Acht Fragen an Shireen Seno

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Audoin DESFORGES

Interview: Im Gespräch mit der philippinischen Regisseurin und Künstlerin Shireen Seno konnten wir mehr über ihren kurzen Dokumentarfilm „To Pick a Flower“ erfahren, der auf dem 64. DOK Leipzig seine Deutsche Premiere feierte, wie ein Fotoprojekt sie an das Thema heranführte, wie ihre Recherchearbeit verlief und wie sie persönliche und individuelle Themen in das Projekt einfließen ließ.

The original english language interview is also available.

Erzähl mir zum Ursprung für deine Dokumentation. War der Ausgangspunkt die Holzwirtschaft oder die Portraits? 

Ich wurde beauftragt, ein neues Werk als ‚künstlerische Untersuchung‘ für eine Fotoausstellung zu schaffen, die auf Archivbildern von Taiwan aus den Jahren 1869-1945 basiert. Ich war einer von wenigen Künstlern und Wissenschaftlern aus Südostasien, die eingeladen wurden, über die frühe Periode der Fotografie in unseren jeweiligen Regionen nachzudenken, um so den Fokus auf Taiwan zu dezentralisieren und die gemeinsame Geschichte mit Südostasien zu beleuchten. Mir wurde völlige Freiheit bei der Festlegung meines Themas, meiner Methode und meiner Präsentation gewährt. Als Ausstellungsort wurde mir das neue Taiwan Photography Museum genannt, das in einem Gebäude im japanischen Kolonialstil gegenüber dem Bahnhof von Taipeh untergebracht ist. Um ehrlich zu sein, war ich mir nicht sicher, wie ich anfangen sollte. Wie sollte ich mich der frühen Fotografie auf den Philippinen nähern?

Glücklicherweise war ich bei meinen Recherchen für eine frühere Arbeit bereits auf einige Online-Archive mit frühen philippinischen Fotografien gestoßen, die von öffentlichen Universitäten in den Vereinigten Staaten digitalisiert worden waren. Ich begann, die Bilder ziellos zu durchstöbern, nur um mich für den Zufall offen zu halten, aber schon bald fand ich mich in der Fülle der Bilder verloren. Schließlich stieß ich auf ein Bild, das mich sehr berührte: das Bild einer Braut, die anstelle des Bräutigams neben einer Topfpflanze posiert. Es brachte mich zum Lachen und ließ mich mit so vielen Fragen zurück.

Wie ging es nach der ersten Idee weiter – wie verlief die Recherche? Aus wievielen Quellen hast Du Deine Bilder bezogen? 

Ich habe mich schon immer zur Natur hingezogen gefühlt, da ich die meiste Zeit meines Lebens in Beton-Dschungeln verbracht habe; ich beziehe viele Inspirationen für meine Arbeit aus meinen eigenen Streifzügen durch die Natur, die mich sowohl erden als auch inspirieren. Ich machte mich auf die Suche nach weiteren Pflanzen, Bäumen, Stämmen und Holz. Meine Quellen waren zu diesem Zeitpunkt zwei öffentliche Universitätsbibliotheken in den USA, die Archivfotos von den Philippinen besaßen: Die Universität von Michigan und die Universität von Wisconsin.

Ich beschloss, ein Video-Essay mit Archivfotos aus der amerikanischen Kolonialzeit auf den Philippinen zu erstellen, in dem ich die schwierige Beziehung zwischen Mensch und Natur untersuchte: Bäume als Kapital, als Dekoration und als Gefährten.

Bald musste ich weitere Quellen finden. Ich versuchte, Archivfilme zu finden, konnte aber kein Bewegtbildmaterial ausfindig machen, das zu meinem Vorhaben passte. Ich erwog auch, einige meiner eigenen Fotos von Blumen und Pflanzen einzubeziehen. Schließlich fand ich neue Hinweise auf Flickr, einer Online-Foto-Website, die ich Mitte der 2000er Jahre für meine persönlichen Fotos nutzte. Hier fand ich Archivbilder von Kolambugan, der Holzfällerstadt, auf die ich mich in dem Film konzentriere. Die Suche nach Holz und Hölzern führte mich natürlich zur Forstwirtschaft.

Hattest Du noch mehr Fotografien, die es nicht in den Film geschafft haben, wenn ja wie schwierig war die Auswahl? 

Ja, sogar noch viel mehr Fotos, vor allem weil es Fotos auf Flickr waren, für die ich keine offiziellen Quellen finden konnte. Ich habe auch meine Idee aufgegeben, meine eigenen Fotos in den Film einzubauen.

Kannst Du mir mehr zu Deinen visuellen Entscheidungen erzählen? 

Bei der digitalen Bearbeitung von Fotos bin ich oft erstaunt über die Möglichkeiten, die sich bei der Rahmung der Bilder ergeben. Da die meisten digitalen Kopien, die mir zur Verfügung standen, von so hoher Qualität waren, waren mir keine Grenzen gesetzt, wie groß ich sie im Film darstellen konnte. Ich habe viele Dinge ausprobiert, darunter auch das Hinzufügen von Bewegungen und das Vergrößern und Verkleinern, aber letztendlich wurde mir klar, dass ich wollte, dass der Betrachter mit minimalen Eingriffen in das Bild eintaucht, dass die Bilder sozusagen für sich selbst sprechen. Aber wenn man einen Film mit Standbildern macht, besteht immer die Gefahr, dass er zu einer Art Diashow wird, in der die Bilder fast roboterhaft und in gleichmäßigen Abständen erscheinen. Ich musste einen bestimmten Rhythmus finden, damit die Bilder für sich bleiben und der Betrachter nicht zu müde wird. Ein Standbild nach dem anderen kann ziemlich ermüdend sein, was interessanterweise ein Gefühl für die tatsächliche Ermüdung bei der Suche in den Fotoarchiven vermittelt. Ich beschloss, Schwarz ohne Bild, nur mit Voiceover, einzubauen, um diese Bilderflut zu unterbrechen.

Kannst Du mir zum Text der Off-Stimme erzählen? 

Der Off-Kommentar enthält Notizen aus meinen Tagebüchern und wechselt zwischen persönlichen Anekdoten und meinen Reaktionen auf die Bilder im Laufe der Zeit hin und her, wobei ich oft auf die Bilder zurückgreife und meine früheren Annahmen überprüfe.

Wie hat das philippinische Publikum auf Deinen Film reagiert? 

Ich habe den Film auf den Philippinen noch nicht in einer typischen Vorführung gesehen und weiß daher nicht, wie das Publikum darauf reagiert. Der Film war Teil einer laufenden Ausstellung mit dem Titel „Watch and Chill“, die gemeinsam in vier großen Kunstinstitutionen in Asien gezeigt wurde: National Museum of Modern and Contemporary Art (MMCA) in Seoul, Museum of Contemporary Art and Design (MCAD) in Manila, MAIIAM Contemporary Art Museum in Chiang Mai, Thailand, und M+ in Hongkong. Das MMCA zeigte es in Seoul als Ausstellung, und das MCAD entschied sich, es in Manila auf seinem Parkplatz zu zeigen, der zu einem temporären Drive-In-Theater im Freien umfunktioniert wurde. Abgesehen von der Entscheidung der jeweiligen Museen, den Film zu zeigen, ist er online kostenlos auf watchandchill.kr zu sehen, das vom MMCA in Seoul betrieben wird.

Kannst Du mir am Schluss noch ein bisschen mehr von Dir erzählen und wie du zum Film gekommen bist? 

In meiner Arbeit versuche ich, persönliche Mythen mit größeren kulturgeschichtlichen Mythen zu verbinden. Ich interessiere mich besonders für die Idee des Erwachsenwerdens und die damit verbundenen Belastungen und Probleme. Was bedeutet es überhaupt, erwachsen zu werden? Sollte es nicht ein ständiger Prozess sein, kein Selbstzweck? Wir befinden uns immer im Prozess des Werdens.

Für meinen ersten Film, „Big Boy“, bat ich meinen Vater, Geschichten nachzuerzählen, die ich als Kind von ihm gehört hatte, und stellte schließlich fest, dass sie bei jeder Nacherzählung vergrößert wurden. Ich habe versucht, diesen Sinn für Größe in den Film einzubringen, der vom Wachstum eines Jungen und dem anschließenden Zusammenbruch einer Familie handelt. Größe wird ganz wörtlich genommen, aber sie wird auch als Metapher für die koloniale Macht auf unsere Psyche verwendet. Filipinos sind ziemlich klein, vor allem im Vergleich zu unseren Kolonisatoren; wir haben immer zu anderen aufgeschaut. Ich wollte auch etwas über Bilder und das Bildermachen sagen. Es gibt immer diese Vorstellung, dass wir mit unserem Aussehen nicht zufrieden sind, dass wir westlicher aussehen wollen. Ich wollte dies auch mit dem Prozess des Erwachsenwerdens und des Erwachsenwerdens in Verbindung bringen. Meine Eltern schienen alles für mich geplant zu haben: Ich würde in den USA aufs College gehen, ich würde einen Job bekommen und ich würde sie unterstützen, damit wir alle in die USA ziehen können. Und ich hatte das Gefühl: Habe ich da überhaupt ein Mitspracherecht? Ich glaube, Filipinos neigen dazu, Amerika als das Zentrum der Welt oder als einen Film mit einem Happy End zu betrachten. Die Idee zu diesem Film war persönlich, aber ich dachte auch an Körper, an Familie, an Geschichte.

In „Nervous Translation“, meinem zweiten Film, ermöglicht ‚Scale‘ den Zugang zu emotionalen Zuständen, die mit Macht zu tun haben – wenn man die Kontrolle hat, fühlt man sich an der Spitze der Dinge, während man sich klein fühlt, wenn man keine Macht hat. Als ich jünger war, wollte ich unbedingt Architekt werden. Ich war fasziniert von Städten, Gebäuden und Räumen, die uns positiv beeinflussen können. Aber je mehr ich mich mit Architektur beschäftigte, desto mehr wurde mir klar, dass es nicht nur um die Räume geht, die wir bewohnen – Zimmer, Wohnungen, Geschäfte, Klassenzimmer, Bars, Kinos, Städte – sondern um die Räume, die uns bewohnen – Kindheit, Erinnerungen, Geschichten, Träume, Wünsche.

Was ich mache, entspringt dem grundlegenden Wunsch oder Instinkt, den Dingen einen Sinn zu geben, die Vielzahl von Bildern und Klängen zu verarbeiten, denen ich täglich begegne und die uns in der Erinnerung verfolgen. Meine Arbeit ist ein Weg, mir einzugestehen, dass ich nie vollständig geformt bin, sondern immer im Prozess des Werdens.

Sind bereits neue Projekte geplant? Wirst Du dem Dokumentarischen treu bleiben? 

Ich habe an einer Reihe von Studien über die Migration von Vögeln in die und aus den Philippinen gearbeitet, ein ähnliches Projekt wie der abendfüllende Spielfilm „The Wild Duck“, an dem ich gerade schreibe und der von den Erinnerungen an die Migration meines Vaters in die Vereinigten Staaten in den frühen 2000er Jahren inspiriert ist. Das Problem ist, dass ich seit langem Angst vor Vögeln habe. Im Jahr 2018 bin ich Mutter geworden, und meine Tochter ist von Vögeln zutiefst fasziniert. Ich dachte, vielleicht ist es an der Zeit, dass ich mich meiner Angst stelle. Oder vielleicht einfach zu versuchen, sie besser zu verstehen. Das Projekt zielt darauf ab, sich mit Migration in vielen Formen und Zeiten zu beschäftigen. Vögel, und insbesondere Enten, sind wie Vorbilder für uns Menschen – sie finden Wege, um mit verschiedenen Mitteln in unterschiedlichem Terrain zu überleben. Ich hoffe, dass ich eine Mischung aus einheimischen Vögeln und Zugvögeln zusammenbringen kann, die über verschiedene Generationen von Bewegtbildmedien wandern. 

Die Fragen stellte Doreen Matthei
Übersetzung Michael Kaltenecker

Lies auch die Rezension des Kurzfilms „To Pick a Flower


Interview: In our interview with Filipino director and artist Shireen Seno, we were able to learn more about her short documentary “To Pick a Flower“, which had its German premiere at the 64th DOK Leipzig, how a photo project introduced her to the subject, her research process, and how she incorporated personal and individual themes into the project. 

Tell me about the origin for your documentation. Was the starting point the timber industry or the portraits?

I was commissioned to make a new work as ‘artistic research’ for a photography exhibition based on archival images of Taiwan from 1869-1945. I was one of a few artists and scholars from Southeast Asia invited to reflect on the early period of photography in our respective regions, as a way to intervene and decentralize the focus on Taiwan, shedding light on its shared histories with Southeast Asia. I was given complete freedom to define my subject, method, and presentation. The exhibition venue, I was told, would be in the new Taiwan Photography Museum, which would be housed in a Japanese Colonial-style building in front of the Taipei Train Station. I wasn’t sure how to begin, to be honest. How would I approach the early photography of the Philippines?

Fortunately, during my research for a previous work, I had already encountered a few online archives of early Philippine photographs, digitized by public universities in the United States. I began to browse through the images aimlessly, just to keep myself open to chance, but soon enough, I found myself lost amongst the vastness of images. Finally, I came across an image that struck a chord in me: an image of a bride posing next to a potted plant, in place of a groom. It made me laugh and left me with so many questions.

What happened after the initial idea – how did the research go? How many sources did you get your images from?

I have always been drawn to the natural world, having spent most of my life in concrete jungles; I draw much inspiration for my work from my own meanderings in nature, which both ground me and inspire me. I began to search for more plants, trees, trunks, timber. My sources at that point were two U.S. public university libraries which housed archival photographs from the Philippines: University of Michigan and University of Wisconsin.

I decided to propose a video essay using archival photographs from the American Colonial era in the Philippines, exploring the sticky relationship between humans and nature: trees as capital, as decoration, and as companions.

Soon I needed to find more sources. I tried to find archival films, but I couldn’t find any moving image material that connected to my proposal. I also considered including some of my own photographs of flowers and plants. Eventually, I found new leads through Flickr, an online photography website which I used to use for my personal photographs back in the mid-2000s. It was here that I found archival images of Kolambugan, the lumber town that I focus on in the film. Exhausting the searches for timber and lumber naturally led me to forestry.

Did you have more photographs that didn’t make it into the film, if so how difficult was the selection?

Yes, quite a lot more photographs actually, mostly because they were photographs on Flickr which I could not find the official sources for. I also abandoned my idea of incorporating my own photographs into the film.

Can you explain more about your visual choices?

When working digitally with photographs, I often find myself amazed at the possibilities in reframing images. Because most of the digital copies I had were of such high quality, I was not limited in how big I could present them in the film. I tried many things, including adding motion and zooming in and out, but in the end, I realized that I wanted the viewer to dive into the image with minimal intervention, to allow the images to speak for themselves, so to speak. But in making a film with still images, there is always the danger of it becoming a slideshow of sorts, wherein the images appear almost robotically, with consistent intervals. I needed to find a particular rhythm, so the images would hold their own, and the viewer would not get too tired of it. Still image after still image can become quite tiring, which interestingly enough, gives a sense of the actual fatigue involved in searching the photographic archives. I decided to incorporate black with no image, only voiceover, to break up this bombardment of images.

Can you tell me about the voiceover text?

The voiceover includes notes from my diaries and goes back and forth between personal anecdotes and my responses to the images over time, often revisiting the images and checking my earlier assumptions.

How did the Filipino audience respond to your film?

I have actually not had a typical physical screening of the film in the Philippines, so I am not sure how audiences are responding. It has been part of an ongoing exhibition called Watch and Chill, jointly exhibited at four major art institutions in Asia: National Museum of Modern and Contemporary Art (MMCA) in Seoul, Museum of Contemporary Art and Design (MCAD) in Manila, MAIIAM Contemporary Art Museum in Chiang Mai, Thailand, and M+ in Hong Kong. MMCA showed it in Seoul as an exhibition and MCAD decided to show it in Manila at their parking lot-turned-temporary outdoor Drive-In Theater. Aside from how the respective museums decide to show it, it is screening online for free at watchandchill.kr, run by MMCA in Seoul.

Can you tell me a little more about yourself and how you came to make films?

My work is an effort to connect personal myths with larger cultural-historical ones. I am particularly interested in the idea of growing up and the pressures and problems that come with it. What does it even mean, to grow up? Shouldn’t it be a continual process, not an end in itself? We are always in the process of becoming.

For my first film, “Big Boy”, I asked my father to retell stories I heard from him growing up, eventually realizing they got magnified in each retelling. I tried to incorporate this sense of scale into the film, which is about a boy’s growth and the subsequent breakdown of a family. Size is taken quite literally, but it’s also used as a metaphor of colonial power on our psyche. Filipinos are quite small, especially compared to our colonizers; we have always been looking up to others. I also wanted to say something about images and image-making. There is always this idea of not being happy with how we appear, of wanting to look more western like. I also wanted to relate this to the process of growing up and coming into your own. My parents seemed to have it all worked out for me: I would go to college in the US, and I would get a job, and I would support them so we can all move to the US. And I felt like, do I even have a say in this? I think Filipinos tend to think of America as the center of the world, or a movie with a happy ending. The idea of this film was personal but I was also thinking of bodies, of family, of history.

In “Nervous Translation”, my second film, ‘Scale’ allows us to access emotional states associated with power — when you are in control, you feel on top of things, whereas when you have no power, you feel small. I wanted badly to be an architect when I was younger. I was enamored with cities, buildings, and spaces that could affect us in a positive way. But the more I studied architecture, the more I realized it isn’t just about the spaces we inhabit — rooms, homes, shops, classrooms, bars, cinemas, cities — but about the spaces that inhabit us — childhood, memories, stories, dreams, desires.

What I do comes from a basic desire or instinct to make sense of things, to process the multitude of images and sounds that I encounter everyday and those that haunt us from memory. Making work is a way of acknowledging I am never fully formed but rather always in the process of becoming.

Are there any new projects planned? Will you stay true to the documentary?

I have been working on a series of studies of the migration of birds in and out of the Philippines, a kindred project to a feature-length fiction film I’m writing, “The Wild Duck”, which is inspired by memories of my father’s migration to the United States in the early 2000’s. The problem is, I have long been afraid of birds. In 2018, I became a mother, and my daughter has been deeply fascinated with birds. I thought, perhaps it’s time for me to confront my fear. Or maybe just try to understand them better. The project aims to deal with migration in many forms and times. Birds, and ducks in particular, are like role models for humans—they find ways to survive by various means across varied terrain. I hope to bring together a mix of local birds and migratory ones, migrating across different generations of moving image media. 

Questions asked by Doreen Matthei

Read on the german review of the short film “To Pick a Flower

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