno Dumont oder Roy Andersson. Sie spielen immer mit diesem fröhlich-traurigen Humor, der in der Banalität des Lebens verankert ist. Ich wollte diesen Humor und diesen Ton in einen Dokumentarfilm im Stil des “cinema du reel” integrieren.

Wie war es, selbst Teil der Dokumentation zu sein?

Es war für mich klar, dass ich auch eine Figur sein musste. Ich war mir von Anfang an bewusst, dass ich die Kamera nach meinem Vater führte und meine Mutter filmte, und ich konnte sie nicht als blinden Fleck in der Geschichte belassen. Also beschloss ich, meinen Werdegang als Filmemacherin, die versucht, ihren Platz zu finden, in die Geschichte einzubeziehen.

Die Kamera in die Hand zu nehmen und allmählich meinen eigenen Platz zu finden, ist ein roter Faden, der sich durch den ganzen Film zieht. Ich habe meine Anwesenheit sorgfältig dosiert, so dass der Zuschauer anfangs denkt, dass ich “genau wie mein Vater” agiere. Dann merkt der Zuschauer, dass ich mich allmählich dekonstruiere und mit meiner eigenen Sichtweise in eine neue Richtung gehe.

Ich habe meine Bilder so konzipiert, dass ich einen Raum für mich und meine Mutter neu erfinden kann, dass wir die Kontrolle über unser Bild, unsere Geschichte zurückgewinnen und unseren Frieden mit der Kamera machen. Indem ich auf diese Weise die Kontrolle wiedererlangte (sowohl meine Mutter als auch ich) und unsere Bilder zurückforderte, fand ich meinen Platz als Filmemacherin und brach aus.

Gab es Situationen, in denen Deine Eltern nicht wollten, dass Du sie filmst? Wie haben sie auf den fertigen Film reagiert?

Während der Dreharbeiten waren meine Eltern sehr involviert. Ich habe ihnen Fragen gestellt und sie zum Teil des Prozesses gemacht. Wie ich schon sagte, war es notwendig, einen ehrlichen Dialog zu eröffnen. Im Gegenteil, in der letzten Schnittphase wollte ich ihnen nichts mehr zeigen. Sie hatten Fragen, wollten wissen, wie es läuft, aber ich habe nur sehr kurz geantwortet oder sogar das Thema gewechselt. Ich wollte mich vor jeglichen Einflüssen schützen. Irgendwie wollte ich während des Schnitts nicht ihre Tochter sein, sondern ganz die Filmemacherin. Sie mussten also warten und waren sehr neugierig auf das Ergebnis.

Als der Film fertig war, lud ich sie ein, kochte Abendessen, und wir sahen uns den Film gemeinsam an. Ich war natürlich ein bisschen nervös, ich glaube, das waren wir alle. Aber am Ende waren sie sehr glücklich. Sehr gerührt, erleichtert und stolz. Auch wenn es ein langer Weg war, fühlten sie sich ebenso wie ich befreit, weil der Film so gut geworden ist.

Bei welchen Gelegenheiten wird man Deinen Film in Europa sehen können? 

Im November wird der Film im Rahmen des Internationalen Wettbewerbs auf der L’Alternativa in Barcelona gezeigt werden, und danach werden hoffentlich noch weitere Filme ausgewählt!!!

Ein bisschen was darüber können wir ja schon im Film erfahren, aber kannst Du mir mehr über dich erzählen und wie Du zum Filmemachen gekommen bist?

Ich stamme aus einer langen Reihe von Filmemachern (mein Vater und vor ihm mein Großvater). Sie haben mir beide ihre Leidenschaft für Filme und das Filmemachen vermittelt. Es ist wie ein Handwerk, das von Vätern an Töchter weitergegeben wird. Das hat mir in vielerlei Hinsicht geholfen, aber ich hatte immer das Gefühl, dass ich in ihre Fußstapfen trete, nicht in meine. Diesen Film zu machen war auch eine Möglichkeit, aus ihrem Erbe herauszuwachsen und meine eigene Stimme zu finden: eine der ersten weiblichen Filmemacherinnen in der Cros-Familie.

Sind bereits neue Projekte geplant?

Ja! Bei den Dreharbeiten zu “A Life Like Any Other” entdeckte ich eine Schachtel voller Filmrollen, die meiner Urgroßmutter Madeleine gehörten. Sie reiste in den 1950er bis 1970er Jahren allein mit einer Kamera durch die ganze Welt und zeichnete alle ihre Reisen auf. Ich bin jetzt dabei, die Dinge zu ordnen. Es gibt eine Menge Filmarchive, Fotos, Texte, es ist sehr dicht und interessant, aber es ist noch etwas zu früh, um mehr darüber zu sagen.

The original english language interview is also available.

Die Fragen stellte Doreen Kaltenecker
Übersetzung Michael Kaltenecker

Lies auch die Rezension des Films „A Life Like Any Other


 Interview: In our interview with French filmmaker Faustine Cros, we were able to learn more about her documentary “A Life Like Any Other“, which won two prizes at the 65th DOK Leipzig 2022 (Silver Dove in the International Competition and the Prize of the Interreligious Jury), how she came to portray her family, in particular her mother, over a long period of time and how it felt to be a fundamental part of the story herself.

What was the starting point for your very personal film? What events were the deciding factors that made you want to tell the story of your mother’s experiences?

In 2016, my mother told me about her suicide attempt. I did not see it coming. How was this possible? From there, I realized a gap had grown between us; a gap I wanted to bridge. For 5 years, I filmed her daily life with my father. I sought to capture moments of shared intimacy, within the question of femininity, within our mother-daughter relationship, to film the sincerest moments. All her days are the same: she’s bored on the sofa, half-dozing, drinking coffee and smoking Gauloises cigarettes like a chimney. Season after season, I stayed by her side, even though she could be harsh sometimes and didn’t always want to be filmed. All throughout, I kept asking myself: how did she end up in this dreary life, going around in circle from the sofa to the coffee machine?

Accompanied by the family archives, filmed and offered by my father, I began to explore my family’s past to seek more answers. My father was a filmmaker. For over 10 years, he filmed all the time; day and night. I watched all the tapes, all the details, looking for a sign, a clue that could announce the tragedy to come. For several years, I was totally obsessed, caught up in the images and looked at everything fiercely. Eventually, answers started to appear. I realized that the first signs of my mother’s distress were indeed filmed, but that my father doesn’t seem to have seen much. Or he didn’t want to see. Or even, he saw but hid behind his camera. With all these images, I decided to make a film about my mother ‘s difficulties with motherhood. In the editing, the footage and my voice over all come together to tell her story and interrogate her depression in the light of the sexist hold of an era; an era where it was still considered normal for women to give everything up for their children.

Throughout the process of making this film, I realized that societal issues were standing in between us, in my family. Therefore, the film broke away from an individual story to be placed in larger contexts: family, femininity, society and I realized this was an important story to tell. I am convinced that my mother’s story is not an isolated case and still resonates nowadays. It is urgent to question the place of women both in society and inside the family. These subjects, so taboo in previous generations, are now changing their status in society. We are starting to talk about it, and we must open a space in films for it. We, more particularly young women, need to be able to take hold of these subjects, the cameras, and express, make visible, and tell stories of many different women, all too often hidden or invisible until now.

When you had the idea, how did your parents react to it? How long did you spend filming?

My parents are both artists with a very humanist vision of life. I felt sometimes, they were wondering what I was doing for so many years, why the film was taking so long, they were even concerned that, at some point, I would never be able to finish… Yet, they gave me the space and time I needed. They always supported me, no matter what it would take (time wise, energy wise, etc…). 

I was always very transparent with my process. For example, my interrogations about genders and roles in my family were never hidden from them. It was very important for me to open a dialogue about that. I was convinced it would help us to look at each other with a better understanding. We had a lot of discussions, on and off camera about these topics. I’ve always felt a mutual trust. Even if we don’t see things the same way, because of a generational gap, we all agreed that we had to take the risk to show our true selves. Because if the film would succeed to represent motherhood with complexity, love and problems that come with it, it would be worth it for all of us. I filmed my parent’s daily life for 5 years. I chose to adapt myself to their daily life, to let reality be seen, in order to be as authentic as possible. I sometimes set up the camera and let it run for half an hour, to see how bridges could be created with the past, if any vestiges, ghosts almost, could be brought forth that would put the archives into perspective. But my camera also showed that their life had not changed. Therefore, I was not reactivating the past. It was the opposite. I was filming the prolongation of the archives, 20 years after.

My father was honored to be in front of the camera, it pleased him. Though it did not bother him to be filmed, he was very careful with his words because he knows what image he is projecting of himself. So, it was difficult to get to the bottom of things with him. I therefore decided to film him in situ. He is always busy doing or repairing something, and I thought he would perhaps lower his guard. With him, I wanted to respect his life path, the fact that in his time questions of mental health and patriarchy were not posed in the same terms as they are today. I wanted to bring forth, with tenderness, the touching aspect of his denial.

With my mother, I first had to deconstruct or get her to unlearn the relationship she had with the camera, which dated back to my father’s filming, where she had to perform well, rehearse, etc. So, I worked hard to get her not to do things for the camera but for me. And gradually she accepted the camera and my role, which was more interactive, more involved. I kept the moments where she resisted, for example, when she grumbles that I only film her when she’s smoking. It was very important to accept the fact that there is something unpleasant about having to play the game, that one never knows how my mother will react to being filmed again. That is part of the “reconciliation” process with the camera. Here, she was not at the service of a film, the film followed her. And the fact she knew she could refuse at any point made all the difference for her and me. For her because she never felt forced, she trusted me. For me because it made it possible to find my place, the right distance behind the camera.

You work with your own footage and archive material. How difficult was it to find the right balance? How much time did you invest in editing?

I started by viewing all the archive material, trying to see them in new light considering my mother’s suicide attempt. But I did not want to “force” the images, make them say something different to correspond to a preconceived idea that I already had in my head. That’s why I chose to show them in chronological order. I had a very clear idea of the stages that my mother had gone through in her life and those stages act as milestones in the film. Between those stages, I went back and forth with the present.

As a professional editor myself, I edited the film alone for many years. From the beginning, editing was an intertwined part of the process of making this film, partly because the archives were pre-existing for my project. I did a lot of back and forth between filming, editing and writing for 7 years. It helped me to construct the film bit by bit. When the film started to appear, after lots of “not so good” versions, I had the chance to work with Cédric Zoenen, an amazing Belgian film editor, who got enthusiastic by one of the latest versions and jumped immediately in the process. Together we worked on the final version of the film non-stop for more than 2 months. It was very intense.

This process of back and forth, between filming and editing, is not a usual method of producing a film because it’s moving very slowly. But when it’s possible, it’s immensely rewarding! It’s like a painting, occasionally you have to step back and let the canvas dry for a bit. It helps to see new things, to see the bigger picture, to feel new emotions etc… I was very lucky to direct my first film in this framework. It’s thanks to Julie Freres, the producer of the film, who put a lot of care in producing the film too. She contributed immensely in making the film as best as she could and always believed in the benefit of time in the process. She was by my side, giving me a lot of freedom to search and experiment without any pressure, for 7 years too. I love her so much for doing that.

Despite the melancholy of your story, you always manage to lighten it up with light-hearted situations. How important was this element to you?

It was very important! This is also who I am. I love to laugh, and I love people who makes me laugh. I have a lot of auto-derision. I think we should be able to laugh about everything. It helps to open the dialogue, to reflect on one’s flaws, at least for me, and also for the viewers to feel included.

Did you have visual guiding principles that you followed?

For the archive, like I explained above I followed the chronology of the tapes and focused mostly on scenes with my mother. For the images I filmed myself, I liked the idea of composing shots that reminded me in an everyday theater. A bit like in Jacques Tati films, Bruno Dumont or Roy Andersson films. They always play on this happy-sad humor anchored in the banality of life. I wanted to integrate that humor and tone in a more “cinema du reel” style documentary film.

What was it like being part of the documentary yourself?

It was obvious for me that I had to be also a character. I was aware from the beginning that I was taking the camera after my father, filming my mother, and I couldn’t leave it as a blind spot in the story. So, I decided to include my trajectory as a filmmaker trying to find her place as part of the story.

To take up the camera and gradually figure out my own place is an underlying thread that builds throughout the film. I carefully dosed my presence so that the viewer initially thinks that I am acting “just like my father”. Then the viewer realizes that I am gradually deconstructing, setting off in a new direction with my own point of view.

I conceived my images as a way of reinventing a space for myself and my mother, to take back control of our image, our story and make our peace with the camera. By thus regaining control (my mother as much as I), reclaiming our images, I found my place as a filmmaker and broke free.

Were there situations where your parents didn’t want you to film them? How did they react to the finished film?

During the process of the filming, my parents were very involved. I was asking them questions, making them part of the process. It was necessary, like I said already, to open an honest dialogue. On the contrary, during the final editing phase I didn’t want to show them anything. They had questions, wanted to know how it was going, but I would answer very briefly or even change the topic. I wanted to protect myself from any influences. Somehow, I didn’t want to be their daughter during the editing but fully the filmmaker. So, they had to wait and were very curious about the result.

When the film was finished, I invited them, cooked dinner, and we watched the film all together. I was a bit nervous of course, I think we were all. But in the end, they were very happy. Very touched, relieved and proud. Even though it was a long journey, they felt liberated, as much as me, that the film turned out great.

What opportunities will there be to see your film in Europe? 

There will be a screening at L’Alternativa – Barcelona in the International Competition in November and hopefully after that more selections to come!!

We could learn a bit about this already with your film but can you tell me a bit more about yourself and how you yourself wanted to become a Filmmaker?

I come from a longline of filmmakers (my father and my grandfather before him). They both  transmitted to me their passion for films and filmmaking. It’s like craftsmanship transmitted from fathers to daughters. It helped me in many ways, but I always felt I was following their steps, not mine. Making this film was also a way to grow out of their legacy and find my own voice: one of the first female filmmakers in the Cros family.

Are there already new projects planned?

Yes! During the making of “A Life Like Any Other” I discovered a box full of film rolls belonging to my great grandmother, Madeleine. She traveled alone, all over the world, between the 50-70 with a camera and kept a record of all her trips. I am now in the process of figuring things out. There’s a lot of film-archives, photos, texts, it’s very dense and interesting but still a little too early to talk more about it…

Questions asked by Doreen Kaltenecker

Read on the german review of the movie “A Life Like Any Other

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