Neun Fragen an Giulia Grandinetti

Doreen Kaltenecker
Letzte Artikel von Doreen Kaltenecker (Alle anzeigen)
Arianna Del Grosso

Interview: Im Gespräch mit der Regisseurin Giulia Grandinetti konnten wir mehr über ihren Kurzfilm „Tria“ erfahren, der u.a. im ‚Internationalen Wettbewerb‘ des 23. Landshuter Kurzfilmfestivals 2023 lief, erfahren. Sie erzählt, wie aus dem Gefühl des Verrats die Geschichte gewachsen ist, warum sie ein Faible für Dystopien hat und warum ihr die Ästhetik und der Look eines Films genauso wichtig ist wie die Geschichte. 

The original english language interview is also available.

Wie ist die Idee zu Deinem dystopischen Film „Tria“ entstanden?

Die Idee für diesen Kurzfilm wurde im Sommer 2020 geboren. Zu dieser Zeit erlebte ich eine sehr große persönliche Enttäuschung nach einer Liebesaffäre, die unglücklich endete. Ich beschäftigte mich mit dem Thema Verrat, mit dem Gefühl, betrogen zu werden. Mir wurde klar, dass dies ein Thema ist, über das nicht sehr oft gesprochen wird. Ich habe das Gefühl, dass heute viel über das Konzept des Vertrauens gesprochen wird. Wir werden ständig aufgefordert, zu vertrauen, aber ich glaube, dass auch das Gefühl des Verrats sehr häufig vorkommt. Um meine Wunde zu heilen und zu verstehen, was ich fühlte, beschloss ich, dieses Gefühl in den Kontext der Familie zu übertragen, in der jeder von uns seine eigenen Beziehungsmuster für unser gesamtes Leben bildet. Und von da an begann ich eine Geschichte zu schreiben, die mir helfen sollte, meine Gefühle auszudrücken, wobei ich entdeckte, dass meine Enttäuschung viele Elemente ins Spiel brachte, wie die der Gesellschaft und sogar die Beziehung zu mir selbst. Der vollständige Titel des Kurzfilms lautet tatsächlich „TRIA – das Gefühl des Verrats“. (TRIA = die Zahl DREI in griechischer Sprache; ‚del sentimento del tradire‘ = vom Gefühl des Verrats).

Was reizt Dich so an Dystopien?

Bei allem, was ich geschrieben habe, habe ich immer die Faszination und das Bedürfnis verspürt, Welten zu erschaffen, die es nicht gibt, oft im negativen Sinne. Ich mag es, die Welt der Träume und der menschlichen Möglichkeiten zu erforschen. Es fasziniert mich, die Regeln, die uns heute lenken und an die wir uns irgendwie gewöhnt haben, zu verschieben und zu verändern. Dystopie – also das Gegenteil von Utopie – ist eine Auseinandersetzung, von der ich glaube, dass sie heute viel zu vermitteln hat: Für mich leben wir heute in einer völlig dystopischen Zeit, auch wenn wir von neuen Utopien besessen sind. Ich glaube, dass die Dystopie ein wichtiger Weg ist, um die Phantasie schweifen zu lassen, uns selbst über die Zukunft in Frage zu stellen und zu verstehen, dass es alles in allem auch heute noch viele Dinge gibt, die wir mehr schätzen sollten und um die wir uns besser kümmern könnten: kurz gesagt, uns daran zu erinnern – wenn auch mit einer Prise Ironie -, dass die Dinge schlimmer sein könnten als sie es heute sind. Im Grunde genommen eröffnen wir uns einen Hoffnungsschimmer, indem wir unsere Kontrolle zurückerobern. Darüber hinaus ist die Dystopie ein Genre, das mich immer wieder fasziniert, weil es uns erlaubt, sehr eindringliche Überlegungen zu den Alternativen unserer Welt anzustellen, und um eine Dystopie zu sein, muss sie auch nah an der realen Welt sein: eine schlechtere Welt, die aber letztendlich nicht so weit von dem entfernt ist, was wir heute leben.

Warum setzt Du in eine griechische Einwanderungsfamilie in Zentrum Deiner Geschichte?

Man sagt, dass alle Regisseurinnen und Regisseure viele Filme machen, aber am Ende immer über das Gleiche reden. Wenn ich einen roten Faden in meinem Kino identifizieren müsste, würde ich sagen, dass es das Thema der Vielfalt ist. Alle meine Protagonisten leben in einem Zustand der Unangepasstheit und der tiefgreifenden Vielfalt in Bezug auf den Kontext, in dem sie leben. In „Tria“ belastet das Gewicht dieses erfundenen Gesetzes eine Familie, die bereit ist, ein Kind zu opfern, um einen Platz in der Welt zu haben. Die Verbindung zu Griechenland besteht tatsächlich: Seit meiner Kindheit verbringe ich die Sommer in einem Haus auf Kefalonia, wo ich mit meiner 14-köpfigen Familie lebe. In der Stadt Rom, in der ich seit vielen Jahren lebe, ist die Frage der Einwanderung sehr präsent. Es gibt viele Roma-Gemeinschaften und der Integrationsprozess ist sehr komplex. Um eine Brücke zwischen Fantasie und Realität zu schlagen, habe ich mir diese Geschichte ausgedacht: Um die Integration zu begrüßen, wird ein schreckliches Gesetz vorgeschlagen. Ich persönlich habe nicht das Gefühl, die Roma-Kultur gut zu kennen, und um eine dokumentarische Darstellung zu vermeiden, habe ich mich von meinen persönlichen Erfahrungen inspirieren lassen: also von Griechenland, wo ich aufgewachsen bin. Es gibt verschiedene Romani-Stämme, und es erschien mir klug, diese Geschichte im Umfeld einer Roma-Familie griechischer Herkunft anzusiedeln. Tria hat auch den Ton einer griechischen Tragödie, und das Griechischsein meiner Figuren könnte sicherlich diesen archetypischen und symbolischen Teil, von dem ich vorhin gesprochen habe, verstärkt haben: Ich mache keine Dokumentarfilme, sondern fiktive Geschichten, die für mich den universellen Stoff so weit wie möglich berühren müssen. Die Wahl der griechischen Sprache gab mir das Gefühl, ehrlich mit meiner persönlichen Erfahrung umzugehen und den Wunsch zu verspüren, eine universelle Geschichte durch Archetypen zu erzählen, die von so vielen Menschen wie möglich gelesen werden kann.

Neben der Geschichte der Entscheidung ist der Film für mich auch ein Film über das Jungsein, das Miteinander unter jungen Menschen und auch Geschwistern. Wie wichtig waren Dir diese Aspekte?

Andrea Lombardini

Ich bin in meinen Geschichten immer sehr nah dran an allen Arten von Familienbanden: Das Band zwischen Brüdern und Schwestern ist sicherlich stark. Aber gleichzeitig ist es auch ein Tabu. Wie viele von uns – nicht nur Kinder – haben sich schon gefragt, ob unsere Eltern einen unserer Brüder/Schwestern mehr lieben oder schätzen als wir selbst? Es gibt Gefühle, die nicht nur schwer zuzugeben, sondern auch schwer anzuerkennen sind, und ich glaube, dass das Kino aus diesem Grund die Kraft hat, den Zuschauern unter die Haut zu gehen. Außerdem ist es in einem Film wie „Tria“ gar nicht so einfach, die Themen Tod und die Entscheidung der Eltern für den Tod eines Kindes zusammen zu sehen, wenn man es mit dem zarten Alter der drei Protagonisten vergleicht: und aus diesem Grund habe ich die Charaktere der drei Schwestern völlig unterschiedlich gestaltet. Denn wenn man aus der gleichen Familie kommt, die gleichen Eltern hat und im gleichen Haus aufwächst, kann man ähnliche Werte haben, aber die Wahrheit ist, dass am Ende jeder seinen eigenen Charakter und seine eigenen Ängste hat. In „Tria“ zeigt sich die Familie selbst in der Akzeptanz eines erschreckenden Gesetzes geeint: und obwohl sie sich auf die Tragödie zubewegt, finde ich, dass auch in dieser Akzeptanz des angekündigten Todes eines Familienmitglieds ein großer poetischer Sinn liegt.

In welchem Rahmen ist Dein Film entstanden?

„Tria“ ist ein Independent-Kurzfilm. Obwohl er auf Griechisch gedreht wurde, besteht die Besetzung ausschließlich aus italienischen Schauspielerinnen und Schauspielern (die den Text speziell für ihre Figuren auf Griechisch gelernt haben), und er wurde komplett in Rom gedreht: Allerdings ist es ein weniger erkennbares Rom, es ist ein Rom in den Vorstädten, an Orten, die etwas am Rande der Stadt liegen (wo diese marginalisierten Gemeinschaften oft leben). Normalerweise gebe ich in meinen Filmen nicht gerne den Ort an, an dem die Geschichte spielt, aber in diesem Fall hielt ich es für notwendig. Der Film spielt offen in der Stadt Rom, und diese Wahl hängt mit meinen Erfahrungen in dieser Stadt zusammen: Rom ist eine unglaubliche Stadt voller Widersprüche, Schönheit, Müll, Kunst, Tradition und jeder Menge Vielfalt. Für mich hätte es keine geeignetere Stadt als Schauplatz für eine Geschichte wie die von „Tria“ geben können.

Kannst Du mir mehr zur visuellen Umsetzung erzählen? Was lag Dir am Herzen?

Andrea Lombardini

Die Ästhetik des Films ist für mich ein wesentlicher Teil der Geschichte: Für mich ist Kino auch Form, nicht nur Inhalt. Und ich verwende das Wort Ästhetik immer nicht auf das, was schön ist, sondern auf das, was visuell (also ästhetisch) dazu beitragen kann, dass die Botschaft und die Atmosphäre des Films den Zuschauer erreicht. Diese Argumentation wende ich natürlich auch auf die Ästhetik des Tons an.

Was die visuelle Umsetzung betrifft, so kann ich sagen, dass ich die szenografische Inszenierung, die Komposition der Einstellung und die Lichtstimmung für grundlegend halte. Bei „Tria“ war für mich die Zusammenarbeit mit der Kamerafrau Eleonora Contessi von grundlegender Bedeutung: Der Film wurde auf 35-mm-Film gedreht, und unsere Wahl beruhte auf der Tatsache, dass wir wollten, dass „Tria“ ein taktiles Bild hat. Wir wollten dem Zuschauer die Möglichkeit geben, den Film mit seinen Augen zu berühren, um die Emotionen eines Films zu erfassen, der so weit von unserer Realität entfernt ist. Außerdem haben wir zusammen mit Eleonora an der Auswahl der Materialien gearbeitet, die auf der Bühne zu sehen sind (vom Bühnenbild bis zu den Kostümen). Dann werden der Raum und diese Elemente natürlich durch die Körper der Schauspieler zum Leben erweckt: und hier geschieht das Wunder der Kamera. In der Tat sind einige Sequenzen für mich wie ein Tanz zwischen der Kamera und den Körpern der Schauspieler. Für mich ist alles, was wir sehen, das Tor zu einer anderen Welt, und deshalb möchte ich mich um diese Tür kümmern und jeden, der sie betreten möchte, hineinlassen.

Dein Cast ist großartig! Wie hast Du sie gefunden?

Die Arbeit mit den Schauspielern ist für mich das Herzstück meiner Arbeit. Ich persönlich denke, 50 % der Arbeit bestand darin, Leute auszuwählen, die gute und solide Gründe hatten, in dem Film mitzuwirken. Und dann die gemeinsame Recherchearbeit. Im Laufe der Jahre habe ich meine eigene Arbeitsmethode entwickelt, die ich jedes Mal vorschlage und die mich immer wieder überrascht, wie die Schauspieler in der Lage sind, meine Wünsche zu erfüllen und gleichzeitig ihrer Art, sich im Raum zu bewegen und sich auszudrücken, treu zu bleiben. In diesem Fall war die Herausforderung sogar noch schwieriger, weil die Schauspieler in einer unbekannten Sprache agieren mussten, aber wir haben der Arbeit an Körper und Stimme und schließlich dem sprachlichen Code mehr Raum gegeben. Die Besetzung von „Tria“ hat mir sehr viel Freude bereitet, und ich bin sehr dankbar für die Arbeit aller, von den Hauptdarstellern bis hin zu den kleineren Rollen, die, obwohl sie weniger Zeit auf der Leinwand verbracht haben, diesen Figuren viel gegeben haben und sie wirklich zu dem gemacht haben, was sie sind. Dachte ich mir. Außerdem kann ich nicht umhin, hinzuzufügen, dass, wenn ihre Interpretation als glaubwürdig angesehen wird, dies auch der großartigen Arbeit zu verdanken ist, die die Kostümbildnerin Martina Latorre und die Maskenbildnerin Irene Del Brocco mit dem Aussehen und den Kostümen geleistet haben, die sie ad hoc für ihre Gesichter und Körper angefertigt haben.

Kannst Du noch etwas mehr von Dir erzählen und wie Du zum Film gekommen bist?

Ich wurde in einem kleinen Dorf in Mittelitalien geboren. Als Kind war ich voller Ideen und Spieltrieb: Mein Lieblingshobby war es, Kinder und Menschen zusammenzubringen und gemeinsam etwas zu schaffen. Ich war auf der Suche nach diesem Gefühl der Einheit und des Teilens. Aber viele Jahre lang wusste ich nicht genau, was ich machen würde, “wenn ich groß bin”. Ich war Tänzerin. Mit 18 zog ich nach Rom, mit der Absicht, Regisseurin zu werden. Aber ich wusste absolut nichts über das Kino oder das Regieführen. Ein paar Jahre lang habe ich Schauspieler studiert und verschiedene Erfahrungen gemacht. Ich bin nicht auf eine Regieschule gegangen, sondern habe mir mit 24 Jahren einfach gesagt: „Es ist zu spät. Wenn ich nicht anfange, etwas zu tun, werde ich es nie tun.“ Und so habe ich sieben Jahre meines Lebens damit verbracht, einen völlig unabhängigen Spielfilm zu drehen, eine Online-Spendenaktion durchzuführen und eine Menge Leute einzubeziehen. Der Film heißt „Alice und das Land der Wunder“. Nach diesen sieben höllischen Jahren wurde mir klar, dass ich wirklich Regisseurin werden wollte. Heute bin ich mehr denn je davon überzeugt, dass das Spiel, das ich als Kind gespielt habe, das Reinste an mir war: und ich hoffe, dass ich damit weitermachen kann und dass das Spiel zu meinem Beruf werden kann, mit dem ich leben und mich weiterhin ausdrücken kann.

Lange Zeit habe ich mich gefragt, was das Gegenteil von ‚Trauma‘ ist. Diese Frage habe ich mir selbst viele Monate lang gestellt und jedem, den ich getroffen habe, etwa ein Jahr lang. Und in dieser Kürze wurde mir klar, dass das Gegenteil von Trauma das Konzept der Macht ist. Macht in dem Sinne, dass man in der Lage ist, etwas zu tun, zu handeln. Traumata lähmen uns, sie entmachten uns. Deshalb ist es wichtig, dass wir lernen, zu reagieren und die Macht wieder in die Hand zu nehmen. Ich möchte meinen Filmen danken, denn dank ihnen kann ich mich ausdrücken, ich kann mich selbst kennenlernen, ich kann verzeihen, ich kann eine bessere Version von mir selbst werden und mich nicht zum Opfer der Traumata machen, die ich erlitten habe. 

Was „Tria“ betrifft, so habe ich das Gefühl, dass ich all meinen Mitwirkenden danken muss, insbesondere meinen Produzenten Riccardo Neri und Vincenzo Filippo (Lupin Film), meinem Verleiher Flavio Armone (Lights On) und all den Menschen, die meinen Film aufgenommen haben.

Sind bereits neue Projekte geplant?

Im Moment arbeite ich an zwei neuen Projekten: einem neuen Kurzfilm mit dem Titel „Majonezë“ (eine Geschichte über Liebe, Wut und Hoffnung, in Schwarz-Weiß gedreht, die in Albanien in albanischer und serbischer Sprache spielt) und meinem neuen Spielfilm mit dem Titel „Jaune et Bleu“ (der eine Liebesgeschichte zwischen einem Bruder und einer Schwester erzählt, produziert von Lupin Film und in Frankreich angesiedelt).

Ich arbeite ständig an neuen Projekten und bin glücklich damit. Filme sind für mich wie Thesen, Forschungswege, die eine Theorie beweisen sollen. Die Welt ist heute voller Risse und Probleme: Das macht mich nicht glücklich, aber man kann nicht sagen, dass wir keine kreativen Ideen und Anregungen haben, um sie zu verbessern.

Die Fragen stellte Doreen Kaltenecker
Übersetzung von Michael Kaltenecker

Lies auch die Rezension des Kurzfilms „Tria“

Interview: In our conversation with director Giulia Grandinetti, we were able to learn more about her short film “Tria“, which was screened in the ‘International Competition’ of the 23rd Landshut Short Film Festival 2023, among others. She tells us how the story grew out of the feeling of betrayal, why she has a soft spot for dystopias and why the aesthetics and look of a film are just as important to her as the story.

How did the idea for your dystopian film “Tria” come about?

The idea for this short film was born in the summer of 2020. At that time I was experiencing a very bad personal disappointment following a love affair that ended badly. I was investigating the theme of betrayal, of feeling betrayed. I realized that it is a topic that is not talked about very often. I have the feeling that today there is a lot of talk about the concept of trust. We are constantly asked to trust, but I believe that the feeling of betrayal is also very frequent. To heal my wound and understand what I was feeling, I decided to translate this feeling into the context of the family, the one in which each of us forms our own relational patterns for our entire existence. And from there I started writing a story that could help me express what I felt, discovering that my disappointment brought many elements into play, such as that of society and even the relationship I had with myself. The full title of the short is in fact “Tria – of the feeling of betrayal“. (TRIA = number THREE in greek language; ‘del sentimento del tradire’ = of the feeling of betrayal).

What is it about dystopias that appeals to you so much?

In everything I’ve written I’ve always felt the fascination and need to build worlds that don’t exist, often in a negative sense. I like to investigate the world of dreams, of human possibilities. It fascinates me to move and modify the laws that govern us today and to which we have somehow become accustomed. Dystopia – therefore the opposite of utopia – is an investigation that I believe today has a lot to communicate: today for me we live in a totally dystopian era, even if we are obsessed with new utopias. I believe dystopia is an important way to let the imagination travel, question ourselves about the future and understand that all in all today there are still many things that we should appreciate more and that we could take better care of: in short, remember – even with a pinch of irony – that things could be worse than they are today. So basically, open a glimmer of hope by taking back our power. Furthermore, dystopia is a genre that always fascinates me because it allows us to create very powerful reflections on the alternatives of our world and, in order to be a dystopia, it also needs to be close to the real world: a worse world but which, after all, is not so far from what we live today.

Why do you put a Greek immigrant family at the center of your story?

It is said that every director makes many films, but in the end they always talk about the same thing. If I had to identify my common thread within my cinema, I’d say it would be the theme of diversity. All my protagonists live in a condition of misfit and profound diversity with respect to the context in which they live. In “Tria“, the weight of this invented law puts a strain on a family that agrees to sacrifice a child in order to have a place in the world. The link with Greece really exists: in fact, since I was a child I have lived all my summers in Kefalonia, in a family house where I live with my large family of 14 people. In the city of Rome, where I have lived for many years, the issue of immigration is deeply felt. There are many Roma communities and the integration process is very complex. Wanting to create a bridge between imagination and reality, I thought of creating this story: in which to welcome integration, a terrifying law is proposed. Personally, I don’t feel I know Romanì culture well, and wanting to avoid creating a documentary representation, I felt inspired by my personal experiences: so Greece where I grew up. There are various Romanì stocks and it seemed smart to imagine setting this story within the confines of a Roma family of Greek origins. “Tria” also has the tone of a Greek tragedy and the Greekness of my characters could certainly have strengthened that archetypal and symbolic part I was talking about earlier: I don’t make documentaries, but fictional stories that for me must touch the universal material as much as possible. The choice of Greek made me feel honest about my personal experience and the desire to tell a universal story through archetypes that can be read by as many people as possible.

Besides the story about the decision, for me the film is also a film about being young, about togetherness among young people and also siblings. How important were these aspects to you?

I am always very close in my stories to all kinds of family ties: the bond between brothers and sisters is certainly powerful. But at the same time it is also taboo. How many of us – not the only children – have wondered if our parents love or appreciate one of our brothers/sisters more than we do? There are feelings that are difficult not only to admit, but also to acknowledge, and I believe that cinema has the power to get under the skin of the audience for this reason. Furthermore, in a film like “Tria” it is not at all easy to see the themes of death and the choice of parents for the death of a child proceed together if we compare it to the tender age of the three protagonists: and for this reason I built the characters of the three sisters completely different from each other. After all, coming from the same family, having the same parents and growing up in the same house can give us similar values, but the truth is that in the end everyone has their own character and fears. In “Tria” the family shows itself united even in the acceptance of a terrifying law: and despite going towards the tragedy I find there is a great poetic sense also in this acceptance towards the announced death of a family member.

In what context was your film made?

“Tria” is an independent short film. Despite being in Greek, the cast is made up entirely of Italian actors (who have learned the lines in Greek specifically for their characters) and was filmed entirely in the city of Rome: however, it is a less recognizable Rome, it is a suburban Rome , in places somewhat on the edge of the city (where these marginalized communities often find themselves living). Usually in my films I don’t like to declare the place where the story takes place: but in this case I felt it was necessary. The film is openly set in the city of Rome and the choice is linked to my experience in this city: Rome is an incredible city, full of contradictions, beauty, garbage, art, tradition and lots and lots of diversity. For me there could not have been a more suitable city as a container for a story like that of “Tria“.

Can you tell me more about visual realization? What was important to you?

The aesthetics of the film for me is a fundamental part of the story: for me cinema is also form, not just content. And I always apply the word aesthetic not to what is beautiful, but what visually (therefore aesthetically) can help the message and atmosphere of the film reach the viewer. Obviously I also apply this reasoning to the aesthetics of sound.

Speaking of the visual realization, I can certainly say that I find the scenographic staging, the composition of the shot and the lighting atmosphere fundamental. In “Tria” the collaboration with the director of photography Eleonora Contessi was fundamental for me: the film is shot on 35 mm film and our choice was based on the fact that we wanted “Tria” to have a tactile image. Giving the viewer the opportunity to ‘touch’ the film with his eyes to get to grasp the emotion of a film so out of our reality. Furthermore, an important work was done together with Eleonora on the choice of materials present on stage (from the scenography to the costumes). Then, obviously the space and these elements come to life thanks to the bodies of the actors: and this is where the miracle of the camera happens. In fact, for me some sequences are like a dance between the camera and the bodies of the actors. For me everything we see is the gateway to another world and therefore I like to take care of this door and let anyone who wants to enter it.

Your cast is great! How did you find them?

Working with actors is the very heart of my job for me. Personally I think 50% of the work was to choose people who had good and solid reasons to be part of the film. And then the research work carried out together. Over the years I have developed my own particular working method which I propose every time and which always leaves me very surprised by how the actors are able to satisfy my requests while remaining faithful to their way of moving in space and expressing themselves. In this case the challenge was even more difficult because the cast had to act in an unknown language, but we certainly gave more space to work on the body and vocals, and finally to the linguistic code. The cast of “Tria” has given me a lot of satisfaction and I am very grateful for the work of everyone, from the protagonists, to the smaller roles, who despite having lived on the screen for less time, have given a lot to these characters and made them truly identical to how they are. I figured. Furthermore, I cannot fail to add that if their interpretation is seen as credible, it is also thanks to the magnificent work done with the look and the costumes, done ad hoc on their faces and bodies, by the costume designer Martina Latorre and the make-up artist Irene Del Brocco.

Can you tell me a bit more about yourself and how you got into film?

I was born in a small village in central Italy. As a child I was full of ideas and the desire to play: my favorite hobby was to bring children/people together and create something all together. I was looking for this sense of union and sharing. But for many years I didn’t know exactly what I would do “when I grow up”. I was a dancer. At 18 I moved to Rome, with the intention of becoming a director. But I knew absolutely nothing about cinema or directing. For a few years I studied as an actress and I had various experiences. I didn’t go to directing school, I simply said to myself at the age of 24: “it’s late. If I don’t start doing something, I will never do it”. And so I jumped in and spent 7 years of my life making a totally independent feature film, doing an online fundraiser and involving a lot of people. The film is called “Alice and the Land that Wonders”. After these seven hellish years, I realized that I really wanted to be a director. Today I am convinced more than ever that the game I played as a child was the purest thing about me: and I hope to continue doing it and that game can become my job to live with and continue to express myself.

For a long time I wondered what the opposite of ‘trauma’ was. I asked myself this question for many months and everyone I met for about a year. And this short made me realize that the opposite of trauma is… the concept of power. Power in the sense of being able to do, to act. Traumas paralyze us, they disempower us. So it’s important to learn to react and take power back into our hands. Cinema is a means of being able, of being powerful: I want to thank my films because thanks to them I can express myself, I can get to know myself, I can forgive, I can become a better version of myself and not make myself a victim of the traumas I suffered. 

As for “Tria” I really feel I have to thank all my collaborators, in particular my producers Riccardo Neri and Vincenzo Filippo (Lupin Film), my distributor Flavio Armone (Lights On) and all the people who welcomed my film. 

Are there any new projects already planned?

Right now I’m working on two new projects: a new short film entitled “Majonezë” (a story of love, anger and hope, shot in black and white, set in Albania in Albanian and Serbian language) and my new feature film entitled “Jaune et Bleu” (which tells a love story between a brother and a sister, produced by Lupin Film and set in France).

I’m constantly working on new projects and I’m happy with that. For me, films are like theses, research paths aimed at demonstrating a theory. Today the world is full of cracks and problems: this doesn’t make me happy, but we certainly can’t say that we don’t have creative themes and stimuli to try to improve it.

Questions asked by Doreen Kaltenecker

Read on the german review of the short film “Tria“

Was Dich sonst noch interessieren könnte:

Neun Fragen an Hannah Jayanti und Alexander Porter

Neun Fragen an Sean Wainsteim

Kommentar verfassen