Sieben Fragen an Sally Tran

Doreen Kaltenecker
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Interview: Im Gespräch mit der Regisseurin Sally Tran konnten wir mehr über ihren Kurzfilm „Don’t F*ck with Ba“ (OT: „Đừng giỡn mặt với Bà“) erfahren, der im ‚Panorama International‘-Programm des 37. Filmfest Dresden 2025 lief. Sie erzählt, wie sie den Genrefilm mit realen Themen vereint, wie sie auf die Idee zu diesem Sprachenmix kam und wie sie die verschiedenen Genres mit differenzierten Inszenierungen zu verbinden weiß.

The original english language interview is also available.

Wie ist die Idee zu Deinem Genre-Film entstanden?

Während der Häufung von Hassverbrechen gegen Asiaten in New York während COVID fühlte ich mich zutiefst bestürzt und emotional betroffen von vielen der Geschichten. Meine asiatischen Kollegen begannen, über ihre eigenen Erfahrungen zu sprechen, was mich wirklich überraschte. Ich schätze mich glücklich, oder bin vielleicht immun dagegen, weil ich in New York City nicht allzu viele Begegnungen dieser Art hatte. Als ich in Neuseeland aufwuchs, erlebte ich Rassismus viel direkter und physischer als Opfer. In der kleinen Gemeinschaft, in der ich aufgewachsen bin, war es ungewöhnlich, Asiaten zu sehen. Der Umzug nach New York City war eine positive Veränderung, da es hier so viele von uns gibt, aber das schützt natürlich nicht vor Rassismus.

Ich wollte etwas schaffen, das mir helfen würde, den Rassismus zu verarbeiten, und „Don’t F*ck with Ba“ entstand aus diesem Bedürfnis heraus.

Welche Filme oder andere Medien beeinflussen Dich bei Deiner Arbeit?

Auch wenn meine Filme sehr genreorientiert und möglicherweise eindimensional erscheinen, ist ein Großteil meiner Arbeit von gesellschaftlicher Gerechtigkeit beeinflusst. Mit meinem Hintergrund als Dokumentarfilmerin möchte ich Veränderungen anstoßen oder zumindest Gespräche provozieren, die zu solchen Veränderungen führen. Ich finde, dass die Auseinandersetzung mit aktuellen Konzepten meine Arbeit oft auf subtile Weise beeinflusst.

Derzeit arbeite ich daran, meine eigene Stimme als Filmemacherin zu entwickeln. Ich arbeite so viel wie möglich und bin dankbar für die Finanzierung und den Freiraum, den ich habe. Als jemand, der sich aus vielen Quellen inspirieren lässt, versuche ich, eine Mischung aus Genre und geerdeter, glaubwürdiger Erzählung zu perfektionieren. Das ist ein Prozess, an dem ich noch arbeite.

Ganz wunderbar finde ich den Sprachen-Mix, den Du auch deutlich durch die Farbakzente hervorgehoben hast. Wie kamst Du auf diese Idee?

Das Konzept des Films war es, meine asiatisch-amerikanischen Schwestern zusammenzubringen, und damit meinte ich alle Asiatinnen. Als ich den Film besetzte, suchte ich also nicht nach einer bestimmten ethnischen Zugehörigkeit; ich wollte eine vielfältige Gruppe, die die ganze Bandbreite unserer Gemeinschaften widerspiegelt.

Die Art und Weise, wie die Figuren sprechen und einander verstehen, spiegelt die Realität des Lebens von Einwanderern in einer Stadt wider. Einige sind Muttersprachler, einige sprechen fließend, andere lernen es noch. Ich bin damit aufgewachsen, zu Hause sowohl Vietnamesisch als auch Englisch zu sprechen. Meine Eltern sprachen zwar nicht fließend Englisch, aber sie verstanden mich gut genug.

Wenn ich im Lebensmittelgeschäft in Chinatown Obst von der vietnamesischen Obstverkäuferin kaufe, spreche ich sie auf Vietnamesisch an. Sie antwortet auf Vietnamesisch, wechselt dann aber zu Kantonesisch, wenn sie mit einem anderen Kunden spricht, und antwortet ihm manchmal auf Englisch.

Dieser fließende Wechsel zwischen den Sprachen mag sich surreal oder stilisiert anfühlen, aber für mich ist er tatsächlich sehr real. So navigieren viele von uns durch das tägliche Leben.

Dein Film ist auch visuell tief im Genre verhaftet – kannst Du mir zur visuellen Umsetzung erzählen?

Ich würde sagen, dass mein Film eine Mischung aus verschiedenen Genres ist: Drama und Fantasy-Action. Ich habe ihn als Rachegeschichte konzipiert, und Rachefilme schwanken oft zwischen stark stilisiert und tief in der Realität verankert. Ich wollte beides miteinander verschmelzen. Die Wut und der Tod im Film sind real, aber die Handlung und die Realität könnten als Fantasie wahrgenommen werden. Handelt es sich um eine eingebildete Rache, oder wird sie tatsächlich ausgeführt?

Ich überlasse es dem Zuschauer, das zu entscheiden: Ist es ein Schrei nach Aktion oder ist es die Aktion selbst? 

Die dramatischen, bodenständigen Teile wurden auf 16mm-Film gedreht, um ein rohes, strukturiertes Gefühl zu vermitteln, etwas Reales und Greifbares. Wir haben eine warme Farbpalette mit Gelb-, Orange- und Rottönen verwendet, um diese Welt zu schaffen. Wenn sich die Farben in Richtung Rot verschieben, signalisieren sie, dass Gefahr in der Nähe ist.

Im Gegensatz dazu wurden die Fantasieszenen digital gedreht. Das ermöglichte einen kontrollierten, hyperrealen Look mit überwiegend statischen Aufnahmen, außer bei den Actionsequenzen. In diesen Momenten setzten wir auf kühle Blautöne, um die harte, raue Qualität der digitalen Welt zu unterstreichen.

Die Rollen in Deinem Kurzfilm sind wunderbar besetzt – wie hast Du Deine Darsteller:innen gefunden?

Ich danke dir! Alle Schauspieler in dem Film sind nicht gewerkschaftlich organisiert, und ich habe eine sehr breit angelegte Casting-Aktion durchgeführt. Es war nicht einfach, diese brillanten Darsteller zu finden, und ein paar von ihnen waren auch Nicht-Schauspieler.  Da es sich um eine Ensemblebesetzung handelt, wollte ich sicherstellen, dass wir sowohl Vielfalt als auch Synergieeffekte erzielen. Ich habe eine Menge Schauspieler gesehen, die großartig hätten sein können, aber leider hat die Synergie in der Gruppe nicht so gut funktioniert. Als Team haben wir unglaublich hart daran gearbeitet, die Sprache und die Übersetzungen richtig hinzubekommen, und mit mehreren Übersetzern zusammengearbeitet, um sicherzustellen, dass das Drehbuch seinem Sinn treu bleibt.

Es war uns wichtig, dass die Übersetzungen kulturelle Nuancen einfangen und nicht plump oder allzu wörtlich daherkommen. Wir haben auch viel Zeit damit verbracht, die Szenen gemeinsam durchzulesen, damit die Schauspieler einander verstehen konnten, was sich zu einem sehr heiklen und vielschichtigen Prozess entwickelte.

Ich bin unglaublich stolz auf alle Schauspieler und die harte Arbeit, die sie geleistet haben.

Kannst Du mir noch ein bisschen mehr von Dir erzählen und wie Du zum Film gekommen bist?

Ich bin autodidaktische Filmemacherin. Ursprünglich habe ich Modedesign studiert und habe immer noch eine große Leidenschaft für Stil, Textur und Individualität. Der kreative Prozess hat mich schon immer angezogen, und das bewegte Bild war etwas, das ich faszinierend fand und dem ich offen gegenüberstand, als ich für Freunde Musikvideos drehte. Damals ging ich blind hinein, ich kannte die richtigen Protokolle nicht, aber ich war unglaublich begeistert von diesem Prozess.

Diese frühen Musikvideos waren am Ende sehr erfolgreich; sie gewannen Preise und Stipendien, was mich schließlich dazu veranlasste, meinen ersten experimentellen Kurzfilm zu drehen, einen 8-minütigen One-Take-Film, der auf 16mm gedreht wurde, wir hatten nur eine Filmrolle und wurden von Peter Jackson in der Postproduktion betreut. Die neuseeländische Filmkommission wurde darauf aufmerksam, und von da an ging es bergauf.

Schließlich verließ ich die Modebranche und begann als Werbefilmregisseur zu arbeiten. Später zog ich nach New York City, wo ich zum Filmemachen zurückkehrte. „Don’t F*ck with Ba“ ist mein erster narrativer Kurzfilm, davor habe ich vier kurze Dokumentarfilme gedreht.

Sind bereits neue Projekte geplant?

Ich habe derzeit einige Projekte in Arbeit. Ich befinde mich sowohl in der Vorbereitungs- als auch in der Nachbereitungsphase für einen kurzen Dokumentarfilm mit dem Titel „Tien, Tien, Toi: Love, Money, Sin“. Darin geht es um die Geschichte der vietnamesischen Gangster, die als „Born to Kill“ bekannt sind und in den späten 80er Jahren Teile von New York City übernommen haben. Ich habe diesen Mixed-Media-Dokumentarfilm über ein Jahr lang gedreht und bearbeitet. Das Projekt wurde von BRIC’s Film and TV Lab, dem Tribeca Film Institute und ITVS unterstützt.

Außerdem entwickle ich gerade meinen nächsten narrativen Kurzfilm, „Love Cycle“. Er folgt einer Frau, die in einer gewalttätigen Beziehung gefangen ist, und untersucht den Kreislauf der Liebe unter den Bedingungen der Armut, wo das Überleben oft Vorrang vor der Liebe hat und die Liebe selbst ein Privileg ist. Der Film spielt in Saigon, Vietnam, und ist ein Thriller. Wir haben den ersten Block im Februar gedreht, und ich werde nach Saigon zurückkehren, um den Rest zu vollenden. Der Film wurde mit dem Women of Color Grant von NALIP gefördert, das von Netflix unterstützt wird.

In meiner Freizeit schreibe ich außerdem Drehbücher für drei Spielfilme, die sich derzeit in der Entwicklung befinden.

Die Fragen stellte Doreen Kaltenecker
Übersetzung von Michael Kaltenecker

Lies auch die Rezension des Kurzfilms „Don’t F*ck with Ba“

Interview: In our conversation with director Sally Tran, we learned more about her short film „Don’t F*ck with Ba“ (OT: „Đừng giỡn mặt với Bà“), which screened in the ‚Panorama International‘ program of the 37th Filmfest Dresden 2025. She explains how she combines genre film with real-life themes, how she came up with the idea for this mix of languages and how she knows how to combine the different genres with differentiated staging.

How did the idea for your genre film come about? 

During the spike in anti-Asian hate crimes in NYC during COVID, I felt deeply upset and triggered by many of the stories. My Asian peers began opening up about their own experiences, which really surprised me. I consider myself lucky, or perhaps immune to it by now not having too many encounters in NYC.  Growing up in New Zealand, I experienced racism much more directly and physically as a victim, it was uncommon to see Asians in my small community where I grew up. Moving to NYC has been a positive change, as there are so many of us here, but that doesn’t stop racism, of course.

I wanted to create something that would help me process it, and Don’t Fck With Ba* came out of that need.

Which films or other media influence you in your work?

Although my films may seem very genre-driven and potentially one-dimensional, much of my work is influenced by social justice. With my background in documentary filmmaking, I aim to spark change or at least provoke conversations that lead to it. I find that looking at topical concepts often subtly influences my work.

I’m currently invested in developing my own voice as a filmmaker. I am working as much as I can, and grateful to have funding and the space to create. As someone who draws inspiration from many sources, I’m trying to perfect a blend of genre with grounded, relatable storytelling. It’s a process I’m still working on.

I really like the mix of languages, which you have clearly emphasized with the colour accents. How did you come up with this idea?

The concept of the film was to bring together my Asian American sisters,  and by that, I meant all Asians. So when I cast the film, I wasn’t looking for a specific ethnicity; I wanted a diverse group that reflected the full range of our communities.

The way the characters speak and understand each other mirrors the reality of immigrant life in a city.  Some folks are native-born, some are fluent, some are still learning. I grew up speaking both Vietnamese and English at home. My parents didn’t speak English fluently, but they understood me well enough.

When I go to the grocers in Chinatown to buy fruit from the Vietnamese fruit stand lady, I speak to her in Vietnamese. She replies in Vietnamese but then switches to Cantonese when talking to another customer, and sometimes answers them in English.

That fluid switching between languages might feel surreal or stylized, but it’s actually very real to me. It’s how many of us navigate daily life.

Your film is also visually deeply rooted in the genre – can you tell me about the visual realization?

I would say my film blends genres, it’s where drama meets fantasy action. I approached it as a revenge story, and revenge films often swing between being highly stylized and deeply grounded in reality. I wanted to merge the two. The anger and the death in the film are real, but the action and the reality could be perceived as fantasy. Is it imagined revenge, or is it actually carried out?

I leave that up to the audience to decide: is this a cry for action, or is it action itself?

The dramatic, more grounded parts were shot on 16mm film to give it a raw, textured feeling, something real and tactile. We used a warm color palette of yellows, oranges, and reds to create that world. As the colors shift toward red, it signals that danger is near.

In contrast, the fantasy scenes were shot digitally. That allowed for a more controlled, hyperreal look,  mostly static shots, except for the action sequences. We leaned into cooler blue tones for those moments to highlight the stark, harsh quality of the digital world.

The roles in your short film are wonderfully cast – how did you find your actors?

Thank you! All the actors in the film are non-union, and I held a very wide casting call. It wasn’t easy finding these brilliant performers, and a few of them were non-actors as well.  Being an ensemble cast I wanted to make sure we hit diversity as well as synergy. I saw a lot of actors who could have been great, but unfortunately the synergy in the group didn’t work as well.   As a team, we worked incredibly hard to get the language and translations right, collaborating with multiple translators to ensure the script stayed true to its meaning.

It was important to us that the translations captured cultural nuance and didn’t come across as clumsy or overly literal. We also spent a lot of time reading through scenes together so each actor could understand one another, which turned into a very delicate and layered process.

I’m incredibly proud of all the actors and the hard work they put in.

Can you tell me a bit more about yourself and how you came to filmmaking?

I’m a self taught filmmaker. I originally studied fashion design and still have a deep passion for style, texture and individuality. I was always drawn to the creative process of any form, and moving image was something I found fascinating and was open to it, finding myself directing music videos for friends. At the time, I was going in blind, I didn’t know the proper protocols, but I was incredibly excited by the process.

Those early music videos ended up doing really well; they won awards and grants, which eventually led me to make my first experimental short film, an 8-minute, one-tak film shot on 16mm, we had one roll of film and mentorship at Peter Jackson’s post facility. The New Zealand Film Commission took notice, and things grew from there.

Eventually, I left fashion and began working as a commercial director. I later moved to New York City, where I’ve returned to filmmaking. „Don’t F*ck with Ba„ is my first narrative short film, before this, I made four short documentaries.

Are there any new projects planned?

I have a few projects currently in the works. I’m in both prep and post-production for a short documentary titled „Tien, Tien, Toi: Love, Money, Sin“. It explores the story of Vietnamese gangsters known as „Born to Kill,“ who took over parts of NYC in the late ’80s. I’ve been shooting and editing this mixed-media documentary for over a year. The project has been supported by BRIC’s Film and TV Lab, the Tribeca Film Institute, and ITVS.

I’m also developing my next short narrative film, „Love Cycle“. It follows a woman trapped in a violent relationship and examines the cycle of love under conditions of poverty. where survival often takes precedence over love, and love itself is a privilege. Set in Saigon, Vietnam, the film is a thriller. We shot the first block in February, and I’ll be returning to Saigon to complete the rest. The film has received funding from NALIP’s Women of Color Grant, supported by Netflix.

In my spare time, I’m also writing outlines for three feature films currently in development.

Questions asked by Doreen Kaltenecker

Read on the german review of the short film „Don’t F*ck with Ba„

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