Studium der Kunstgeschichte - Schwerpunkt: Filmgeschichte
(Abschluss 2010 mit der Arbeit "Rembrandt im Spielfilm")
Nebenfächer: Philosophie und Alte Geschichte
- seit 2012: Filmkritikerin bei movieworlds (Kino, DVD, BD, Festivalberichte)
- seit 2015: Blog 'Testkammer' online
- Jetzt online! – Der Film „Growing Pains“ - 5. April 2026
- 26. Landshuter Kurzfilmfestival 2026 - 4. April 2026
- Sieben Fragen an Alice Prosser - 3. April 2026
nterview: Im Gespräch mit dem spanischen Filmemacher Àlex Lora konnten wir mehr über seinen Kurzfilm „The Masterpiece“ (OT: „La gran obra“) erfahren, der auf dem 40. interfilm Festival Berlin 2024 den ‚Berlin-Brandenburg Short Award – Best Film‘ gewann, was ihn an dem Drehbuch faszinierte, wie er seine Darsteller:innen für die Rollen fand und wie der Film visuell wie ein Schachspiel inszeniert ist.
The original english language interview is also available.
Wie ist die Idee zu Deinem Kurzfilm entstanden?
Der Produzent Lluís Quílez hatte die Idee, aber ich habe mich schon immer zu Geschichten hingezogen gefühlt, die die Komplexität des menschlichen Daseins widerspiegeln, und dieses Projekt entstand aus der Erforschung dieser Spannung. Meine Herangehensweise an das Material ergab sich aus der Beobachtung des täglichen Lebens – Momente, in denen sich die Schwächen und Wünsche der Menschen überschneiden – und der Vorstellung, wie diese Momente in einem filmischen Kontext vergrößert werden könnten. Das Ziel war es, etwas zu schaffen, das tief in der Realität verwurzelt ist, aber genug Nuancen aufweist, um universell zu wirken.
Der Film ist fest in der Realität verhaftet, aber trotzdem besitzt er etwas großes Cineastisches. Was war Dir visuell wichtig?
Visuell lässt sich der Film von den strategischen und symbolischen Elementen des Schachspiels inspirieren, insbesondere von der Dualität der weißen und schwarzen Figuren. Dieses Motiv spiegelt die zugrunde liegende Machtdynamik und die moralische Komplexität der Geschichte wider. Die Komposition und das Framing ahmen oft die sorgfältige Positionierung der Schachfiguren auf dem Brett nach, wobei die Figuren und ihre Bewegungen die gegensätzlichen Kräfte in einem größeren Spiel symbolisieren. Wir lehnten uns an diesen Kontrast durch eine zurückhaltende Farbpalette an und nutzten Licht und Schatten, um das Gefühl der Teilung und Strategie zu verstärken. Jede Einstellung sollte die kalkulierte Präzision eines Schachspiels evozieren und gleichzeitig die Emotionen roh und unmittelbar halten, um die Spannung zwischen Kontrolle und Verletzlichkeit hervorzuheben.
Die Musik setzt ganz eigene Akzente und erzählt mehr von dem, was im Verborgenen brodelt. Kannst Du mir zur Musik und dem Sounddesign erzählen?
Die Musik spielt eine entscheidende Rolle bei der Gestaltung der psychologischen und emotionalen Tiefe des Films. Insbesondere das Schlagzeug wurde so konzipiert, dass es wie ein Schach-Timer funktioniert – eine unerbittliche, rhythmische Erinnerung an die Spannung und den Einsatz, fast so, als ob es den Zug jeder Figur markiert. Gleichzeitig verleihen sie dem Film eine geheimnisvolle Note und laden den Zuschauer dazu ein, den Film in seinem eigenen Kopf zu konstruieren und sich mit seinen eigenen Wahrnehmungen und Vorurteilen auseinanderzusetzen. Interessanterweise wurden die Trommeln ursprünglich für „We Are Living Things“ geschaffen, einen Spielfilm, an dem ich mitgeschrieben habe, und ihre Intensität passte perfekt zu der Atmosphäre dieses Films. Namina, der andere Komponist, fügte dann beunruhigende Akkorde hinzu, die eine seltsame, fast weltfremde Qualität erzeugten und die Spannung und Zweideutigkeit verstärkten. Zusammen bildet die Klanglandschaft einen beunruhigenden Hintergrund, der das Unausgesprochene noch verstärkt und den Zuschauer noch tiefer in das psychologische Schachspiel der Geschichte hineinzieht.
Die Rollen sind hervorragend besetzt. Hast Du sie über ein Casting gefunden? Auf was hast Du bei der Besetzung wert gelegt?
Für dieses Projekt wollte ich die Möglichkeit ausloten, mit renommierten Schauspielern zu arbeiten, die ihren Rollen Tiefe und Nuancen verleihen können. Daniel Grao, der in Spanien sehr bekannt ist und sogar schon mit Almodóvar gearbeitet hat, war eine Traumbesetzung. Der Produzent hatte durch ein anderes Projekt eine Verbindung zu ihm, und Daniel war so großzügig, bei der Produktion mitzumachen und sogar umsonst zu arbeiten.
Für die Rolle der Ehefrau brauchte ich jemanden, der neben Spanisch auch Englisch und Französisch sprechen konnte. Das war mir wichtig, da die Sprachen des Kolonialismus in dem Film eine wichtige Rolle spielen. Melina Matthews, die vier Sprachen fließend spricht, ist eine unglaublich talentierte Schauspielerin und hat erst kürzlich mit Almodóvar in seinem letzten Film, „The Room Next Door“, zusammengearbeitet. Sie war die perfekte Wahl, und wir waren begeistert, als sie sich bereit erklärte, an dem Projekt mitzuwirken.
Babou Cham brachte eine internationale Präsenz in die Besetzung ein, da er an zahlreichen Produktionen weltweit mitgewirkt hat. Die Produzenten machten mich mit ihm bekannt, und schon nach einem Gespräch bei einem Drink wusste ich, dass er der ‚Salif‘ war, den ich mir vorgestellt hatte. Zum Glück hat er die Rolle angenommen.
Für Adam Nourou wollte ich unbedingt den ersten schwarzen Schauspieler, der für seine Leistung in Adú einen spanischen Oscar als bester Nachwuchsschauspieler gewonnen hat. Er lebte zu der Zeit in Paris, aber er reiste nach Barcelona, um sich uns anzuschließen, was für mich unglaublich wichtig war.
Für die Rolle des Sohnes schlug Daniel Grao seinen leiblichen Sohn vor, der sich bereit erklärte, zum ersten Mal mit seinem Vater gemeinsam vor der Kamera zu stehen. Dies machte ihre gemeinsamen Szenen sehr persönlich und verlieh dem Film eine zusätzliche Ebene der Authentizität.
Kannst Du mir noch ein bisschen mehr von Dir erzählen und wie Du zum Film gekommen bist?
Ich bin in Spanien in einer Arbeiterfamilie aufgewachsen und habe mich schon immer zum Geschichtenerzählen hingezogen gefühlt, um mit anderen in Kontakt zu treten. Nachdem ich eine lebensverändernde Krankheit und mehrere Amputationen erlebt hatte, wandte ich mich dem Filmemachen zu, um meine Gedanken und Gefühle in etwas Greifbares zu verwandeln. Ein Fulbright-Stipendium ermöglichte mir einen Studienaufenthalt in New York, wo ich bei Chantal Akerman lernte und begann, das Filmemachen als ein mächtiges Werkzeug für Reflexion und Veränderung zu sehen. In meiner Arbeit geht es oft um unterrepräsentierte Stimmen und Themen der sozialen Gerechtigkeit, die meiner Meinung nach in der heutigen Welt unbedingt erforscht werden müssen.
Sind bereits neue Projekte geplant?
Ja, ich arbeite gerade an meinem neuen Spielfilm mit dem Titel „ Between the Hammer and the Stone“, den ich im September 2025 drehen möchte. Der Film beschäftigt sich mit dem Thema Identität und stellt Verbindungen zu den Terroranschlägen in Barcelona im Jahr 2017 her. Er befasst sich mit dem komplizierten Geflecht von Beziehungen und Entscheidungen, die sich mit diesen Ereignissen überschneiden, und bietet einen nuancierten Blick darauf, wie Identität durch gesellschaftliche und persönliche Kämpfe geformt wird. Dieses Projekt spiegelt mein anhaltendes Interesse an der Untersuchung der Komplexität menschlicher Beziehungen und gesellschaftlicher Spannungen wider, und ich freue mich darauf, diese Geschichte mit der gleichen Tiefe und emotionalen Resonanz zum Leben zu erwecken, die meine gesamte Arbeit prägen.
Die Fragen stellte Doreen Kaltenecker
Übersetzung von Michael Kaltenecker
Lies auch die Rezension des Kurzfilms „The Masterpiece“
Interview: In our conversation with Spanish filmmaker Àlex Lora, we found out more about his short film „The Masterpiece“ (OT: „La gran obra“), which won the ‚Berlin-Brandenburg Short Award – Best Film‘ at the 40th interfilm Festival Berlin 2024, what fascinated him about the script, how he found his actors for the roles and how the film is visually staged like a chess game.
How did the idea for your short film come about?
The producer Lluís Quílez had the idea but I’ve always been drawn to stories that reflect the complexities of the human condition, and this project was born out of an exploration of that tension. My approach to the materials stemmed from observing everyday life—moments where people’s vulnerabilities and aspirations intersect—and imagining how those moments could be magnified in a cinematic context. The goal was to create something deeply grounded in reality but with enough nuance to resonate universally.
The film is firmly rooted in reality, but still has something very cinematic about it. What was important to you visually?
Visually, the film draws inspiration from the strategic and symbolic elements of chess, particularly the duality of white pieces versus black pieces. This motif reflects the underlying power dynamics and moral complexities of the story. The composition and framing often mimic the careful positioning of chess pieces on a board, with characters and their movements symbolizing opposing forces in a larger game. We leaned into this contrast through a restrained color palette, using light and shadow to amplify the sense of division and strategy. Every shot was designed to evoke the calculated precision of a chess match, while still keeping the emotions raw and immediate, highlighting the tension between control and vulnerability.
The music sets its own accents and tells us more about what is bubbling underground. Can you tell me about the music and the sound design?
The music plays a pivotal role in shaping the film’s psychological and emotional depth. The drums, in particular, were designed to function like a chess timer—a relentless, rhythmic reminder of the tension and stakes, almost as if marking each character’s move. At the same time, they add a layer of mystery and invite the audience to construct the film in their own minds, engaging with their own perceptions and prejudices. Interestingly, the drums were originally created for We Are Living Things, a feature I co-wrote, and their intensity felt like a perfect match for this film’s atmosphere. Namina, the other composer, then introduced unsettling chords that added a strange, almost otherworldly quality, heightening the tension and ambiguity. Together, the soundscape creates a disquieting backdrop that amplifies what’s unsaid, pulling the audience deeper into the psychological chess game of the story.
The roles are excellently cast. Did you find them through an audition? What did you look for in the cast?
For this project, I wanted to explore the possibility of working with renowned actors who could bring depth and nuance to their roles. Daniel Grao, who is widely recognized in Spain and has even worked with Almodóvar, was a dream addition. The producer had a connection to him through another project, and Daniel was generous enough to join the production, even working for free.
For the wife’s role, I needed someone who could speak English and French in addition to Spanish. This was important to me as the languages of colonialism play a significant thematic role in the film. Melina Matthews, who is fluent in four languages, is an incredibly talented actress and had recently worked with Almodóvar in his latest film, The Room Next Door. She was the perfect choice, and we were thrilled when she agreed to join the project.
Babou Cham brought an international presence to the cast, having worked on numerous productions globally. The producers introduced me to him, and after just one conversation over drinks, I knew he was the „Salif“ I had envisioned. Thankfully, he accepted the role.
For Adam Nourou, I specifically wanted the first Black actor to win a Spanish Academy Award for Best New Actor for his performance in Adú. He was living in Paris at the time, but he made the trip to Barcelona to join us, which was incredibly meaningful to me.
Finally, for the son’s role, Daniel Grao suggested his real-life son, who agreed to share the screen with his father for the first time. This made their scenes together deeply personal and brought an added layer of authenticity to the film.
Can you tell me a bit more about yourself and how you came to making films?
I grew up in Spain, in a working-class family, and I’ve always been drawn to storytelling as a way to connect with others. After experiencing a life-changing disease and several amputations, I turned to filmmaking as a way to channel my thoughts and emotions into something tangible. A Fulbright grant allowed me to study in New York, where I studied with Chantal Akerman, and began to see filmmaking as a powerful tool for reflection and change. My work often centers on underrepresented voices and themes of social justice, which I believe are crucial to explore in today’s world.
Are there any new projects planned?
Yes, I’m currently working on my new feature film titled Between the Hammer and the Stone, which I’m planning to shoot in September 2025. The film explores themes of identity and draws connections to the terrorist attacks that occurred in Barcelona in 2017. It delves into the intricate web of relationships and choices that intersect with these events, offering a nuanced look at how identity is shaped by societal and personal struggles. This project reflects my ongoing interest in examining the complexities of human connections and societal tensions, and I’m excited to bring this story to life with the same depth and emotional resonance that guide all my work.
Questions asked by Doreen Kaltenecker
Read on the german review of the short film „The Masterpiece„